Vida Yovanovich

Vida Yovanovich es una fotógrafa mexicana, (nacida en La Habana en 1949, vive y trabaja en Ciudad de México) que ha dedicado gran parte de su obra a explorar la vida e identidad de la mujer, planteando cuestiones en su trabajo como el deterioro corporal que sufrimos los seres humanos, y también el emocional. Temas como la soledad, el abandono, el encierro y el rechazo son una constante en su obra.
Vida nació en Cuba de padres yugoslavos que vivieron la guerra y huyeron de ella. Salió a los siete años de la isla y desde entonces vive en México.

Estaciones de tren desamparadas y retratos de gente a la espera del tren eran ya la primera muestra del paisaje de la desolación concebido por Vida Yovanovich. Desde entonces adoptó un profundo compromiso con la fotografía para lograr imágenes que nos confrontan: autorretratos que agolpan los miedos en el rostro e instalaciones que cuestionan nuestras dudas e interioridades no resueltas.

Al principio habían sido los trenes, luego fueron las muñecas arrojadas a la basura y las caras de plástico se tornaron en retratos de las niñas-mamá que cuidan a sus hermanos o a sus propios hijos. De esa maternidad forzada, Vida dio el salto a la vejez mostrando a mujeres de cabello blanco, piel ajada y ojos de pasado y porvenir.

Durante 7 años acudió a un pequeño asilo, mirando, callando, llorando, hablando, conviviendo y, finalmente retratando a las ancianas que constituyeron Cárcel de los sueños: una reflexión amorosa pero nada complaciente de ese periodo vital..

De 1993 a la fecha, ha participado en más de cien exposiciones colectivas alrededor del mundo y ha expuesto individualmente en México, Cuba, Francia, España, Sudáfrica y EEUU. También ha participado en conferencias, comisariado varias exposiciones fotográficas y fue miembro de la junta directiva del Consejo Mexicano de Fotografía y ha sido profesora particular del FONCA, en su programa para fotógrafos jóvenes.

Entre los varios reconocimientos y distinciones que ha recibido podemos citar, principalmente, una beca de la Fundación John Simon Guggenheim (2000).

Actualmente su trabajo se concentra en la mujer en reclusión: Soledades sonoras toca la endeble línea divisora entre un mundo carcelario y uno de libertad, retratando a mujeres que han asesinado a sus maridos






http://www.vidayovanovich.com/


Patricia Aridjis

Patricia Aridjis trabaja como foto periodista independiente para varias publicaciones en México, y durante los últimos años se ha especializado en la fotografía documental, ha obtenido numerosos reconocimientos nacionales e internacionales y ha participado en más de 50 exposiciones tanto colectivas como individuales. Ha trabajado en varios periódicos y revistas mexicanas.

En 2002, recibió la beca del programa del estímulo para proyectos culturales del FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Ese mismo año, ganó el 1er lugar en la Concurso de  Fotografía Antropológica de la Escuela Nacional de Antropología e Historia, así mismo recibió el 1er lugar en la V Bienal de Fotoperiodismo.

En  2006, obtuvo el patrocinio de la organización española Revela que apoya trabajos fotográficos con temas sociales.

Ha participado en cuarenta exposiciones colectivas y  catorce exposiciones individuales.

Fotógrafa de la vida cotidiana, su trabajo ha documentado múltiples episodios y rituales de la vida en sociedad, sean religiosos o civiles que no han escapado a su mirada experta, pero quizá su trabajo más significativo, hasta hoy, sea Las Horas Negras ensayo fotográfico sobre las mujeres en prisión.

