fotos de trabajadores

Después de ver los materiales para la sesión 3, me gustó que apareció una foto que para los que somos arquitectos, es un ícono, y me refiero a la famosa foto de la construcción del Empire State de Lewis Hine.
En la foto se encuentran varios trabajadores descansando en una viga metálica volada por los aires.
Lo que me causa mucha curiosidad es que desde mucho antes, habían ya fotos de obras con gente trabajando a las alturas, o en situaciones comprometedoras y no las han hecho tan famosas como ésta. 
Quiero pensar que lo famoso se hace en el momento y en el instante adecuado; si llegas un minuto tarde ya no es.
Yo me encontré con una foto histórica de 1899 en Egipto en la región de Asuán cerca del inicio del Nilo, donde D.S George un Inglés afincado ahí tomó la foto que les pondré y donde resulta mucho más imponente ver a tantos trabajadores para la construcción de la presa más grande de la zona del Nilo.
La foto del Empire como dato fué en 1929.
Saludos.

Una de las catedrales góticas francesas que más solemne e imponente presencia y construcción tiene para mí es Notre-Dame de París. Como vimos en el Portafolio de fotografía arquitectónica a varios fotógrafos y entre ellos está Edouard-Denis Baldus. Tan impresionantes fueron las imágenes de Baldus desde el punto de vista de la claridad, la belleza, y la escala, que rápidamente se ganó el apoyo del gobierno para un proyecto titulado Les Villes de France photographiées, una extensa serie de puntos de vista de arquitectura de París y las provincias destinadas a alimentar a un resurgimiento del interés en el pasado romano y medieval de la nación.


Imperial Library of the Louvre, 1856–57
Édouard Baldus (French, born Prussia, 1813–1889)
Salted paper print from glass negative
17 1/4 x 13 7/16 in. (43.9 x 34.2 cm)
Purchase, The Horace W. Goldsmith Foundation Gift through Joyce and Robert Menschel, 1994 (1994.137)
Esta fotografía la pueden encontrar en el aservo del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

El museo es un recinto sagrado donde se puede apreciar y conservar el arte, es por eso que quiero compartir con ustedes lo siguiente:
"La fotografía como una nueva imagen está centrada en el poder de registro inmediato de lo real"
Que mejor lugar que dentro de un museo para apreciar lo real y palpable, de una época que no nos tocó vivir pero que sin embargo nos dió lo que hoy vemos tan común y tan presente como es la cámara fotográfica.
Uno de las revistas que ya son historia en cuanto a sus fotografìas es la revista National Geographic. Abarca todos los ambientes y continentes, me parece fascinante la labor que realizan no sòlo en investigaciones sino en documentalismo fotogràfico. Para mì es un ejemplo de veracidad en el medio que se desarrolla como el daguerrotipo: imàgenes honestas, imparciales, con credibilidad, con claridad, etc. Celebra 125 años de existencia y parte de su historia e imàgenes las pueden apreciar en el Museo National Geographic en la ciudad de Washigton, D.C.
ngmuseum.org
 
Hola companeras =)
En esta ocasion les quiero compartir mi gusto por la fotografa Tina Modotti.
Al final encontraran un link que los lleva a una pagina con toda la informacion actual e historica de esta gran fotografa internacional. Espero sea de su agrado, buen fin de semana!

Tina Modotti (Údine, Italia; 17 de agosto de 1896 - Distrito Federal, México 5 de enero de 1942) fue una famosa fotógrafa italiana.

