Fotografía de Désiré Charnay

Claude Joseoh Désiré Charnay (1821-1915) arqueólogo, fotógrafo francés. Atraído por los trabajos realizados en la zona arqueológica de los viajeros de Jhon L. Stephens y Frederick Catherwood,   decide viajar a México, consiguiendo apoyo del gobierno francés para realizar una exploración artística, llega a Veracruz en 1857. Publica la primara parte de su trabajo fotográfico  Cités et Ruines Americaines en Paris en el año 1863, publicación en donde aparecen las primeras fotografías de Palenque, Chichén Itzá, Uxmal. 

StandardEn 1880 realiza de nuevo una expedición a Yucatán haciendo dos publicaciones más en 1883 y 1886, en las cuales divulgó la riqueza arquitectónica prehispánica así como vistas de la ciudad de México que realiza durante el Segundo Imperio, obras de dicha publicación  si circularon en México. Durante su expedición realizó fotografía de carácter documental, para su la realización llevaba consigo los químicos para realizar el proceso de revelado en el lugar de la toma a partir de placas de vidrio sensibilizadas con colodión húmedo.




 
Para ver parte de su trabajo aquí 
También pueden consultar esta página con mayor información aquí. 

Panorámica de la Ciudad de México 1858


La mayor parte de su trabajo se encuentra en Francia, en el Musée du Quai Branly y una parte se encuentra en los acervos del Museo Nacional de Antropología de México. 



La precariedad de la materia


Entre la contemplación de la vida y la muerte no hay un sujeto más relevante que el fotógrafo americano Joel-Peter Witkin, quien es reconocido a nivel mundial por sus mórbidas composiciones que combinan cadáveres, deformidades físicas, objetos encontrados, animales y modelos poco comunes. Consideradas sus fotografías como  imágenes “mobosas” y perversas”.  Muchos se han llegado preguntado si la intención del controversial fotógrafo es perturbar al espectador o simplemente crear consciencia al mundo de su lado más oscuro. Sin embargo, yo considero que el fotógrafo plantea una cuestión mucho más relevante: el carácter efímero de la materia. A través de los ojos de este gran artista es posible ver la muerte desde una perspectiva distinta, por   medio la fotografía en el arte contemporáneo éste cuestiona los límites entre lo profano y lo aceptable en la sociedad moderna; así como antiguamente los frutos que yacían sobre la mesa de los bodegones españoles aludían a la caducidad y la precariedad de la materia; por otro lado, en el Barroco las Vanitas o “Memento Mori” nos advierten de la naturaleza transitoria de la vida y lo repentino de la muerte a través de elementos frágiles y simbólicos  como la fruta pasada, las burbujas, el reloj de arena y el cráneo humano, símbolo de la muerte por antonomasia.

Meticulosamente, Witkin, supervisa cada detalle de la imagen; desde su proceso de pre-producción, el montaje, el revelado y posteriormente la intervención del negativo con rayones y químicos. Como antiguamente los pictoricistas se distinguían por sus imágenes “escenificadas”, las fotografías de éste artista contemporáneo se caracterizan por ser todo un “montaje” . Cabezas decapitadas, cuerpos mutilados, fetos rodeados de fruta pasada, Witkin nos revela el aspecto más sórdido y sombrío de la humanidad: la putrefacción del cuerpo. Sin embargo, es posible realizar una lectura alternativa a su obra: el carácter precario de la materia nos muestra una cualidad única que posee también la fotografía, sabemos que a pesar de que la imagen quedara como registro de la historia y como huella del paso de la humanidad por este mundo pero no hay que olvidar que con el trascurso del tiempo, el papel fotosensible se desintegrara y con el la imagen se desvanecerá.




                                                                                     



Pierre Pellegrini. Fotografías de larga exposición.

Nacido en 1968 en Sorengo (Suiza), Pierre Pellegrini es un fotógrafo especializado en paisajes y fotografía de arquitectura. Para la toma de sus capturas, la mayor parte de ellas en blanco y negro y realizadas mediante la técnica de larga exposición, utiliza principalmente cámaras analógicas y polaroids.


