James Franco: La doble identidad

El actor, autor, investigador, director, artista James Franco presentará su último trabajo visual en lo que será su segunda exposición individual con Pace Gallery. Ésta será la continuación de la obra que expuso previamente en la Galería Pace de Londres en la cual; consistía en una multi-instalación inspirada en el thriller Psycho de Alfred Hitchcock.

La obra titulada James Franco: New Films Stills nos recuerda a los autorretratos de otra artista norteamericana; Cindy Shermman, quien juega interpretando los estereotipos de la industria cinematográfica. De hecho, la serie de fotografías se titula de la misma forma que la obra de Sherman: Untitled Film Stills. Sin embargo, no sabemos si la intención del polifacético artista es hacer un homenaje a la artista norteamericana o simplemente una parodia de su obra.

                                                                                 James Franco as Cindy Sherman in New Film Stills

Franco comenta que a diferencia de Sherman quién observa la industria cinematográfica desde el exterior, él la observa desde el interior siendo participe de la misma. A pesar de eso no queda claro si es James Franco, el artista visual representándose a él como personaje de Hollywood? O es el actor James Franco haciéndose pasar por artista visual? Definitivamente se presenta un juego de identidad, en el cual no sólo nos confunde a los espectadores con el doble personaje que representa en la imagen; sino que además cuestiona a la identidad misma y nos invita a reflexionar como espectadores como nos observamos compulsivamente a traves de la fotografía.




James Franco, New Film Still #58, 2013. gelatin silver print, 30″ × 40″ (76.2 cm x 101.6 cm). Courtesy Pace.








Pace Gallery

http://www.pacegallery.com

LUCIANA URTIAGA

La fotógrafa de origen brasileño, crea ilusiones a partir de sus autorretratos multiplicando su rostro por medio de espirales , al manipular sus fotografías digitalmente.
                                 
                           

Sus fotografía juegan y cuestionas el ¿quiénes somos? al ser un rostro que se multiplica y cambia frente a las personas. Nuestra apariencia con la que solemos pararnos ante el mundo se modifica constantemente, se fragmenta, se multiplica y nunca es el mismo.
                          
                               

Páginas de consulta: http://www.ignant.de/2014/02/26/illusory-self-portraits-by-luciana-urtiga/
http://www.behance.net/lucianaurtiga

Pierre-Louis Pierson en la sombra de la Condesa de Castiglione

Pierre-Louis Pierson, artista plástico francés que nació en 1822, co-propietario de Meyer & Pierson Estudio, se especializó en el retrato, realizó más de 400 fotografías a la Condesa de Castiglione, quien  asumió el papel de directora de arte, desde elegir el ángulo de la cámara hasta dar instrucciones precisas sobre la ampliación y el repintado de sus imágenes.

La crítica ha enfatizado más la labor creativa de la Condesa sobre el trabajo técnico del fotógrafo, pues la condesa no sólo utilizaba la fotografía como vehículo para crear una imagen de sí misma ante la mirada de los demás, sino como un acto de exorcismo donde se libera de sus miedos y obsesiones al aplicar color sobre las fotos, dándoles viveza, elegancia y exotismo a lo que originalmente sería color sepia.

“El juego de la locura” muestra a la Condesa de la cintura hacia arriba, ataviada con una capa que le permite mostrar el hombro desnudo, sobre la mano sostiene un marco para fotografías con forma oval, a manera de metafotografía, por ese hueco ovalado la condesa asoma uno de sus ojos, su mirada directa, combatida, elegante y segura. Al mismo tiempo, el marco hace referencia a los antifaces que se empleaban en las fiestas de alta sociedad y permitían el anonimato ante la conducta exacerbada y liberal.

                                                            “Scherzo di Follia” (1861-1867)

 

Fuente: http://wolvesphoto.wordpress.com/constructing-identity/

Consulta: 31/03/2014

 

 

 

 

Julius Shulman

Este fotógrafo estadounidense es el principal ojo de la arquitectura moderna norteamericana, que desde la década de los sesentas promovió mediante sus imágenes obras de arquitectos como Richard Neutra, Frank Gehry, Pierre Koenig entre otros. Además, creo un archivo fotográfico de la evolución de la ciudad de Los Ángeles, que fuera su hogar durante 85 años, el cual cuatro años antes de su muerte en 2009 , donó al Getty Center y que consta de más de 260, 000 imágenes.