Documento invaluable sobre la vida en reclusión que muestra la desesperada y depresiva vida dentro de un centro de readaptación social. Nadie como Aridjis ha podido mostrar la soledad y lesbianismo como una manera de satisfacer necesidades afectivas; el auto castigo, los intentos de suicidio o el consumo de drogas para escapar de la realidad. Nadie más pudo haber interpretado el dolor de la maternidad entre rejas, y los gestos de solidaridad entre toda esa miseria humana.






http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/aridjis/
2012: éxito y desprecio de la fotografía mexicana


BLANCA GONZÁLEZ ROSAS
26 DE DICIEMBRE DE 2012 
CULTURA Y ESPECTÁCULOS


MÉXICO, D.F. (Proceso).- Además de museos gubernamentales sin público –entre semana, en la Ciudad de México, es común encontrar sin un solo visitante la Sala de Arte Público Siqueiros, el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo Nacional de la Estampa, el Laboratorio Arte Alameda y Ex Teresa Arte Actual–, escandalosos subsidios y creatividad artística deprimida –en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo se exhibe actualmente una pintura de Omar Rodríguez-Graham que es casi una copia textual de otra realizada en 2006 por el australiano Toba Khedoori–, el 2012 deja como saldo la ambivalencia entre la valoración y el desprecio de la fotografía mexicana contemporánea.

Sobresaliente en el ámbito creativo, el escenario fotográfico de nuestro país se caracteriza actualmente por una dinámica libertad que se desborda no sólo en la exploración temática, sino también en la construcción de texturas icónicas que transmutan las imágenes en objetos misteriosamente seductores. Marginada del circuito comercial, la fotografía mexicana despuntó este año en el mercado nacional y ferial a través de Patricia Conde Galería. Dedicada desde 2009 a la promoción exclusiva de prácticas fotográficas, este proyecto ubicado en el Distrito Federal sobresalió desde abril con su participación en la feria mexicana Zona Maco Arte Contemporáneo. Arriesgada en la selección de su establo, Conde ha conjugado una equilibrada pluralidad de estéticas fotográficas las cuales, sin perder la fascinación de la imagen, se caracterizan por la profundidad y solidez de su concepto.


Diseñado con el objetivo de divulgar el conocimiento de la diversidad de las prácticas fotográficas de nuestro país, su programa de exposiciones abarcó durante 2012 fotografía documental y construida, discursos conceptuales, paisajes urbanos y fantásticos, retratos e introspecciones personales, fotoperformance y foto-objeto, contenidos de género, naturalezas muertas y texturas visuales –o de imagen– a partir de técnicas tan antiguas como el colodión húmedo. Entre lo mejor que se ha visto en su espacio se cuentan las narrativas corpóreas y maternales de Ana Casas, los retratos intervenidos de Belinda Garen, los encuentros urbanos de Alejandro Cartagena, los raptos emocionales de Claudia Hans, las imágenes objetuales de Patricia Lagarde, el documentalismo poético de Yolanda Andrade, la fotografía dibujística de Juan José Ochoa, los paisajes fantásticos de Alexandra Germán y el tiempo evocado con imágenes estáticas y en movimiento de José Antonio Martínez.




FOTOGRAFÍAS POR LIEKO SHIGA
La serie del fotógrafo japonés Lieko Shiga: Canary  combina historias personales, que provienen de mitos locales, conjugadas con memorias personales, sentimientos y experiencias. Su proceso involucra poner las imágenes en el cuarto oscuro y generar una imagen poco visible, pero increíblemente fantástica y con gran significado. Tal como lo afirma la revista FOAM, 'la trascendencia y el poder de las fotografías rayan en los religioso'.  