Su especial perspectiva de las cosas y la atmósfera brumosa, aparentemente siempre presente en su obra, crean imágenes que son a la vez hermosas y misteriosas. Para Pierre es muy importante el proceso por medio del cual obtiene sus fotografías, ya que cada una de ellas implica largos periodos de tiempo en los que puede contemplar los cambios que suceden en el ambiente, en la iluminación, el movimiento de las nubes, de la neblina, del agua o de los árboles; sin embargo, al observar el resultado final as fotografías muestran una parte de la realidad inaccesible para nuestra mirada.




Para ver sus proyectos: Pierre Pellegrini

" Performing Photographs: Photography, performance and Effect"

Hay un resurgimiento por el interés al rededor de la fotografía y la relación con el performance, debido al aumento en este interés, la conciencia de la fotografía, su documentación y como una obra performática. En recientes exposiciones internacionales han hecho una exploración esta relación de la fotografía y el arte del performance y las distintas maneras en que los artistas han trabajado este tema, descubriendo que de hecho lo performatívo se encuentra dentro de la fotografía misma, así como también la relación de la imagen con el espectador,la relación imagen- espectador, y no siendo suficiente, la relación de la fotografía con la palabra tanto escrita como hablada. Los artistas involucrados consisten por mencionar algunos: Olivier Richon, autor de la imagen abajo. Carol Mavor y Latoya Rubí Frazier.
The Academy Olivier Richon 1985

"Bill Cunningham Photo Exhibition in New York"

Bill Cunningham obtendrá una exhibición fotográfica en el New York Historical Society, se inaugurara en el mes de Marzo del 2014. 88 de sus trabajos serán exhibidos, de su proyecto " Facades" realizado en los años 70s. Desde 1968 a 1976, Cunningham recolecto 500 "outfits"y los fotografío en más de 1,800 locaciones de toda Nueva York, utilizando a Editta Sherman como su modelo y el resultado fue una seríe de fotografías que exploraban la belleza y la luminosidad de la cuidad en aquella era. En la imagen de abajo vemos a Sherman en un vestido victoriano posó sentada en el interior del subway grafiteado. Una exhibición extraordinaria y sobre todo importante en la historia de la moda.

Alex Dorfsman. Fotografía mexicana contemporánea

La relación entre lo real y lo ficticio, y la confusión visual para construir realidades de un mundo, son algunas de las características que identifica la obra de Alex Dorfsman; para él las formas abstractas son elementos abiertos a la interpretación, es decir, una pieza se conforma desde cómo y desde dónde representa su propia realidad.


La información sobre el lugar y la forma en la que son captadas sus imágenes resultan importantes para su proceso artístico pero no necesariamente determinantes para el espectador. En sus palabras la fotografía  es "una herramienta para capturar algo que está allí" pero afirma que, más allá de la tecnología, todos tenemos el derecho de "sorprendernos de todo, de la mente, de la naturaleza y darnos cuenta que importantes son los sentidos"

Su obra 3 pausas rumbo a Nikko se presenta actualmente en la Galería Patricia Conde y forma parte de Archipiélago, proyecto que aún sin terminar, el artista cuenta que tal vez jamás concluya.


Paparazzi


"Los paparazzis nacen a principios del siglo XX, con la explosión de la prensa ilustrada, y era hora de abordar este fenómeno desde todas las dimensiones: histórica, social, ética y estética", Clément Chéroux comisario de la exposición.

Expuestas en el Centro Pompidou, están más de 600 obras entre las que se encuentran fotografías de famosos -realizadas sin su consentimiento- de legendarios paparazzis como Ron Galella o Tizo Secchiaroli dialogando con creaciones de artistas como Paul Macarthy o Cindy Sherman los cuales se han inspirado en la estética de las imágenes robadas, estas obras hablan y explican una de las escuelas de fotografía menos respetada (fotografía de prensa), pero que ha tomado posesión del canon estético de la última mitad de siglo. 