Parte de este archivo ha sido expuesto alrededor del mundo, publicado en varias ocasiones por la editorial Taschen.

La fotografía e ideas de Shulman son presentadas en un documental dirigido por Erick Bricker en 2008 titulado Visual Acoustics, titulo dado por la frase del fotógrafo:

"Controlo las acústicas visuales de los edificios para congelar el tiempo y fotografiar su momento"

El archivo en el Getty Center

Visual Acoustics Tráiler

Oliver Valsecchi: Klecksography

El fotógrafo francés Oliver Valsecchi tiene un particular interés por el desnudo con la intención de exaltar la belleza apolínea del cuerpo. En su serie Klecksography, Valsecchi pone a prueba la percepción del espectador a partir de un juego de simetría corporal. Para este tipo de fotografía se apoyó en el test de Rorschach que permite, gracias a la ambigüedad y distorsión de la imagen, una libre interpretación del observador. 

Posturas como de esculturas griegas, cuerpos entrelazados y la fusión y fragmentación de cuerpos desnudos, crean una fotografía de carácter escultórico. aunque finalmente son ilusiones ópticas que a través de layers de varios cuerpos desnudos, nos muestran imágenes orgánicas que exaltan la belleza del cuerpo al natural.

Olivier Valsecchi web site

Zakaria Wakrim

El estudio de la óptica y el sistema visual del ser humano llevaron al fotógrafo marroquí a la fotografía, la cual practica desde el 2007. En su obra es posible encontrar los frutos de este conocimiento científico al buscar atrapar la energía de la luz y de los colores de los paisajes naturales de su país nativo, en particular el desierto del Sahara con su mar de dunas y las montañas del Atlas.

Zakaria se propone “capturar selecciones visuales esenciales, de las cuales se puede extraer todo un contenido emocional”, “la materia y su energía se miden, se esculpen, se trabajan y se capturan con la cámara, “la luz fotografiada ilumina nuestras emociones y nuestra conciencia; restituye la manera en la que pensamos en el universo, lo cual nos hace especiales, cosa de la que no siempre somos conscientes”.

En su serie Amarg, nos presenta la figura arquetípica del solitario en el desierto con el cual se transmite cierto anhelo por la soledad, el silencio y el contacto con la naturaleza y sus misterios como profundas experiencias espirituales. El nombre de la serie proviene de la palabra nostalgia en bereber, comunidad nativa del Atlas y el Sahara marroquí.

Pícale aquí para visitar su sitio y ver ésta y otras series fotográficas.

Chema Madoz

Hoy comparto con ustedes la obra del fotógrafo español Chema Madoz, quien trabaja la imagen como posibilidad simbólica con un estilo muy pulido y particular. Retrata objetos, espacios, trozos de una realidad a interpretar, a veces parecen metáforas, a veces son surreales, pero siempre son más que su mera apariencia: objetos casi escultórticos, símbolos.

Les comparto el link de su sitio web para leer más sobre él y también para que puedan ver sus imágenes:

Sitio Web del artista

Vivian Maier

A través de subastas y compra de sus negativos a familias y clientes que la habían conocido, Maier fue descubierta por un coleccionista llamado John Maloof. Maloof, sin embargo, topó con la obra fotográfica de Vivian Maier a pocas semanas de la muerte de ésta, y ha logrado desde 2009 la conjunción de una amplia colección fotográfica. La fotografía cándida de Vivian Maier es interesante más allá de presentarse como una colección casi de registro documental, como veíamos en la sesión anterior con Eugène Atget o E. J. Bellocq. Su producción se hizo sobre todo en Francia a pesar de haber nacido en Norteamérica, sin embargo, es interesante notar que como fotógrafa, Maier se mantuvo siempre a la vanguardia a pesar de haber permanecido a la sombra de otros grandes maestros de la fotografía de los cuales tomaría muchas influencia compositivas. Comenzó trabajando con una de las cámaras Brownie de Kodak alrededor de la década de los 50, y a partir de entonces su técnica se fue desarrollando con las nuevas tecnologías.
Pasada la mitad del siglo XX, Maier optó por aprovechar la fotografía a color y comenzó a dirigirse hacia la fotografía de objeto y las formas abstractas, no tanto ya al retrato, tomando elementos encontrados en las calles mismas, desechos de la sociedad que terminaban en basureros o en las aceras.