http://www.liekoshiga.com/
LA LEVEDAD DEL CUERPO FEMENINO
Gabriela Ruvalcaba Sariñana, o Garusa, vive a través de las imágenes. Mundos imaginarios muy parecido a los que se encierran dentro de libros: la imagen etérea de una heroína que se levanta entre la neblina del amanecer y la levedad de su cuerpo.
Gabriela se graduó como ingeniera en sistemas computacionales y después de un amplío proceso de introspección decidió complementar su formación con una licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Durango.
Uno de sus detonantes creativos radica en la curiosidad por conocer el alma de las personas.  Su incursión en la fotografía inició con la búsqueda personal para lograr comprenderse y de paso encontrar un diálogo con el mundo exterior; durante este proceso descubrió una fascinación por observar imágenes, acciones y gente. Garusa cree en la importancia del autoconocimiento que se da como un reflejo de gustos, pensamientos y memorias.
Su fotografía retrata a personajes femeninos que entre la delicadeza y el misterio se suspenden en el aire, desafiando a la gravedad. Envueltos entre telas o el follaje de la naturaleza, los personajes de sus imágenes buscan reflejar una parte de sí misma: el gusto por escapar de la realidad y construir mundos alternos.
Garusa lleva su fotografía, a través de la manipulación y edición, a capturar un momento de elevación física, en la que luces y colores manejados en su composición fotográfica, otorgan un sentido más espiritual a las imágenes
Y es este aspecto de profundidad e intimidad uno de los principales focos creativos para Garusa, quien gusta de observar para encontrar aquellos gestos y rostros que le parezcan familiares,  ya sea a través de la memoria o de la imaginación; así como insertarse en las vidas de quienes observa, recreando acciones y relaciones en su mente, algunas de ellas en completo anonimato y llevando otras a la realidad.
Garusa forma parte de Colectivo Vintage, un grupo de fotógrafas, diseñadoras, artistas plásticas y otras ramas de arte, quienes se reúnen con el único fin de crear imágenes fuera de lo cotidiano.







https://www.facebook.com/colectivovintage?fref=ts

About Technology.....



Paul Virilio, arquitecto, urbanista, filósofo, cuyo pensamiento describe una visión integral de lo urbano y de la urbanística dentro de un sistema tecnológico avanzado, donde la velocidad (el tiempo), la información y las redes juegan un papel determinante.
 
Para él, las nuevas técnologás son capaces de secuestrar, seducir y simular la realidad  que a su vez pueden desaparecer la realidad, conduciendo de esta forma a un totalitarismo.
 
Así mismo, cabe destacar que para Virilio, " la cibernética es la gestión la red de lo humano en su dimensión individual y social, la aceleración tecnológica, la velocidad de la técnica donde se convierte en poder y la velocidad de la cibernética en 'tiempo real' se hace poder absoluto. La globalización -la 'mundialización del tiempo y la velocidad'- es, por consiguiente, el acotamiento espacial del control a través del dominio tecnológico. Las imágenes electrónicas, dinámicas y modelables por su definición numérica, crean un nuevo estatuto, una nueva cultura en el conjunto de las relaciones sociales y políticas. Pero sobre todas las imágenes se impone el flujo dirigido de las imágenes virtuales, recreadas por el culto a la cirugía estética de lo digital, con representaciones publicitarias idealizadas que ocultan las miserias de la realidad".
 
 




La fotonovela y sus posibilidades

La narración es algo que está presente en las distintas disciplinas artísticas, podemos hablar de imágenes en la pintura que nos narran, fotografías que en una misma nos cuentan algo, pero que sucede cuando las unimos para narrar algo más, de crear un relato, hablamos de la fotonovela. Podemos encontrar ejemplos de distintos artistas que han explorado en torno a crear relatos con secuencias de fotografías con distintos fines por ejemplo la novela gráfica, audiovisuales que utilizan fotografías para construir su discurso, instalaciones y demás. Aquí les comparto un artículo interesante sobre un repaso de distitnos ejemplos de fotonovelas para que reflexionemos sobre sus posibilidades y un ejemplo de Chris Marker que ahí nos muestran

http://seminarioarte.wordpress.com/2012/10/08/la-fotografia-que-narra-la-fotonovela/


La fotograía en ZONA MACO

Zona MACO se ha vuelto en los últimos años un evento importante de exposición de arte en nuestro país dirigido coleccionistas y público en general donde se encuentra el trabajo de diversos artistas y la presencia de diversas galerías. En el caso de la última emisión llevada a cabo recientemente en abril la fotografía de artistas mexicanos estuvo presente gracias a la Galería Patricia Conde, a la Galería Toca entre otros espacios que exhibían el trabajo de artistas como Omar Gómez, Patricia Legarde, Yvonne Venegas, Yolanda Andrade, Alejandro Cartagena entre otros. Con esto podemos notar que la fotografía sigue estando a la vanguardia de la construcción artística como eje fundamental, no nada más como parte de construcción para discursos artísticos multidisciplinarios, sino también como expresión autónoma. 


¿Nuestros nuevos magueyes?

