Mariano Vivanco



Mariano Vivanco fotógrafo peruano nacido en 1975 en Lima. Realiza principalmente fotografía de moda en la cual su rica herencia cultural le brinda una estética única.
Su padre, Henry William Vivanco, era un científico, a los 5 años dejó su país, y llegaría a Nueva Zelanda, país en el que desarrolló su pasión por la fotografía y la moda. Tras estudiar fotografía en Melbourne, en el 2002 se trasladó a Londres para iniciar su carrera profesional. Actualmente vive en Nueva York y Londres.
Su gran salto al mundo comercial fue de la mano de Dolce & Gabbana. El dúo italiano ha confiado en Mariano no solo para sus campañas publicitarias, sino también para la elaboración de proyectos personales o incluso los calendarios anuales de la firma, entre los que destaca el calendario del año 2008 con algunas de las imágenes más sexys del prestigioso modelo David Gandhi, y la campaña protagonizada por cinco célebres futbolistas italianos de los que se vale para anunciar su línea Underwear 2010.
Publicó varios libros sobre el fútbol italiano y en 2006, fotografió al equipo francés de rugby para el calendario Dieux Du Stade de 2007.
Sus trabajos han sido protagonistas en revistas como The Face, I-D,  Another Magazine, GQ, Dazed & Confused, Vogue, Vogue Nippon, Nippon Vogue Homme, L'Uomo Vogue, Numero, Man About Town, Allure, Details, GQ Italy y 10 and 10 Man. 

Entre sus célebres retratos, desnudos, imágenes sensuales e instantáneas de caras conocidas podemos citar los de Dita Von Tesse, Naomie Campbell, Eva Herzigova, Sir Paul Smith, Sienna Miller, David Gandy, Lily Cole, Eva Mendes, Cillian Murphy, Rupert Friend, Emma Watson, Ricky Martin, Miranda Kerr, Helena Christiansen, Lady Gaga, Ronaldo, Messi, Cristiano Ronaldo, Kaká.
En 2007 realizó su primera exposición en solitario en la Print Space Gallery en el este de Londres, con el apoyo de Dazed and Confused, con sus series Cult y Artist.




Cartier

En esta ocasión subiré una foto que venía en la información de la sesión 9 de nuestro curso.
Cuando la ví, como me reí!!! mas que nada porque en esos tiempos y hasta en México, mucha gente pensaba que los primeros conmutadores tenían a "alguien" dentro haciendo todo el trabajo.
Primero recordemos que si estaban todas las oficinistas, pero después con los primeros aparatos, la gente, no podía que creer que ya todo lo hiciera una máquina.
Por lo que al ver el tamaño y demás, sí se llegó a pensar que había monos.
Asi es que Cartier- Bresson jugó con la sátira.
Saludos.


Fotografía forense

Como complemento a los diferentes tipos de géneros fotográficos que se han visto en clase como el foto periodismo, la fotografía documental y el retrato, por mencionar algunos; creí conveniente compartir una adición más a la lista de géneros: la fotografía forense. 

En el área forense, los informes parciales y la investigación de cadáveres, deben ser comprensibles y fáciles de entender. La fotografía es el mejor elemento de apoyo para el dictamen. Las imágenes revelan de manera clara los resultados obtenidos. Por esta razón, la fotografía forense se denomina "ciencia del pequeño detalle" ya que una imagen fotográfica suple al ojo humano y, por tanto, proporciona la misma visión que se tiene al observar un objeto directamente.  Es la disciplina que tiene por objetivo la documentación gráfica de las condiciones en que se encuentra el lugar de la investigación y de los indicios localizados en él. Deberá de establecerse una progresión clara que vaya de vistas generales, medianas, primeros planos, acercamientos y grandes acercamientos, según lo requiera el caso. Cada indicio se fotografía empleando un testigo métrico y señalando su ubicación cardinal.

Es la especialidad pericial que utiliza la técnica fotográfica para auxiliar a las ciencias forenses, fijando, es decir, registrando metodológicamente y con la exactitud y nitidez suficientes para preservar en imágenes, todos y cada uno de los indicios relacionados con la investigación de los hechos presuntamente delictuosos. Es básica esta disciplina, como apoyo a las demás áreas periciales, tanto en la investigación de campo como en la de laboratorio y la de gabinete.