A los 17 años emigró a Estados Unidos para alcanzar a su padre y hermana mayor, que ya vivían allí. Trabajó en Hollywood como actriz. En 1921 conoció a Edward Weston y en 1922 llega a México para enterrar a su primer marido Roubaix de L'Abrie Richey. En México conoció e hizo íntima amistad con Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Blanca Luz Brum, Nahui Ollin, María Tereza Montoya y Frida Kahlo. Se hizo miembro del Partido Comunista Mexicano en 1927. Apoyó activamente la lucha de Augusto César Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano. En 1928 conoce a Julio Antonio Mella, dirigente estudiantil cubano, cuando se forma el comité en apoyo a los anarquistas Sacco y Vanzetti. Conocida por sus controversiales fotos de desnudos y por la mirada particular que reflejaba en las fotografías que tomaba de México. Más tarde ella sería testigo del asesinato de Mella. En 1930, es falsamente acusada de conspirar para asesinar a Pascual Ortiz Rubio, presidente de México en ese entonces, por lo que fue detenida. Gracias a la ayuda de Diego Rivera, fue liberada pero expulsada del país.

 
Llega a Alemania a mediados de 1930, viaja a la Unión Soviética y se reencuentra con Vittorio Vidali, a quien había conocido en México. Participó en el Socorro Rojo Internacional. En 1934 parte hacia España. Durante la Guerra Civil Española se alista en el Quinto Regimiento y trabaja en las Brigadas Internacionales, con el nombre de María hasta el fin de la guerra. Margarita Nelken, en una de las varias alabanzas que se hacen a su actividad, relata cómo atendía a los niños que llegaron a Almería tras el éxodo del pueblo de Málaga que se vio acosado durante el trayecto a pie por los bombardeos de las fuerzas franquistas.
 

En 1939 regresa como asilada a México, donde continúa su actividad política, a través de la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi. En 1940, el presidente Lázaro Cárdenas anula su expulsión. Muere de un ataque cardíaco el 5 de enero de 1942 en el interior de un taxi. En el libro "Tina", Pino Cacucci hace mención a un posible homicidio de Tina Modotti, lo que siempre ha sido una controversia al no existir autopsia.

Junto con Weston, fue mentora del fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo. La escritora mexicana Elena Poniatowska escribió una biografía novelada intitulada "Tinísima". Víctor Hugo Rascón Banda escribió una obra de teatro llamada "Tina Modotti".
MIREYA LOPEZ