Durante mucho tiempo los fotográfos se vieron incitados por retratar lo mexicano, paisajes, costumbres reflejadas en fiestas populares y demás para así crearnos imaginarios de lo que es lo mexicano. Hoy en día con el desarrollo del concepto de lo kitsch y demás han salido de detrás del telón nuevos íconos de la cultura popular que hoy en idea forman parte de ese imaginario de lo mexicano, uno de estos tópicos es precisamente la lucha libre, no sólo sus personajes sino el aparato del sistema que se ha creado a su alrededor: el evento, las máscaras, las figuras de plástico y demás. Películas de luchadores como las del Santo incluso se han vuelto cine de culto y han mitificado a este personaje al lado de algunos otros, podemos ver esta incursión de la lucha libre a esferas de lo artístico, siendo así parte de la lista de motivos que actualmente forman parte de lo que se define como parte de lo mexicano, así como los magueyes tuvieron su auge.


Una de los personajes de la fotografía más importantes que hicieron algo importante para reforzar esta incursión de este tema es Lourdes Grobet, quien tuvo la perspicacia de notar las cualidades de este fenómeno, siendo así la fotógrafa icónica de la lucha libre de los últimos años. En sus fotos podemos encontrar no sólo imágenes que nos reflejan la euforia del evento, sino también a los luchadores en contextos muy interesantes, detrás de las cuerdas, no como una documentación sino como un motivo para crear un discurso artístico en su entorno.

 En su sitio http://www.lourdesgrobet.com podemos encontrar de forma muy interactiva para el internauta el trabajo de la fotógrafa.

Conociendo un poco sobre Cristina García Rodero

Como hemos comentado en clase, la entrevista es algo que nos permite conocer un poco sobre el fotógrafo, su visión personal sobre su profesión y cómo la desempeña para esto podemos encontrar en http://cuartoscuro.com.mx/2013/04/cristina-garcia-rodero-una-fuerza/ una reflexión sobre de la misma fotógrafa española Cristina García Rodero un poco. Señaló que el texto no esta presentado meramente como una entrevista pregunta respuesta, sino que hay un análisis por parte del redactor de la misma y sólo encontramos algunos pequeñas declaraciones de la fotógrafa, de cualquier forma es interesante leer este tipo de textos para entender un poco el proceso de quien está de tras de la lente.
Durante la semana del arte en Miami que se llevó a cabo en diciembre del 2012, se presentó el Moving the still: A GIF Festival . Graphics Interchange Format es un formato gráfico ilustrado que permite comprimir imágenes en color, sin perder calidad para que pueden ser descargadas en un lapso breve. Su uso se popularizó, ya que permite la creación de imágenes animadas para ilustrar páginas web. Las animaciones hechas a partir de imágenes fijas se popularizó en la década de los noventa  del siglo pasado y en la primera década de este siglo. 
Esto ha derivado en un movimiento artístico llamado GIF art. En este se presenta una nueva forma de reproducir las imágenes en la que dura tanto como el espectador lo desee, no tienen narrativa y combinan la fotografía, la animación y el dibujo. Así, las imágenes fijas mediante la nueva tecnología regresan al punto que originaron el cine. 

Algunas de las piezas ganadoras fueron

RoseLee Goldberg’s GIF Selections:
Erdal Inci, self in galata
Manuel Fernández, On Kawara Time Machine
Join us in Miami next week during Miami Art Week to see these GIFs installed in physical space! 
Rose Lee Goldberg
Michael Stipe’s GIF Selections:
Vlad Lunin, Skater
Aero Breezie, Danger with a twist
Adam Ferriss, Orion
FashGif, Emoji in Motion
Dec Ackroyd, Sega Startup glitch
Mike Christie, Self Portrait as Explosion
Valentin Salja, Extreme Weather
Liaizon Wakest, ◯   ○    ❍     ⵔ      ⃝  
Paolo Čerić, Glitch_1

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Micheal Stipe
James Frey’s GIF Selections:
vveinventvou, camouflage
gualtiero, batconversation over
Lèfty, Urinal Busters
Patrick Burnell, Nightmare Boy
matequest.tumblr.com, DONUT 2