El objetivo general de la fotografía forense es el de reproducir la totalidad de los elementos cromáticos en el examen del lugar de los hechos, la identificación de los objetos, la fijación del sitio donde se localizó la evidencia, así como las características del mismo, reuniendo exactitud y nitidez.

Los requisitos que deben cumplir las fotografías son los siguientes:
a) Posibilidad de relacionar el objeto con el entorno. Fotografías panoránimcas, visión individual del objeto o sujeto y de los indicios.
b)Visión de los detalles más pequeños: caro o microfotografía
c)Eliminación de sombras o incremento de las mismas en caso necesario.
d)Relación de los parámetros espacio-tiempo
e) Imágenes complementarias

En la actualidad se utilizan cámaras de tecnología digital, que tienden a suplir a las convencionales, sustituyendo la película de celulosa por tarjetas de imagen. Uno de los incovennientes que presenta la fotografía digital es no alcanzar la calidad correcta, así como el escaso valor probatorio en los casos periciales.

El Servicio Médico Forense (SEMEFO) utiliza cámaras "Reflex" semiautomáticas, rollos ASA 100 y cuenta con un archivo fotográfico que contiene fotos y negativos desde 1999. 

Respeto a la existencia, Respeto a la vida con la fotografía de W. Eugene Smith y con el Dr. Schweitzer

Uno de los archivos fotográficos que más llamó mi atención, fué el del documentalismo de W. Eugene Smith, fotógrafo estadounidense quien retrató al Dr. Albert Schweitzer en acción durante su estancia en Africa. El fotógrafo Smith y el músico, filósofo, teólogo protestante y Premio Nobel de la Paz (1952)  comparten el amor a la vida, el primero a través de la publicación fotográfica (manifestándose sobre la existencia humana por medio de las imágenes de guerra bélica y espiritual) y el segundo a través de la ayuda humanitaria (con su visión del mundo: la "Reverencia por la Vida"). Dos mundos con una visión muy humana o humanizadora, ambos nos inspiran a crear una conciencia y dar algo de nosotros a la humanidad.
El Dr. Schweitzer definió humanidad, como la consideración por la existencia.
http://unusmagister.blogspot.mx/2008/09/muri-el-doctor-albert-schweitzer.html

HEIKO HOSOE

Hosoe se ha convertido en una leyenda por sus fotografías que muestran algo más allá de la realidad, rebasan el aspecto físico y se convierten en medios que nos conectan con nuestros pensamientos e imaginación.  Sus figuras, contrastes,  grises,  luces y  sombras de la arena de plata, atrapan y seducen. Su obra es un entramado de encuentros y un laberinto de significados: va de la realidad social a la filosofía, del retrato a la danza Butoh, de los grises a la solarización, del paisaje oriental a la arquitectura de Gaudí, del erotismo a la lucha entre los sexos, y de lo tangible a lo invisible.

Biografia
Eikoh Hosoe nacio el 18 de marzo de 1933 . Es un fotógrafo y productor audiovisual japonés.
Su padre era un sacerdote shinto y empezó a hacer fotografías desde su infancia. Ganó el primer premio del concurso Fuji Film con su obra Paddie-Chan por lo que aumentó su interés por la fotografía y entre 1951 y 1954 realizó estudios en la Escuela de Fotografía de Tokio, lo que le permitió al terminar trabajar como freelance. En 1959 fundó la agencia Vivo junto a Ikkō Narahara y Shōmei Tōmatsu, entre otros.
Su primera exposición la realizó en 1956 con el título An American Girl in Tokyo (Una americana en Tokio) en la galería Konishiroku de Ginza. En la década de los sesenta era un referente para la fotografía de innovación en Japón y en 1963 publicó su libro Barakei (Muerto por las rosas) en colaboración con Yukio Mishima con el que alcanzó gran éxito mundial por sus imágenes de desnudos realizados en blanco y negro con gran contraste. Sin embargo su primer libro lo había publicado dos años antes con el título de "Mujeres y hombres". Otro libro destacable fue Ordeal by roses con el que realizó una suite titulada Embrace en 1971 donde destacan sus desnudos y composiciones eróticas. Su obra se considera un antecedente del trabajo de Robert Mapplethorpe.
En 1964 estuvo visitando Barcelona donde se sintió impresionado por la arquitectura de Gaudí lo que le hizo regresar en 1977 a fotografiar su obra.
En 1974 fundó la Photo Workshop School en Tokio junto a Nobuyoshi ArakiMasahisa FukaseDaidō MoriyamaNoriyaki Yokosuka y Shomei Tomatsu. En 1975 fue nombrado profesor de fotografía en el Instituto Politécnico de Tokio, aunque continuo su trabajo participando en exposiciones entre las que se puede destacar la realizada en los Encuentros de Arlés de 1983 y la exposición itinerante realizada en el año 2000 en el International Center of Photography de Nueva York.
Reside en Tokio.