PROCESOS FOTOGRÁFICOS


La fotografía tiene una base técnica que le da un importante leguaje físico-químico, que aunque no seamos fotógrafos, debemos de conocer para poder entender y analizar la fotografía desde un punto de vista estético. Existen diferentes procesos fotográficos que han ido cambiando y evolucionando a lo largo de la historia y aunque hoy en día la fotografía digital aparentemente haya desplazado a algunos de estos, algunos artistas siguen utilizando los métodos tradicionales. Por lo tanto, es necesario conocer y entender los procesos fotográficos y sus diferencias; tanto en el resultado como en el deterioro que podemos tener en cada uno de los procesos para su mejor conservación. Sería raro que en el estudio del arte pasáramos por alto a la fotografía,  dado que es un fenómeno que está cada día tomando más fuerza y la producción de imágenes se populariza cada día más. Hoy todos somos fotógrafos.
Si trabajáramos en un museo de fotografía tendríamos que conocer cómo responden las imágenes a  diversos agentes de deterioro de acuerdo al proceso fotográfico mediante el cual se produjo.  Este conocimiento nos darían a conocer los distintos cuidados particulares y sistemas de almacenamiento apropiados para cada proceso.  Si identificamos correctamente el proceso por el cual las imágenes de un acervo fueron producidas, nos facilitará la planeación de los espacios físicos que requerimos tanto para su almacenamiento y conservación como para su exposición.
Para la identificación y el estudio se reconocen los siguientes elementos: soporte o base, aglutinante y sustancias formadoras de imagen. Existen otros elementos que dependerán de la técnica que les dio origen.
Por ahora me enfocaré en los procesos de acuerdo al soporte que presentan. El soporte o base sirve para alojar al resto de los componentes de las fotografías dando rigidez y permite sujetarlas fácilmente, debido a que las capas de aglutinante son tan delgadas que no podrían existir sueltas o libres del soporte. Los soportes fotográficos pueden estar constituidos por hojas metálicas, de vidrio, de papel, o polímeros plásticos como acetato o nitrato de celulosa. Los procesos fotográficos pueden diferir respecto al tipo de soporte que presentan.  
Procesos fotográficos sobre soportes metálicos: Daguerrotipo Ferrotipo.
Procesos fotográficos sobre vidrio: Ambrotipo,
placa negativa al colodión, placa de gelatina sobre vidrio.
Fotografías sobre soporte de papel: Papeles salados,
Albúminas,
Gelatinas de impresión directa, Papeles al colodión (brillante o mate) Gelatinas obtenidas por revelado, Cianotipos,
Platinotipos, impresiones al carbón,
gomas bicromatadas,
Kallitipos,
Papeles resinados modernos (banco/negro o color)
Imágenes fotográficas sobre soportes plásticos: Películas de nitrato de celulosa, películas de acetato de celulosa y placas de poliéster.
Como se observamos, existen numerosos procesos fotográficos que llevan el mismo tipo de soporte y que se distinguen del resto por los materiales aglutinantes que llevan. En otros casos, la división de los procesos fotográficos de acuerdo con el soporte que presentan, coincide con la que estableceríamos si los agrupamos por técnica fotográfica. Es decir, existen técnicas que sólo se diferencian entre sí por la naturaleza del soporte que utilizan, como en el caso de los negativos de gelatina sobre vidrio y los negativos blanco y negro sobre soportes plásticos. Respecto a éstos últimos debe aclararse que aun cuando aquí aparecen dentro del grupo de imágenes sobre soportes plásticos, y a pesar de tener emulsiones fotográficas similares, los materiales en soportes de acetato de celulosa, de nitrato de celulosa y de poliéster, son técnicas distintas y requieren de diferentes criterios para su preservación.
Esta clasificación por tipo de soporte es sólo un ejemplo de lo complicado que puede ser la identificación de acuerdo con el proceso fotográfico. Nos faltaría analizar los aglutinantes y las sustancias formadoras de la imagen.
Para que ustedes puedan hacer un estudio más profundo de estos elementos, les dejo este link que es un artículo de María Fernanda Valverde Valdés (Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía Instituto Nacional de Antropología e Historia)
museoferrocarrilesmexicanos.gob.mx/.../6_identificacion_procesos_fotograficos



Exposición fotográfica: "México a través de la fotografía"


En esta ocasión creí pertinente compartirles una nueva exposición fotográfica que se está llevando a cabo en el Museo Nacional de Arte, se titula "México a través de la fotografía". La muestra resume 170 años de este arte en el país, con una selección de alrededor de 330 imágenes procedentes de 35 archivos públicos y particulares, que destacan el desarrollo técnico de la fotografía, así como la evolución que hubo en los soportes y materiales fotosensibles en nuestra nación. De igual manera, la exposición tiene como propósito hacer un recorrido a través de los momentos históricos más relevantes en México y para lograrlo hace uso de la fotografía de más de 200 artistas entre los que destacan Claude Désiré Charnay, Hugo Brehme, Tina Modotti, los Casasola, los Mayo, Manuel Álvarez Bravo, Agustín Jiménez, Kati Horna, Rodrigo Moya, así como Fabrizio León, José Núñez, Marco Peláez Carlos Cisneros, Alfredo Domínguez, Francisco Olvera y José Carlo González, de La Jornada, quienes, en conjunto, lograron retratar la realidad social y la riqueza cultural de México.

La curaduría de esta muestra fotográfica estuvo a cargo del etnólogo Sergio Rául Arroyo, antiguo director del Instituto Nacional de Antropología e Historia. 