La exposición trata de demostrar como la intrusión en la vida ajena se ha convertido en una práctica socialmente aceptada, y hasta que punto estas imágenes robadas ocupan un lugar en el paradigma artístico aunque nos empeñemos en menospreciarlas.“Desde el principio, los paparazis se convierten en el contrapunto al reportero de guerra, capaz de arriesgar su vida para transmitir lo que sucedía en el mundo” apunta Chéroux, esta idea es un poco más compleja ya que algunos de estos fotógrafos que ahora se ganan la vida fotografiando a Paris Hilton por ejemplo, antes cubrieron guerras o acontecimientos sociales importantes.


La exploración de este fenómeno mediático en el campo del arte comenzó a raíz de la película "La dolce vita" de Federico Fellini, pero antes de esto una de las primeras imágenes polémicas fue el retrato del canciller Otto Von Bismarck en su lecho de muerte que hizo más delgada la linea entre la intimidad y la exposición publica. En una primera parte de esta profesión se puede notar algo de "violencia machista" ya que la mayoría de los paparazzis son hombres mientras que la gran parte de los artistas retratados son mujeres. Los paparazzis no son artistas ya que no trabajan con la voluntad de hacer arte, pero su obra tiene una calidad estética involuntaria, y muchos artistas de la última mitad de siglo han re-interpretado estos códigos ya que están conscientes de que la foto robada simboliza su tiempo, por otro lado muchos de los paparazzis se han convertido en artistas como el caso de Rostain. Esta muestra también habla del mundo en el que vivimos, y como gracias a las redes sociales todos podemos ser paparazzis en potencia, muchas veces hasta de nosotros mismos también plantea cuestiones sobre la sociedad del espectáculo y las fronteras entre lo público y lo privado.




Abelardo Morell y su Cámara Oscura



Abelardo Morell nació en la Habana y tuvo que abandonar Cuba a sus 14 años, llego a Estados Unidos. Su experiencia como exiliado es fundamental para su fotografía, así como sus raíces cubanas, la danza y la música influyen en su producción artística.


Cámara oscura, la mas famosa de sus series, nos remite a los orígenes de la fotografía; transforma una habitación cerrada en una cámara oscura, - la forma de hacer esto es: cubriendo las ventas de la habitación de negro, corta un pequeño orificio del material que utilizo para cubrir las ventanas y de esta forma la imagen de afuera es proyectada hacia adentro-, de esta forma lo que sucede afuera se proyecta de forma invertida dentro de la habitación. Dando como resultado una realidad superpuesta. El universo exterior a la habitación es desmaterializado al ser proyectado y se junta con el universo interior para dar una nueva realidad.

El problema con la forma de proyectar estas imagines era el tiempo de exposición ya que iban desde las 5 a 10 horas, pero hace unos años empezó a utilizar una película de color y colocar lentes sobre el agujero para poder tener una imagen mas nítida, también ha logrado hacer mas pequeños los tiempos de exposición por medio de la fotografía digital.

Al final lo que vemos es una imagen plana plasmada en un papel, pero no debemos olvidar que antes de eso esta una imagen en dos dimensiones y un espacio de tres dimensiones.



Para mas información:

William Eugene Smith & el foto-ensayo

William Eugene Smith fué un fotógrafo estadounidense reconocido por muchos como el creador del foto-ensayo; el foto-ensayo consiste en una colección de imágenes que colocada en un orden específico o secuencia cuenta el progreso de algún acontecimiento o situación. En 1945 fue herido de bala al retratar las condiciones de batalla de la II Guerra Mundial, durante este tiempo se dedicó a perfeccionar su foto-ensayo.

En 1972, mientras estaba en Tokio realizando un reportaje sobre la enfermedad de Minamata, fué atacado por empleados de una compañía para evitar que siguiera tomando fotografías, sobrevivió al ataque, pero perdió la visibilidad en uno de sus ojos. De esta serie la fotografía Tomoko Uemura en su baño atrajo la atención de  todo el mundo hacia los efectos de la enfermedad que la compañía Chisso provocó lanzando desechos al agua del pueblo.





Fotografía en la Gran Guerra

El asesinato del archiduque Francisco Fernando de Austria detono la Primera Guerra Mundial que dio inicio el 28 de julio de 1914 y finalizo el 11 de noviembre de 1918.

Tuvo un costo aproximado de 350 billones de dólares, pérdidas humanas que rebasan los diez millones y 20 millones de heridos.