Fuente: http://www.vivianmaier.com/

Nan Goldin

Nació en 1953 en Nueva York, sin embargo creció en Boston, donde entró en la School of the Museum of Fine Arts, Boston de donde se graduó en 1977, mudándose posteriormente a Nueva York. 

Su fotografía suele capturar la intimidad de personas con las que tiene o ha tenido una relación: familiares, amigos o amantes, en situaciones que van desde lo besos pasionales hasta la humillación sexual. Las drogas, la cultura proveniente del post-punk son parte también de la temática de sus fotos y que si bien son temas que parecen personales también son el reflejo de una sociedad repleta de contrastes y colores. Estas fotos las recopiló en una presentación titulada The Ballad of Sexual Dependency,mostrada por primera vez en 1986,la cual considera Nan como su "tribu".

The Ballad of Sexual Dependency 

                                

                                

Links: Video The Ballad of sexual dependency https://www.youtube.com/watch?v=PlZJMS1wwsU

http://www.aperture.org/shop/books/nan-goldin-the-ballad-of-sexual-dependency-book

Mapplethorpe

Robert Mapplethorpe (1946-1989) fotógrafo estadounidense. Se inicio en las artes estudiando dibujo y pintura en Pratt Institute, Brooklyn, experimento en las artes con diversos materiales, trabajo collage, y como parte de su experimentación,  se introduce en la fotografía en la década de los ´70. Obteniendo imagenes por medio de una Polaroid, logra montar su primera exposición individual en Nueva York en 1972, posterior a ello realiza fotografías en diferentes formatos que le permitió retratar a su círculo de amigos artistas,  así como trabajar en proyectos comerciales. 

Autorretrato, 1980

La mayoría de su trabajo la realizó en su estudio, con la fotografía blanco y negro. Entre sus temáticas , fueron muy variadas desde bodegones, retratos, documentación, así como desnudo femenino y masculino, donde se puede ver en algunas de sus fotografía el erotismo de los cuerpos. O bien,  en su serie de The Perfect Moment presentada al público en 1989, fue una serie en la que mostró sus tradicionales retratos, bodegones  y los  desnudos en actos sexuales, lo que desató mas polémica de su serie fueron las imágenes de homosexuales en actos sadomasoquistas. 

 

Lisa Lyon, 1981                    Leatherman, 1980

Male Nudes 

 

                                    Dan. S. 1980

Female Nudes

                                             Lisa Lyon, 1980                     Lisa Lyon, 1982

En 1988, un año antes de su muerte,  estableció una fundación que lleva su nombre para promover la fotografía y financiar la investigación médica de la lucha contra el SIDA.

Para ver más su obra, las exposiciones que se continúan haciendo de su trabajo The Robert Mapplethorpe Fundation aquí

El genio del paisaje: Ansel Adams

“Monolith, the Face of Half Dome” (1927) y Ansel Adams en su casa de California, una de sus fotos más reconocidas e importantes de su carrera como paisajista. Fotógrafo y ambientalista estadounidense, socio fundador del grupo f/64; fue consejero de la Polaroid Corporation e iniciador de “Aperture”; acreedor en vida de múltiples premios. Sus paisajes a color captan la majestuosidad de la naturaleza en sus diversos elementos: montaña, desierto, bosques, ríos, lagos, etc.

“En el curso de su vida, de 1902 a 1984, Ansel Adams logró algunas de las instantáneas más influyentes que nadie había hecho y contribuyó más que ningún otro a que la fotografía fuera reconocida por los medios como arte. Pero, quizá, su gran legado fue el ser uno de los líderes del siglo XX en la defensa de los valores ecológicos. Sus fotografías han servido de iconos a los movimientos ecologistas y han transmitido a millones de personas la visión de unos EEUU perfectos, en los que los magníficos escenarios y los detalles más exquisitos de la naturaleza se mostraban en una belleza sin mengua” (Janathan Spaulding).

 

Fuente: "Fotógrafos de la A a la Z" de Hans-Michael Koetzle, Edit. Taschen, 2011, pág. 8.

Michael Kenna, un fotógrafo de hoy

Michael Kenna (1953) de nacionalidad inglesa, se caracteriza por sus paisajes en blanco y negro, los elementos de su composición es la conjunción entre agua, piedra, neblina  y elementos de la naturaleza como árboles, ramas y nubes. Ha viajado por el mundo buscando escenas que cumplan con tales elementos, de ahí que sus series estén ligadas a lugares de belleza extraordinaria como: Australia, Austria, Bélgica, Brasil, China, República Checa, Egipto, Francia, Alemania, Guatemala, India, Hong Kong, Italia, Japón, Marruecos, Nueva Zelanda y México, entre muchos otros.