"LA RUTA DE LA MUERTE: MIGRANTES EN TRÁNSITO"

Exposición del fotoreportero chiapaneco Moisés Zúñiga, presentada en Nueva York.
En la muestra encontramos imágenes del viaje de los centroamericanos, en su paso por el sudeste mexicano, rumbo a Estados Unidos.
“La ruta de la muerte: migrantes en tránsito por México” presenta a hombres, niños y mujeres que ya lograron llegar a México –muchos heridos- y ahora se preparan para la nueva fase del viaje al norte, considerado uno de los más peligrosos del mundo, montados sobre el techo del tren, conocido como La Bestia. La exposición se inauguró el 24 de octubre, en el Instituto Hemisférico, en Nueva York. 





Phillip Toledano






  “Sería justo decir que he aprendido por ósmosis. Yo me considero un artista conceptual: Todo comienza con una idea, y la idea determina la ejecución.
Por lo tanto, mi trabajo varía en el medio, desde la fotografía hasta la instalación, la escultura y la pintura. Los temas de mi trabajo son principalmente socio-política, aunque últimamente me he desviado en el profundamente personal.”

Phillip Toledano nació en 1968 en Londres, de padre americano y madre franco-marroquí, que vive y trabaja en Nueva York. Es conocido por sus retratos surrealistas llenos de elementos orgánicos, apéndices metálicas y figuras repetitivas.
Estudio literatura Inglés. Su educación artística viene de su padre, que era un artista de tiempo completo. Su fotografía es muy íntima y directa, y transmiten una fuerza arrolladora.
Tuvo su primera cámara a los 11 años.
Tiene un extenso currículum como director de arte y un maravilloso portafolio de su carrera fotográfica.
Su indiscutido talento hace que su obra revista una variedad pocas veces encontradas, pasando por las clásicas fotografías publicitarias hasta las más excéntricas obras de arte moderno.
Cree que las fotografías deben ser como las frases sin terminar. Siempre debe haber espacio para preguntas.
El trabajo de Phillip es socio-político, y varía en el medio.
Phillip Toledano es un fotógrafo que gusta de los sujetos poco tradicionales retratados de un modo tradicional.


Basándose en la estética del artista alemán Hans Holbein, del siglo XVI, Toledano presenta sujetos transgénero, con pómulos ampliados, senos aumentados, con los labios llenos de botox y sin arrugas en la comisura de los ojos son un tipo de belleza alternativa opuesta a lo cotillion.

Su trabajo ha aparecido en Vanity Fair, The New York Times magazine, The New Yorker, Esquire, GQ, Wallpaper, The London Times, The Independent Magazine, Le Monde, y la revista Interview, entre otros.
Su trabajo más conocido es “Days with my father”, donde relata en forma de imágenes, los 3 últimos años con su padre.

http://sientateyobserva.com/2011/05/31/entrevista-a-phil-toledano/http://www.mrtoledano.com/
http://www.youtube.com/watch?v=d3TtUZezxho
http://www.youtube.com/watch?v=Tp3GAuE5RbU

La última imagen de una mujer es su historia. (Siegfried Kracauer).