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James Frey
Ryan Trecartin’s GIF Selections:
Monica Dimperio + Lisa Frame, Oh, hi, O.
Emily Elizabeth W, Stop that
James Myrick, Starbucks in Starbucks fractal
Brennan Kelly, Pet Found in Park
Claire Marie Christerson, Self Portrait Through Allyssa
Peekasso, nothing you can do about
gwilli, wall face
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Ryan Trecartin

Wolfgang Tillmans y la cámara digital

Wolfgang Tillmans, el afamado fotógrafo que hasta hace poco había trabajado únicamente con cámaras análogas, cambió de formato. Dejó su cámara manual para realizar su último proyecto "New World" con una cámara digital. Con ella viajó por todo el mundo con el fin de añadir al imaginario visual ya existente, su experiencia contemporánea de la fotografía. Esto es, con este proyecto buscaba explorar cómo las nuevas tecnologías, la economía y la política han transformado el mundo desde la primera vez que él comenzó a retratar el mundo. Su trabajo no solo es un exploración a las nuevas técnicas, lo es a los mismos cambios que ha dado el mundo en los últimas dos décadas. 
Sin embargo, durante este proyecto, Wolfgang Tillmans mantuvo una postura conservadora durante su proyecto y se negó a retocar las imágenes una vez capturadas. 


Echolilia


Del libro fotográfico Echolilia
por
Timothy Archibald

Muestra que nos presenta la fotografía como un medio de acercamiento entre un padre (Timothy Archibald, fotógrafo) y su hijo (Elijah). Su padre al entender el desarrollo de hijo autista, decide retratar la vida de su hijo para poder acercarse a el. La fotografía funcionan como un medio, un aglutinante, para que la relación entre ambos se unifique y puedan enlazarse a través de las acciones del niño y la representación fotográfica de las misma por su padre. Siendo estas fotos, montadas y no espontáneas, el padre puede seguir los pasos de su hijo y ver el mundo a través de sus ojos. 

Exposición Robert Adams: el lugar donde vivimos

Retomando el tema sobre los géneros fotográficos, entre ellos el del paisaje, me encontré con esta referencia, una exposición de Robert Adams: El lugar donde vivimos, que se llevará acabo en el Museo Reina Sofía en España. 
A esta exposición se le considera como: 

"un trabajo fotográfico austero y directo pero lleno de matices y dotado de una fuerte potencialidad expresiva, Robert Adams (Orange, New Jersey, 1937) se ha convertido en uno de los cronistas más lúcidos de los profundos cambios que ha experimentado el paisaje del oeste norteamericano en las últimas décadas. Sus imágenes en blanco y negro de carreteras que se pierden en el horizonte, bosques deforestados o complejos residenciales y comerciales por los que deambulan figuras solitarias, documentan y denuncian el enorme impacto (tanto desde un punto de vista medioambiental como social y cultural) que el desarrollo urbanístico y la explotación intensiva de los recursos naturales ha tenido en este territorio".

Me parece intersante, el trabajo que desarrolla este autor, en relación a los textos revisados en clase. 
Aquí dejo la liga. 

Pioneer of modern color photography: William Eggleston

Retomando los conceptos trabajados en las últimas clases sobre la fotografía artística de posguerra, me encontré con esta exposición que se montará en el Metropolitan Museum of Art,  retomando la obra de Willam Eggleston. http://www.metmuseum.org/exhibitions/listings/2013/william-eggleston?utm_source=Twitter&utm_medium=tweet&utm_campaign=eggleston

"El corto más pequeño del mundo"

Considerando los temas tratados en las últimas clases referentes a la posmodernidad, y considerando las fluctuaciones de la fotografía y el cine; la ciencia y la manipulación de los medios ficcionales para la creación de nuevas "realidades",  esta nueva forma de creación que se visualiza en el "Corto más pequeño del mundo",  me parece , nos pone en una nueva dimensión de la fotografía, el cine, el arte y la ciencia.
Aquí dejo la liga.
http://www.animalpolitico.com/2013/05/el-corto-animado-mas-pequeno-del-mundo/#axzz2QlVrF9v9

Freud, rostro y fotografía expuesta como un cronograma del tiempo lúcido entre las nominaciones y la signatura.