Su fotografía es exótica e insólita, nos recuerda los cromos japoneses de los años veinte y treinta, sumamente detallista a nivel objeto, pero con una exactitud al capturar el momento cuya iluminación, atmósfera y “humedad” son los idóneos para lograr esa sensación de frialdad, quietud y misterio, que sólo se logra con la “exposición prolongada” que va desde minutos hasta horas. Su toque minimalista hace que sus fotografías sean dignas de contemplación, su belleza radica en lo simbólico, lo cultural y la profundidad que el ojo logra ante el paisaje.

 

Floating Seaweed, Jeung-do, Shinan, South Korea, 2012.

 

Fuente: www.michaelkenna.net

Fecha de consulta: 25/03/2014

La fotografía en la Biennal del Whitney

Recientemente y hasta el próximo 25 de mayo tendrá lugar la 77ª Biennal del Whitney. La Biennal será la última que se llevará a cabo en el edificio del Museo de Whitney de Arte Norteamericano, ubicado entre el número 945 de la avenida Madison y la calle 75 en Manhattan, Nueva York. 

Como hemos visto en la historia de la fotografía, no fue hasta las primeras décadas del siglo XX cuando se empezó a considerar el medio fotográfico; como una de las diversas manifestaciones artísticas, junto con la pintura y la escultura. Estados Unidos, siendo uno de los primeros países en considerarlo dentro de las categorías estéticas, exhibiendo imágenes fotográficas en galerías y museos para más tarde formar un departamento dedicado únicamente a la fotografía.

No obstante, ya han pasado varias décadas desde entonces; con la facilidad con la que manejamos una cámara fotográfica en la actualidad para más tarde retocar la imagen en photoshop, cualquiera podría considerarse un fotógrafo. Y es precisamente por esa razón, por la que hoy más que nunca, los críticos e historiadores del arte se han preguntado si la fotografía tiene algo más que aportar al arte.

Ahora si hoy en día nos resulta tan fácil manejar la técnica fotográfica entonces sería pertinente preguntarnos: ¿Qué es lo que distingue a estos fotógrafos del resto de nosotros los individuos comúnes y corriente? Pues su capacidad de problematizar la imagen y el medio que las produce.

Sin embargo, en la última edición de la Biennal del Whitney, la sección de fotografía se encargarcado precisamente de mostrar lo contrario. A través de la obra de siete artistas emergentes, en la que es posible verse además de las nuevas tendencias, la dirección a la que se dirige el medio de la fotografía.

Quisiera destacar dentro de los siete fotógrafos que presentaron su obra, a dos de ellos por su visión auto-analítica de la historia de el medio fotográfico.

Sarah Charlesworth


La fotografía en sí misma la temática principal de la obra de esta artista femenina; quién murió inesperadamente el año pasado. En el díptico invertido, es posible apreciar la imagen de la cámara de visión con su fuelle extendido en positivo y negativo; imitando los efectos del lente y el negativo que muestra una imagen referencial que cuestiona el acto de mirar; una cuestión  que la preocupó en toda su vida.

Sarah Charlesworth, Camera Work, 2009, two chromogenic prints, each mounted and laminated with lacquer frames.

THE ESTATE OF SARAH CHARLESWORTH. COURTESY THE ESTATE OF SARAH CHARLESWORTH AND MACCARONE, NEW YORK. ©THE ESTATE OF SARAH CHARLESWORTH.

Zoe Leonard

Este artista que creó una Camera Obscura del tamaño de una sala, pone como premisa el hecho de que la fotografía no es sólo un medio relevante dentro del arte sino que además es una herramienta imprescindible para observar la Biennal. A través de un lente del tamaño de la palma de la mano, instalado en el ventanal frontal del edificio, la avenida Madisón (en la cual se encuentra ubicado el museo), se proyecta al revés en las paredes de la galería, convirtiendo el museo en sí en una cámara.

Zoe Leonard, 945 Madison Avenue (installation view), 2014, lens and darkened room.

COLLECTION OF THE ARTIST. COURTESY MURRAY GUY, NEW YORK AND GALERIE GISELA CAPITAIN, COLOGNE. PHOTO: BILL ORCUTT.

http://whitney.org/Exhibitions/2014Biennial