Edith Piaf
www.youtube.com/watch?v=0g4NiHef4Ks
 Quisiera conservar la historia de Edith Piaf y su música como la última imagen de su persona, en el lugar de ésta imagen fotográfica, que expresa tanta tristeza y dolor en su rostro.
Nicolas Tikhomiroff (1927), fotógrafo francés de padres rusos. Empezó a trabajar en la Agencia Magnum en 1959. Famoso por su trabajo en World Cinema, teniendo también un extenso portafolio de fotografía de guerra principalmente en Camboya, Laos y Vietnam. Encontré dentro de su acervo fotográfico ésta foto de Edith Piaf, célebre cantante francesa. Uno de sus grandes éxitos musicales en 1946, fué "La Vie en rose" escrita por Edith, es una canción de amor. Su vida estuvo rodeada de inestabilidad, drama, amores, morfina, éxitos y derrotas. Es una de las canciones de lengua extranjera que más me gusta, así como me impacta la vida de la cantante y algunas de las imágenes que existen de su persona.
En la página de Magnum Photos podrán encontrar el portafolio de Tikhomiroff, Robert Capa y Henri Cartier-Bresson entre otros.

http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_14

El significado de la imagen puede ser una representación gráfica que queda como un símbolo.

EL SIMBOLO DE LA PERFECCION DORADA: La Divina Proporciòn
Esta fotografía que les presento me gustó mucho ya que la veo como un símbolo de la historia del arte dentro de una imagen fotográfica. Le quité la envoltura a la imagen de Franck.
equiangularCurva descrita por René Descartes (1596-1650)
Imagen fotográfica de Martine Franck

Carl Lumholtz

Entre los mexicanos que visitaron México en el siglo XIX se encuentra el noruego Carl Lumholtz. El autor destaca por su atracción a la fotografía naturalista y documental, en este sentido cabe mencionar sus trabajos en Australia con los aborígenes de Queensland que lo encaminan al estudio de los pueblos primitivos. Posteriormente le llama la atención nuestro país, sin embargo con el estallido de la Revolución de 1910 tiene que frenar su producción e investigación. En consecuencia, seguirá sus viajes por India y el sureste asiático. 
Lumholtz, a diferencia de los demás extranjeros que llegan a México que veían a los indios como parte del paisaje nacional, viene al país en calidad de antropólogo. Quedó fascinado por los tarahumaras, huicholes, nahuas, coras, tepehuanos, tarascos, etc. Por estas razones, su trabajo se considera uno de los estudios más importantes, desde la visión de la etnografía, de los pueblos indígenas de México. 






http://www.festivaldemayo.org/fcmj2011/carl_lumholzt_info.htm
biblio.juridicas.unam.mx/libros/1/252/15.pdf‎

Flor Garduno

Fotografa y artista mexicana.

 Realizó estudios de artes visuales en la Antigua Academia de San Carlos, de la UNAM.1 Interrumpió sus estudios después de tres años a favor de una posición de asistente de cuarto oscuro1 , del veterano y muy respetado fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo. Con el maestro, fue capaz de desarrollar y perfeccionar sus habilidades adquiridas. Luego trabajaría con el Ministerio de Educación de México, para el que proporcionó fotografías para libros de texto, enriqueciendo el conocimiento de su tierra y la vida de la gente; y recibiendo muchas sugerencias para su trabajo futuro y su estilo fotográfico acuñado.2 En 1982 tuvo su primera exposición en la Ciudad de México.

 En 1985, y animada por el entusiasmo y apoyo del pintor Francisco Toledo, publicó su primer libro. Otras publicaciones y numerosas exposiciones en poco tiempo la hicieron conocida fuera de las fronteras. En 1993, se dedicó a la revista suiza du. Con el siguiente libro Witness of Time que tuvo un éxito rotundo. Fue traducido a cinco idiomas. Y le permitió programar una extensa gira internacional de exposición a través de más de cuarenta países de América y Europa. En 1995, recibió una beca de tres años para su nuevo "Proyecto Mesteños". En esa serie de imágenes de Flor Garduño muestra animales y personas de su entorno natural. Ella consiguió el trabajo un año después, para la Casa del arte de Zúrich, realizando 2.000 fotografías de la ciudad; y, un documental biográfico sobre ellas.

Desde finales de 1980, su obra se muestra en exposiciones, galerías y museos. La artista ha recibido numerosos premios, becas y galardones por su trabajo.4 Vive y trabaja con su familia en Stabio, Cantón del Tesino, Suiza; y en Tepoztlán, México.