Considerando que hoy, supuestamente, desde el discurso de lo que "se institucionaliza" a partir del discurso académico "de la ciencia", partiendo de la nominación, como lo señala Michel Foucault, en el texto las palabras y las cosas: 

"Sin embargo, el sistema no está cerrado. Queda una abertura, por la que todo el juego de semejanza corre el riesgo de escaparse a sí mismo, o de permanecer en la noche, si no fuera porque una nueva figura de la similitud viene a acabar el círculo - a hacerlo , a la vez, perfecto y manifiesto.
Convenientia, aemulatio, analogia y sympathia nos dicen cómo ha de replegarse el mundo sobre sí mismo, duplicarse, reflejarse o encadenarse, para que las cosas puedan asemejarse. Nos dicen  cuáles son los caminos de la similutd y por dónde pasan; no dónde está ni cómo se la ve, ni por qué marca se la reconoce..."1

Hoy supuestamente siendo el día del "psicólogo", nominación, "institucionalizada" por dicho discurso - el cual se vuelca e intenta emularse al discurso de la ciencia-, y reflexionando sobre  ello, que, a través del llamado padre del psicoanálisis, cuyo discurso bordea otros caminos diferentes al de la alienación, y quien por cierto, hace enfásis en la difer(a)ncia2 de que el psicoanálisis y la psicología son  muy distintos y nos llevan por recorridos opuestos: no podemos pensar a la psicología contemporánea sin el horizonte de sentido y la brecha de éste, mostrado por Freud, en la Viena de principos del siglo XX. Freud, rostro/obra, que también, siendo llevado a la crítica voraz, por el mismo Foucault en sus obras, considerando que "no-todo es psicoanálisis", muestra los rasgos del planteamiento del discurso "de la ciencia" supuestamente trabajado por el autor, "La interpretación de los sueños" (Freud, 1900).

Freud, figura controversial, al ser críticado -digamos signado- por muchos del mismo gremio, pero también eternizado por otros; muestra  una imagen fotográfica como evidencia de su recorrido y contexto cultural, y de quien, no podría hablarse de la llamada "revolución clínica".
Dejo esta imagen que testimonia a través del retrato histórico su presencia/ausencia y de quien también se podría pensar el concepto de "rostricidad" de Gilles Deleuze. 










1 Foucault, Michel. Las palabras y las cosas. México: 2007, Siglo XXI . Pp. 34.
2 Retomo el término trabajado y expuesto po J.Derridá, que atañe al concepto de la difer(a)ncia, como parte del concepto del descontructivismo en la escritura.


Exposición Retratos y Retratados... Consideraciones sobre la actividad fotográfica posmoderna.

Retomando los temas referentes al genero del retrato, en Casa de cultura Tabasco, ubicada en la col. Juaréz, se inaguró recién una exposición titulada "Retratos y Retratados" en donde se expone la obra de Rodrigo Vázquez, Boris Viskin, Roberto Rébora, Daniel Lezama, Ernesto Zeivy e Ilán Lieberman, entre otros artistas contemporáneos. Exposición en  donde también el diálogo entre la fotografía y el arte de la plástica se diferencian pero a su vez -en mi opinión- se entretejen para armar un discurso curatorial muy interesante entre la técnica, el espacio, la discusión y la relación histórica entre la posición del fotógrafo y el artista plástico, dando lugar a una marcada diferencia pero también otorgando un lugar de contraposición al discurso por un lado, académico/clásico y por el otro, a la concepción de la fotografía como formas de enunicación técnica como dispositivo que permite la idea de que la fotografía como medio,  se incluye en las otras formas de manifestación artística como parte de su actividad, retomando la idea planteada por Douglas Crimp respecto a que: "La posmodernidad sólo puede ser entendida como ruptura concreta con la modernidad, con aquellas instituciones que son condición previa para el discurso moderno y lo forjan... " 
En si misma esta exposición, a mi modo particular de contemplar, permite una interacción y diálogo discursivo entre la técnica, la fotografía y su inclusión en el arte, pero con una identidad propia. Recomendable esta exposición. 