El Momento Permanente

Henri Cartier Bresson en esta foto tomada en 1932, nos presenta  la juxtaposicion de lo temporal con lo permanente, lo lineal con lo angular y lo curvo, lo sustancioso con lo reflejado, lo vertical con lo horizontal. El sujeto que salta hacia la derecha se contrapone con el del cartel que salta hacia la izquierda y a su vez los dos se detienen en su espacio por la figura central vertical y encarcada que los divide.  El fotografo frances con su Leica de 35mm, inicia un especie de fotoperiodismo al captar instantes de la vida de individuos comunes, congelando momentos que nos revelan mucho  y nos hacen sonreir.

la fotografía

La fotografía es un Arte

Actualmente la fotografía está considerada como un arte más, esto es, la cámara fotográfica al igual que el pincel y el lienzo se ha convertido en una herramienta imprescindible para que muchos artistas expresen sus emociones
 La fotografía artística más allá de su belleza nos hace cuestionarnos y plantearnos una serie de preguntas. Si no lo consigue sólo será una hermosa imagen más, que será relegada a ser únicamente observada y olvidada, como algunas de las imágenes que imperan en este mundo cuya democratización de la fotografía ha creado una sociedad acostumbrada a ver, pero no a fijarse en las imágenes que están a nuestro alrededor.
La fotografía es hoy el arte. Y como el arte, libre. El artista construye imágenes lentas que se oponen a la estética de la instantánea. La fotografía pasa a ser el soporte donde el autor expresa su discurso y no el objeto de adoración por sus gamas de grises y otros alardes técnicos o compositivos
 La fotografía como todo arte el concepto y la coherencia del discurso toma una importancia relevante a la hora de realizar la fotografía, de crearla. Podríamos decir que está visión de la fotografía como arte viene heredada de la década de los 60 cuando los artistas parecían más preocupados por el concepto y la idea que en la propia materialización de la obra.
Hay artistas que hacen uso de la fotografía para expresar sus emociones. Muchas de está fotografías a lo mejor no son muy brillantes ni estética ni técnicamente, pero tienen un concepto muy potente, tal es la fuerza en la idea que hay detrás del trabajo que consigue eclipsar las carencias estéticas de la imagen. Por otro lado nos encontramos imágenes realizadas por fotógrafos artísticos que son de tal belleza que se convierten en arte por si solas, por su hermosura y su perfecta realización a la hora de tomar la foto.

Annie Leibovitz

Hola, quiero compartirles un poco de información de una de mis fotógrafas preferidas. Me llama la atención la manera en que esta fotógrafa capta imágenes generalmente de personas famosas y reconcidas en algún ámbito y las presenta ya sea en escenas de la vida cotidiana (como nosotros los espectadores no estamos acostumbrados a verlos) o crea escenas mágicas o fantásticas, difíciles de transmitir.
Les compartiré un documental un poco viejito de 1993 y algunos links.
http://www.youtube.com/watch?v=f2lbAN-_0A0
http://www.vanityfair.com/contributors/annie-Leibovitz
http://annieleibovitz.tumblr.com/archive
http://www.culturainquieta.com/es/fotografia/item/1701-annie-leibovitz-retratos.html
Fotógrafa estadounidense nacida el 2 de octubre de 1949 en Waterbury, Connecticut. Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para algunas de las revistas más importantes, como Vanity Fair (Desde 1983, Leibovitz ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello), Rolling Stone o Vogue. Es conocida principalmente por sus retratos de celebridades.
Entre las fotos más famosas de Annie Leibovitz, figuran retratos a artistas como Mick Jagger, Michael Jackson, Bob Dylan o Bruce Springsteen, para los que realizó algunas de sus portadas más emblemática, de la Reina Isabel o de Obama con su familia.
No es que ella sea más transgresora que otros con sus fotos, pero sí lo es mucho antes que los demás.  Las fotografías de Annie aunque generalmente son retratos, tiene una magia especial, difícil de describir. Retrata a sus personajes como generalmente famosos en situaciones familiares, casuales o los presenta llenos de magia o fantasía. Es sin duda una de las fotógrafas más importantes de los últimos tiempos, y indudablemente crea tendencia, crea escuela. Se podría decir que ella reinventó y perfeccionó el concepto de “portada”. Y uno de los factores más importantes de su trabajo no tiene nada o poco que ver con la fotografía: saber entender a la gente. Es decir, saber hacer sentir cómodo al que está frente al objetivo, hacerlo cómplice de la escena.
Anna-Lou «Annie» Leibovitz, fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.
Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993. Sus imágenes son representadas, desde 1977, por la agencia de fotoperiodismo Contact Press Images.
Leibovitz es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, un Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, una instructora de danza contemporánea. Las labores militares de su padre obligaban a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente.
En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música, e ingresó al Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte. Su interés por la fotografía surgió en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, ubicada en Filipinas, donde su padre fue destinado durante la Guerra de Vietnam. Por varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969; 2 lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón.
De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco.8 Posteriormente, trabajó junto al fotógrafo Ralph Gibson.
En 1984 fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año. En 1988 recibió el premio Clio por la campaña publicitaria de American Express. En abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le dio el título de «Leyenda viviente». En el 2005, la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestros tiempos. En mayo de 2013 fue galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades.