En las fotos presentadas, se puede apreciar no sólo a los soldados en el momento de batalla, el traslado de tropas y heridos de guerra, también se muestra a la población civil y a las ciudades devastadas, así como soldados y civiles muertos.

Ver fotos: http://www.huffingtonpost.es/2013/08/04/fotos-primera-guerra-mundial_n_3695645.html



La estética de la catástrofe

Enrique Metinides inició a la edad de 10 años tomando fotografías para notas rojas del periódico, las cuales se caracterizan pos su crudeza y el morbo que pueden generar. Logró publicar su primera fotografía a la edad de 12 años, lo cual le valió el apodo de "El niño". A lo largo de su vida trabajó para el periódico La Prensa y para la Cruz Roja Mexicana.

Es verdad que las notas rojas y las fotografías que las acompañan son muy criticadas por su crudeza y el llamado amarillismo, pero el trabajo de Metinides tiene algo muy especial y particular, pues no sólo nos muestra a través del lente de su cámara ese lado tan despiadado, cruel y violento tan latente de la Ciudad de México que se trata de esconder y que sin embargo nos encontramos con él en cada puesto de periódico, sino que también en sus fotografías uno puede apreciar una belleza que no se describe por lo retratado, sino por las composiciones y encuadres que logra. 


Pareciera que sus fotografías, en lugar de tratarse de simples retratos de un suceso que acompañará una nota amarillista, fueran en realidad escenas que fueron creadas para ser retratadas por el lente de Metinides, como si todo fuera parte de un set de grabación.



Carnaval de Veracruz 2014


Con motivo del Carnaval de Veracruz 2014, el Instituto Veracruzano de Cultura inauguró la exposición fotográfica “Carnaval… 90 años” el 19 de febrero en el Museo del Puerto, se busca con ello dar testimonio de la participación de generaciones pasadas en este evento anual de gran trascendencia para la sociedad veracruzana a través del lente de fotógrafos locales como Andrés Rivera, José Pérez de León y Valera y Reina.

La fotografía posee un gran valor, no sólo estético, sino histórico. Constatar los hechos del pasado nos permite crear y recrear nuestra propia historia, así que si piensan ir al Carnaval este año, del 25 de febrero al 05 de marzo, no olviden darse una vuelta por el museo para apreciar este testimonio fotográfico de una de las tradiciones mexicanas más significativas de la zona tropical de nuestro país.


Consulta: 24/02/2014
 

Jeremy Snell, un fotógrafo humanista y viajero

Jeremy Snell es un fotógrafo y cinematógrafo hawaiano que ha gastado la mitad de su vida viajando a lo largo de Asia.

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Jeremy se ha dedicado a tomar fotos sin fines de lucro para tratar de humanizar a la gente e informarla a cerca de culturas que por ser muy lejanas algunas veces nos cuesta entenderlas desde el punto de vista occidental.

Actualmente cuenta con bases de datos y cartera de clientes en Facebook, Time Warner Cable y Charity: Water.

 














Este artista aspira educar y ayudar a la gente por medio de su obra.

http://www.jeremysnell.com/

Burdeles retratados por niños

Un documental interesante para relatar la vida en los burdeles de la India desde la perspectiva de los niños que habitan el distrito rojo en la ciudad de Calcuta es "Nacidos en el burdel".

 

Este film fue dirigido por Ross Kaufman y Zana Briski en los primeros años del 2000.

Zana es una fotógrafa que llegó a la India tratando de hacer un documental referente a la prostitución, pero al llegar se encuentra con la situación de no poder grabar dentro del distrito rojo, por lo cual le da un nuevo enfoque a su documental. Zana se propuso enseñarle a estos niños un oficio con el cual ganarse la vida, motivarlos y mostrarles que tienen un futuro fuera del distrito rojo, es bastante importante señalar que había niñas dentro de ese grupo destinadas a dedicarse a la prostitución.