Narciso Contreras y su línea fotográfica en relación a Cartier-Bresson.

Retomando lo que hemos venido trabajando en la clase de fotografía en las últimas tres semanas, me parece interesante e importante compartir esta liga en relación al documentalismo y fotoperiodismo, como medio para armar historias y contarlas a partir de la presencia de la fotografía como testimonio ocular del evento-espacio-tiempo definidos. La nota referida a Narciso Contreras: "Filósofo  por la UNAM, seguidor del hinduísmo, es hoy considerado uno de los mas grandes talentos mexicanos de la fotografía de guerra y fotoperiodismo, con sus imágenes publicadas en medios como el New York Times, the Guardian, TIME, Newsweek, der Spiegel, the Washington Post, entre muchos otros", ganador este año del premio Pullizer.
Y quien en esta breve nota habla en ciertos fragmentos de su entrevista, sobre Cartier-Bresson. 
Me pareció importante este punto, dado que, lo menciona como un fundamento a su trabajo y de esta manera la discursividad permite reflejar la línea tanto de su técnica como de su posición ética como fotógrafo.
Aquí dejo la liga. http://www.reporteindigo.com/reporte/mexico/guerra-en-un-clic

Consultar colecciones fotográficas

Si nos interesa ver registro de imágenes para ayudarnos a construir o visualizar el pasado les recomiendo visitar el catálogo de la Fototeca Nacional http://www.fototeca.inah.gob.mx/fototeca/ o también este esfuerzo del Instituto Mora por ordenar las fichas catalográficas de distintos proyectos de investigación con imagen fotográfica: http://lais.mora.edu.mx. Aunque no encontremos imágenes fotográficas que hayan tenido una intención meramente artística y más bien fueran utilizadas como registro para otras cosas resulta una experiencia interesante.

Aparte de actuar y escribir libros, 'The dude' también toma fotografías. Jeff Bridges nos da una visión única del mundo en el que creció, y desde una perspectiva que rara vez llega a ser vista: la de un actor en el set. Bridges utiliza una cámara Widelux para la mayoría de las imágenes porque dice que es lo más cercano a lo que el ojo humano puede ver. "Creo que tengo una perspectiva que no muchas personas tienen. Y puedo llegar a disfrutar de todas las extrañas fuentes de luz en el set."









Pueden leer la entrevista que le hizo el NYT para Lens Blog
http://lens.blogs.nytimes.com/2013/04/30/the-dude-abides-wide/

"Ouka Leele"

Alias de Bárbara Allende Gil de Biedma (Madrid, 1957) fotógrafa española que se da a conocer con su obra Movida Madrileña, a comienzos de los años 80, convirtiéndose entonces en representante indiscutible del Arte de la Postmodernidad.

Unas de sus fotografías...

 








http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/ouka-leele.html

"La niña de los disfraces...."

Cindy Shermann, fotógrafa estadounidense que gozaba de ser más que aunténtica, le encantaba disfrazarse, hobbie que le permitió explorar y  expresar su creatividad para consagrarse como la "Quintaesencia de la fotografía posmoderna".

Para ella todo era un juego, "Simplemente toteaba por ahí"
 
Cindy Sherman y Janet Zink vestidas como ancianas. Fotografía por Conrad G. Zink Sr. (c. 1966)

Shermann en un principio trabajó con series (Bus Riders), después con obras surrealistas (Claude Cahun), pero fue con  el experimento de 84 fotografías Untitled Films Stills (Fotogramas Sin Título) con el que se dio a conocer.


El tema central de estos Fotogramas Sin Título son los estereotipos femeninos: la mujer abandonada, la chica universitaria, la mujer perdida, la prostituta, la manipuladora, la golpeada. Todas estas mujeres son protagonizadas por una Sherman que se transfigura en Anna Magnani, Sophia Loren, Monica Vitti, Jeanne Moureau y hasta Brigitte Bardot.  Un gran trabajo fotográfico posmoderno.




 
 


http://oscarenfotos.com/2012/08/18/cindy-sherman-la-nina-de-los-disfraces/