Hola compañeras,
les comparto este link que me pareció interesante, pues se combina el gusto por la fotografía y la arquitectura de algunas de las ciudades más importantes en nuestro planeta.
Este fotógrafo decidió volar por todo el mundo y tomar fotografías que demostraran el lado urbano, moderno, rural, desolación, ciudades en progreso y el aprovechamiento del espacio de distintas ciudades alrededor del mundo. Siendo esta una muestra de lo que el hombre ha transformado en su hábitat natural, haciendo composiciones y estructuras físicas en la naturaleza que jamás serán reversibles.
Espero lo disfruten!

http://comunicacionpopular.com.ar/la-impresionante-vuelta-al-mundo-de-un-arquitecto-en-30-fotografias/



Hola compañeras. Yo para esta ocasión he querido colocar en el blog una foto que tenía, desde hace mucho tiempo y que al ver las presentaciones, me hizo sentir bien, de que en su momento los guardé por el amor a mi hoy "difunto" weimaran. Y ahora veo que son un referente dentro de la historia de la fotografía gracias a William Wegman.

La disolución de la fotografía

En este artículo se reseña brevemente una muestra colectiva en la que participaron 30 artistas, esta muestra se llamó From here on. La postfotografía en la era de internet y la telefonía móvil, se inauguró en febrero de este año en el Centro de Artes de Santa Mónica, España y fue el resultado de investigaciones en torno al papel de la fotografía, no con la intención de resignificarla, sino de repensarla.

La fotografía ahora está al alcance de todos, respondemos a una necesidad de guardar en la memoria temporal imágenes del mundo que nos rodea, como una especie de hilo conductor a la realidad en que vivimos, realidad distorsionada de por sí, como resultado, a decir de Jacques Baudrillard, del gran imperio del simulacro en el que se vivimos.

Link: La fotografía llegó a su disolución
 

La fotografía de Diane Arbus

Diane Arbus (1923-1971) fue una fotógrafa norteamericana que se caracterizó por plasmar en cada una de sus imágenes la "otredad". Es decir, todo aquello ajeno, distinto y/o raro a uno mismo. Destacaba los defectos, las fallas y rarezas del ser humano. Sus fotografías en blanco y negro muestran a los personajes mirando directo a la cámara para que, a través del flash, resalten las imperfecciones que los caracterizan. Arbus pretendía develar todo aquello que en la oscuridad rondaba en la normalidad pero que al exponerse a la luz aterrorizaba. Podría decirse, hasta cierto punto, que apelaba a una "estética de feo" (como diría Humberto Eco), en donde por medio de ella se encontraba la verdadera belleza de la realidad vista desde lo marginado. La obra de Diane Arbus se inserta en la mente del espectador y perturba los sentidos, lo invita a leer sus fotografías haciendo uso de una lírica del terror a la diferente. 




http://diane-arbus-photography.com/
http://culturacolectiva.com/diane-arbus-cazadora-de-la-ambiguedad/