Para conocer mas sobre su obra puedes acceder a estos links que agrego.

 http://www.florgarduno.com/

http://culturacolectiva.com/flor-garduno-la-piel-mexicana/

http://www.youtube.com/watch?v=xpOba_ffshU




G.M.B Akash


Es un fotógrafo de Bangladesh que hace fotoperiodismo. Nació en 1977 en Narayangonj. Se inició en la fotografía en 1996 cuando asistió a un seminario World Press Photo en Dhaka durante 3 años y se graduó con una licenciatura en Fotoperiodismo en la escuela Pathshala, el instituto de fotografía surasiático en Dhaka.
Sus fotografías son una denuncia del dolor, sufrimiento, alegría y esperanza de la gente común de Bangladesh. Expresa que su intención es plasmar las experiencias de los sin voz. Hace fotoensayos como “nacidos para trabajar” donde denuncia el trabajo infantil. Así, posee cuadernos de viajes y experiencias que transmiten un Bangladesh cotidiano en sus tradiciones y sus conflictos.


Como periodista multimedia, ha viajado intensamente por más de 20 países y ha obtenido más de 70 premios internacionales y su trabajo ha sido mostrado en más de 80 publicaciones internacionales importantes, como National Geographic, Vogue, Time, New York Times, International Herald Tribune, Sunday Times, Newsweek, Geo, Stern, Der Spiegel, The Fader, Ein Brand, The Guardian, Marie Claire, Colores, The Economist, The New Internationalist, Kontinente, Amnistía Journal, Courier Internacional, PDN, Die Zeit, Days Japan, Hello y el Sunday Telegraph de Londres.
    Pueden ver su trabajo en su página personal y también tiene libros como: 

First Light (2006),
Survivors (2012).
Su página es:

Por distintos caminos puedes llegar al mismo punto....

En la publicaciòn Arte e Historia de Mèxico, Retrato de Mèxico; me encontrè èstas fotografìas tomadas por Berenice Kolko, fotògrafa polaca. Por medio de muchos artistas se puede llegar a las imàgenes de Frida Kahlo.De acuerdo al texto del libro de Oliver Debroise, las imàgenes de Kolko resultan simplistas en sus conceptos estèticos, pero creo que tratàndose de Frida Kahlo no se necesita màs que la pura imagen, ya que llena el plano con su personalidad y su historia universalmente conocida. Lola Alvarez Bravo tamièn retrato a Frida Kahlo y su recàmara.
  En èsta fotografìa de niños de igual manera podemos ver y analizar calificativos de los personajes sin necesidad de una estètica fotogràfica especìfica, se aprecia la ingenuidad y espontaneidad de la edad, con un plano de profundidad que lo marca el pasillo difuso que vemos a la izquierda y atràs de los niños (derecha del observador).
Hay imàgenes que hablan por sì solas, sin necesidad de tecnicismos elaborados ni de estèticas rebuscadas. Los niños y los personajes que conforman la historia pictòrica de un paìs como el nuestro ya son una atractivo para mirar la imagen.

Modotti

Dentro de todos los nombres que aparecieron en las lecturas de la sesión 7, siempre el nombre de Tina Modotti va a resultar importante ya sea por sus relaciones con los "grandes" de esa época, su gran amistad a Rivera y Kahlo a los Álvarez Bravo; así como a su trabajo fotográfico.
De muchas fotos que me dediqué a ver, me llama la atención que su género femenino captó escenas de madres en situaciones cotidianas y que hoy por hoy han sido censuradas en cuanto al colectivo, como amamantar descubierta o cargar a los hijos desnudos.
Aquí una foto que me encantó.

Erwin Olaf


Esta semana platicare un poco sobre otro de mis fotógrafos predilectos. La limpieza de trabajo y su mundo de fantasía y contradicción en el que nos sumerge, me fascina.

Erwin Olaf, nació en 1959 en Hilversum, Holanda, vive y trabaja en Amsterdam desde comienzos de los años 80. Tiene su estudio en una antigua iglesia. La fotografía de Olaf es una mezcla de fotoperiodismo y estudio, aproximándose en su visión fotográfica a LaChapelle entre otros. Explora los territorios de las cuestiones de género, la sensualidad, el humor y la desesperación en sus series fotográficas

Sus principios fueron en blanco y negro introduciéndose posteriormente de forma gradual en el color y a continuación en la manipulación digital.