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En el documental experimentaremos muchos sentimientos encontrados pero es un acercamiento que nos permite distinguir hasta que punto lo indispensable en el arte de la fotografía es quien es el que toma la foto y que es lo que quiere mostrar en la obra.

http://2.bp.blogspot.com/_toTxLnbFy7Y/S9kBmzTXYUI/AAAAAAAAAJM/V4ndVuoOSI0/s1600/born_into_brothels-1.jpg 

http://www.youtube.com/watch?v=jI6BUB8CG6k

Selfies Vintage

Cuando pensamos  en los selfies lo tomamos como  algo muy actual, autorretratos que son subidos a diferentes redes sociales, sin embargo cuando las redes sociales e Internet no existían  las personas también lo hacían, algunos se ven  mucho más simpáticos y originales que los actuales, estos autorretratos quedaron a través del tiempo, demostrando al antigüedad del selfie

1839. El pionero de la fotografía Robert Cornelius tomo esta fotografía afuera de la tienda de su familia en Filadelfia en un intento por perfeccionar el daguerrotipo.

1948. La fotógrafa Rae Russel se toma una fotografía en un espejo en Nueva York.

1959. El actor británico Michael Ward, que incursionó también en la fotografía utilizó su cámara Leica M3 para tomarse un autorretrato reflejado en una bandeja plateada en un mercado de Londres.

1966. El fotógrafo Terry Fincher, del periódico británico Daily Express, se toma un autorretrato con la cámara atada a su pie mientras se lanza en paracaídas desde un globo aerostático.

Para más selfies vintage, visita: 
http://estilos.prodigy.msn.com/%E2%80%9Cautofotos%E2%80%9D-vintage-autorretratos-de-archivo-9#image=8


Light Painting Photography

El artista finlandés Janne Parviainen es el creador de una serie de imágenes utilizando la técnica de light painting fotography.
Estas fotografías de pinturas lumínicas, que no son retocadas después de la toma, se ejecutan con distintas fuentes de iluminación, por ejemplo las luces de juguetes, linternas, luces estroboscópicas de color y herramientas especialmente diseñadas para las pinturas de luz, que al ser usadas bajo tiempo de exposición largos, entre segundos y horas, tienen como resultado imágenes luminosas y surrealistas.
Una mezcla de entornos y medios, se complementan uno al otro y en este caso se hacen inseparables.







Para ver más obra e información del artista visita. http://jannepaint.wix.com/jannepaint#!page-5

Fotografía pictorialista de Henry Peach Robinson

Henry Peach Robinson (1830-1901) inicia su carrera como pintor antes de dedicarse a la fotografía, se identificó con los prerrafaelitas. A los 20 años de edad adoptó la profesión de fotógrafo, se caracteriza por la composición pictórica  de los personajes dispuestos en la toma para reproducir imágenes.

Fanding Away (1858) es una de sus imágenes mas conocidas tanto por su composición en la disposición de los personajes, la temática, así como la habilidad técnica en el manejo de crear una escena por medio de la superposición de imágenes

Archivo: Fading Away.jpg


Pueden ver parte de su trabajo en la página Photogravure aquí 

The Shortest Way in Summertime
The Shortest Way in Summertime, 1884

 Para ver más sobre su obra, también pueden aquí

Gregory Colbert como aprendiz de la naturaleza

Si bien el proyecto titulado Ashes and snow: the nomadic museum fue expuesto en el zócalo del D.F del 19 de enero al 27 de marzo del 2008 y patrocinado corporativamente por el Instituto Rolex; aquello acercó masivamente al público mexicano a la estética propuesta por el fotógrafo canadiense Gregory Colbert, el artista señala que se ha propuesto a retratar las interacciones entre el hombre y la naturaleza al enunciar "I think  of my life´s work as a celebration of all of nature, an orchestra that plays not the sound of one musician, the one species, but rather an expression of all of nature´s songs". Para aquel propósito ha fotografiado mediante una cámara análoga los escenarios de más de 40 países (India, Egipto, Kenya).






Considero que aquel proyecto realizado a partir de 1999 al 2013 tiene como fin acercar al espectador a aquella interacción creada a partir de la percepción del artista, el cual se consagra a sí mismo como un aprendiz de la naturaleza, aquello visto como actividad mas no como percepción de si, tal vez se relacione con algunos fotógrafos viajeros del s.XIX. 

Consultado en: https://gregorycolbert.com/#!store