Cámara Obscura en Edimburgo, Escocia

Elegí la cámara obscura por ser el instrumento que conecta el inicio de la fotografía con la cumbre del desarrollo del dibujo y la pintura.  En el Renacimiento para Leonardo Da Vinci, la luz no era solamente algo supernatural, era el principal recurso del artista; y la luz es todo en fotografía y en el dibujo y la pintura también.
Leonardo nos hace muy consciente de cómo se utiliza el claroscuro para subrayar la redondez y volumen de sus figuras, y como él modificó los colores de acuerdo a la luz y las sombras; él creía firmemente que la calidad de los colores siempre se puede cambiar por medio de la luz. Este énfasis en la luz más que en el color- y las investigaciones detalladas que lo acompañaban- sirvieron de base para lo que hoy en día es la pintura tonal. Así, el uso de la luz de los artistas en el siglo XVII y XVIII,
debe mucho a los experimentos contemporáneos en la ciencia de la óptica. El clásico ejemplo es el desarrollo de la cámara obscura, un pedazo de equipo diseñado para interceptar los rayos de luz, como van pasando a través de la pequeña apertura, la cual forma una imagen invertida de cabeza en una pantalla. La cámara obscura, efectivamente cambia la forma en la que los artistas veían su trabajo e incluso la forma en que pensaban al respecto; el arte se convertiría en representación directa en vez de recreación indirecta.

http://camera-obscura.co.uk/camera_obscura/camera_history_attraction.asp
En la Royal Mile, que va del Castle Hill (donde se encuentra el Castillo de Edimburgo) a High Street; se encuentra la Cámara Obscura,

la cual contiene un observatorio desde donde se ve la ciudad. Les anexo dos fotografías. La primera, se ve en lo alto del edificio el observatoio donde se ubica la cámara obscura y en la segunda, es la vista desde uno de los ángulos del Outlook Tower con vista al Castillo de Edimburgo. En el link pueden encontrar la historia de ésta cámara obscura.
Al inicio del siglo XVIII la familia Short fue hacedora de instrumentos científicos en el lado sur de Edimburgo. Maria Teresa Short, en la ciudad de Edimburgo compró una vivienda e instaló una cámara obscura hasta arriba del edificio y exposiciones llamándolas Observatorio Short y Museo de la Ciencia y el Arte. Posteriormente Patrick Geddes, un famoso urbanista y sociólogo compró la torre en subasta pública y la renombró Outlook Tower, porque quería cambiar la perspectiva de la gente. Geddes usó la cámara obscura para cambiar la manera de mirar la vida de la gente y la interacción entre el pueblo y el país.
Bibliografía: The Art Pack/ Christopher & Helen Frayling, Ron Van Der Meer/ Knopf
Por Katia

Faking It: Manipulated Photography before Photoshop


En esta primera participación les comparto un libro que me parece sumamente interesante.  Nos relata la historia de la fotografía manipulada y nos revela como el deseo de modificar una imagen así como la fabricación de acontecimientos que nunca tuvieron lugar, son tan antiguos como la propia fotografía.
El hombre siempre ha buscado la forma de producir imaginarios y lo único que ha cambiado son los métodos.
Entre las técnicas que se describen, ilustradas con obras  de colecciones internacionales públicas y privadas, podemos encontrar la exposición múltiple, la impresión combinada, el fotomontaje, el retrato compuesto, los repintes, el coloreado a mano, y el retoque.
En la liga viene un preview online del libro.
¡Espero que lo disfruten!


        
La Fotografía

 La fuerza de la fotografía como documento estriba en que no es necesario estar ahí, ni que lo fotografiado esté presente, pues con la fotografía tomamos su huella de luz, obtenemos un rastro, que generalmente se hace en un instante, obteniendo una fracción de segundo detenida, que nos permite observar reiteradamente lo que es. Por ello cualquier imagen puede ser un documento; sin embargo también las imágenes no fotográficas, como un dibujo o un grabado, nos ilustran sobre aspectos anteriores a la invención de la fotografía.