Existe,  una unidad de estilo que recorre su obra. La provocación, la fantasía, el erotismo, la sátira y el humor están presentes en todos sus trabajos, servidos por una producción visual muy sofisticada y una depurada ambientación. Los referentes visuales que impregnan sus imágenes tienen orígenes muy diversos, pero perfectamente ensamblados, desde la pornografía a la moda, pasando por la historia de la pintura, la contracultura, el pop o el cine de autores como David Lynch y Brian de Palma.
El video y el cine le ofrecen nuevas posibilidades artísticas para explorar, y su primera película “Tadzio” de 1991, co-dirigida con el pintor F.Franciscus fue pronto continuada por películas de cómics para niños en televisión, cortometrajes, videoclips y encargos para el Dutch National Ballet. Ha creado un trabajo autónomo de video “Separación, lluvia y duelo” con los modelos que también utiliza para sus series fotográficas. En las películas desempeña un carácter diferente, como si sus imágenes en movimiento fueran historias paralelas a sus series fotográficas. Estos cortometrajes han sido seleccionados para festivales por todo el mundo.
A lo largo de estos últimos años muchos de sus trabajos de retratos desvergonzados, de desnudos de intenso simbolismo o las imágenes de violencia con sangre de por medio, no siempre exentas de controversia, han sido utilizados por el mundo de la publicidad para dar ese toque diferente a la imagen publicitaria. Lavazza, BMW, Microsoft y Nintendo entre otros muchos han sido empresas para las que ha trabajado. Ultimamente trabaja por encargo para revistas como The New York Times Magazine, The Sunday Times Magazine, Elle y Citizen K.

En 1999 sus fotografías para la campaña mundial de Diesel, ganó el codiciado León de Plata en el reconocido Festival de Publicidad de Cannes.
Para Erwin Olaf es más fácil transmitir sensaciones a través de protagonistas femeninas porque no siente una atracción sexual hacia ellas. Le gusta crear escenografías en su estudio en lugar de buscar locaciones. Este método de trabajo le permite gozar de una mayor capacidad de controlarlo todo, empezando por la luz.
Cree que la fórmula perfecta de trabajo consiste en compaginar sus proyectos personales con los encargos comerciales: no tiene tanto que contar como para dedicarse únicamente a proyectos propios y se acabaría cansando de trabajar solo para publicidad.

Se puede ser testigo de la evolución de sus preocupaciones personales a lo largo del tiempo a través de su obra: cuando tenía 20, la obsesión por el sexo; a los 30, era más agresivo y ambicioso; ahora, cuando más exposiciones a nivel internacional tiene y más viaja, la soledad y la espera se convierten en temas centrales de su obra.
http://www.erwinolaf.com/
ttp://www.youtube.com/watch?v=j5v2i0uVGXY
http://www.youtube.com/watch?v=J0Vju-1JmTQ
http://www.youtube.com/watch?v=RDkQsRPeER4



BURT GLINN

Nace en PittsburghPensilvaniaEstados Unido el 23 de julio de 1925 y fallece el 9 de abril de 2008
Fue un fotógrafo estadounidense.
Estudió Literatura en Harvard, trabajó en la revista LIFE y posteriormente entró a formar parte de la agencia MAGNUM. Fue un importante retratista y reportero político durante la guerra fría. Entre sus trabajos más conocidos se encuentran las fotos de la entrada en La Habana de Fidel Castro en 1959 y la foto a Nikita Jrushchov en su visita al memorial de Lincoln en Washington, también en 1959.
Como reportero gráfico su carrera fue ejemplar, además de presidir Magnum en dos ocasiones, es conocido por sus fotografías en color.
Fue un  magnífico retratista. Fritz Lang, Richard Nixon, Thelonious Monk y Robert Kennedy, fueron algunos de los que posaron ante su cámara
Es necesario conocer a Burt Glinn para acceder a una etapa de la vida americana e internacional. Hechos del pasado que muestran a traves de sus sentidos una manera particular de observar el dia a dia.






LINKS