          Se debe recordar que este medio de comunicación posee sus propias características: es estático, se puede dar en diferentes colores y tonalidades como blanco y negro, color y sepia; sin embargo, en cualquier caso en la producción de una imagen siempre está detrás la mano del autor y de las características del propio medio fotográfico. Saber que encuadre se va a utilizar para dar énfasis a los elementos que se requieren es muy importante, ya que puede ser vertical, horizontal o apaisado, holandés o inclinado. Parte de un punto de vista o ángulo de toma que se relaciona con la perspectiva, toma a nivel, picada y contrapicada, con la opción de jugar con el Campo, el plano, líneas y formas horizontales, verticales, curvas u oblícuas.


          El carácter de la fotografía en nuestros días ha sido redefinido de un modo determinante por los cambios que se han producido en los usos y las prácticas sociales, derivados de las nuevas tecnologías digitales. Dentro del diseño se tiene como opción la Manipulación fotográfica o digital, fuente que trata diferentes efectos como la iluminación y las texturas. Para ello existe software como Phothosop, que nos permite editar imágenes de manera efectiva.

LA FOTOGRAFÍA



La fotografía

significa dibujar con la luz, capta un momento de la realidad, es un medio de comunicación, que permite el desarrollo del lenguaje visual y hace una interpretación de la imagen.

            El encuadre puede ser vertical, horizontal o apaisado, holandés o inclinado. Parte de un punto de vista o ángulo de toma que se relaciona con la perspectiva, toma a nivel, picada y contrapicada, con la opción de jugar con el Campo, el plano, líneas y formas horizontales, verticales, curvas u oblicuas.

            Dentro del diseño se tiene como opción la Manipulación fotográfica o digital, es una fuente que trata diferentes efectos como la iluminación y las texturas.

          Este concepto significa “dibujar con la luz" ya que capta un momento de la realidad, es un medio de comunicación que permite el desarrollo del lenguaje visual y hace una interpretación de la imagen.

           La fotografía, transmite vida a los objetos, “…de la observación permanente, tanto la ciencia como el arte, describen, interpretan, comunican y enseñan conceptos e ideas”para establecer la comunicación efectiva con su público.

           La técnica de plasmar imágenes en un papel resulta ser una actividad bastante provechosa en diferentes ámbitos, como la ciencia, el arte o el periodismo. Una de las características claves de la fotografía es su carácter documental, mismo que se puede encontrar en casi todas las imágenes que se producen con esta técnica.


Exposición. ARNOLD NEWMAN: MASTERCLASS

Hola,

En esta primer participación, les compartiré una experiencia que viví. Me tocó la fortuna de ver esta exposición en el Museo de Arte de San Diego. Además de exponer sus fotografías el objetivo de la exposición es mostrar al público el proceso de selección de un fotógrafo muy perfeccionista.

Arnold Newman (1918-2006), fue un fotógrafo estadounidense que se dedicó al retrato de personajes famosos de su época. Así fotografiaba, arquitectos, músicos, actores, pintores, escritores, empresarios, diseñadores y atletas como: Igor Stravinsky, Picasso, Marilyn Monroe, Truman Capote, Mondrian, Salvador Dalí, entre muchos otros.

Llama la atención en esta exposición, cómo Newman era meticuloso con los detalles que le darían una composición perfecta. Así, podía tomar hasta 57 fotos; como en el caso de Picasso.

Una foto que es muy famosa y que llamó mi atención particularmente es la de Igor Stravinsky en un piano. La foto está compuesta de triángulos. Para que puedan ver esto les comparto un video en dónde el curador de la exposición los llevará de la mano por las diferentes salas y hace comentarios que creo que nos servirán mucho para el curso que estamos tomando. El video dura 50 min. pero en verdad es una maravilla. Espero les guste.

Nos vemos pronto.

vimeo.com/40806257