Los años 30's en L. A.


El agente policíaco Merrick Morton junto con su esposa Robin Blackman en el 2001 halló en el almacén de comisaría central, cajas abandonadas debido al paso de los años, el contenido de las cajas era los negativos de crímenes ocurridos en 3 décadas.

Debido a que en su mayoría los negativos se encuentran compuestos de nitrato de celulosa, material flamable, el Departamento de Bomberos recomendó que fueran destruidos. Pero gracias a Morton y su equipo lograron evitar la destrucción de los negativos, por lo que las fotografías son conservadas por el Departamento de Policía de Los Ángeles.



Celebrando el Festival Mayo Fotográfico en Veracruz


El IVEC celebrará a partir del 9 de mayo el Festival Mayo Fotográfico en sus instalaciones en la ciudad de Veracruz Puerto con la exposición “Mujeres afrodescendientes” de Manuel González de la Parra, el curador a cargo es Emmanuel Solis, en tanto que el recinto será la Galería Ida Rodríguez Prampolini.
 
La muestra fotográfica es una selección representativa del eje principal del artista: el retrato en comunidades afrodescendientes de México y Colombia, específicamente en el puerto de Veracruz y Coyolillo, municipio de Actopan; junto a la contraparte colombiana, con imágenes de las costas del Pacífico (Tumaco) y del Caribe (Cartagena y Palenque de San Basilio); además se contemplan vistas de manglares de la región de LosTuxtlas, realizadas entre 2002 y 2010.
 
Manuel González de la Parra nació en Cotija, Michoacán, y desde 1972 residió en Xalapa, Veracruz. Fue egresado de la Unidad de Artes de la Universidad Veracruzana, donde se formó con los maestros Nacho López, Carlos Jurado y Adrián Mendieta. En 1978 trabajó como fotógrafo para la misma universidad, donde desarrolló múltiples proyectos, entre los que destacan Xico, un pueblo y su gente (1989), Coyolillo, un pueblo afromestizo (1995) y Luces de raíz negra (2004). Su trabajo se expuso en distintas ciudades del país, así como en Colombia, Estados Unidos, Canadá, Francia y Japón.
 
 
 
 
 

Paisajes y siluetas. Aneta Ivanova

Aneta Ivanova desde los 13 años se interesó por la fotografía y al principio se sintió atraída por los autorretratos, y para realizarlos utilizó diversas técnicas experimentales que aprendió por su cuenta.
Entre las técnicas que más utiliza se encuentra la doble exposición, a través de las cual retrata increíbles paisajes dentro de siluetas humanas.


En la mayoría de sus fotos ella es la modelo, ya que prefiere no dar instrucciones de qué es lo que busca en esa fotografía, En algunas piezas utiliza a su hermana porque reconoce que la manera de pensar de ambas es muy similar.



Dentro de sus influencias más grandes se encuentran los fotógrafos Rodney Smith y Dan Mountford, éste último  cuenta con varias fotografías de doble exposición.

Fuente: Paisajes y siluetas



El invierno de Lars Tunbjörk

Vinter, Sweden, es una serie fotográfica del sueco Lars Tunbjörk sobre el invierno en su país. El fotógrafo viajó a lo largo y ancho de Suecia entre 2004 y 2007 retratando, tanto a personas como paisajes durante esta época del año. Las fotografías intentan mostrar el estado mental en el que entran los suecos durante este periodo de "oscuridad" y el efecto que éste tiene tanto en humanos, como en animales, interiores y exteriores.




Esta serie sobre el invierno es una más en el portafolio del fotógrafo, pues a lo largo de su carrera, se ha dedicado a recorrer el globo en busca de historias para contar. Entre estas historias podemos encontrar muchas series sobre su país natal, desde Home, Sweden, una serie que critica la artificialidad de los complejos inmobiliarios en Suecia, hasta Ikea City, Sweden, en la cual el autor che una crítica a la ciudad natal del fundador de la legendaria empresa del sueco Ingvar Kamprad. En el 2011, el autor viajó a lo largo de China para fotografiar la historia The Shoppers Republic of China, en la cual el autor retrata el creciente consumismo en el país, impulsado por su gobierno y cómo es que los habitantes de este país, sobre todo en las ciudades, se ven constantemente bombardeados de publicidad y todo tipo de propaganda para que éstos sientan la necesidad de comprar.

Home, Sweden

The Shoppers Republic of China

Julia Fullerton-Batten

Esta fotógrafa inglesa comenzó a llamar la atención con su serie "Teenage Stories" (2005), donde retrata la transición de las chicas adolescentes hacia la edad adulta de la mujer. Sus imágenes exploran este cambio de la realidad infantil hacia la realidad de un adulto, utilizando elementos que evocan tanto la vida cotidiana como situaciones exageradas, fantásticas o de ensueño.

En la serie "In Beetween" (2009-2010) continúa explorando esta idea con retratos de adolescentes en solitario. Las fotografías, limpias en escenarios muy cuidados y pulidos, retratan a las jóvenes justo en el medio entre el movimiento y la caída, como flotantes en esas habitaciones solitarias y frías.

En ambas series observamos esa vulnerabilidad de las chicas al sentir soledad, fragilidad y caos en una etapa de la vida que está llena de cambios.

Para la serie "Awkward" (2011) la fotógrafa retrató adolescentes de ambos sexos planteando la interacción entre chicos y chicas en un momento cargado de cambios hormonales y tensión sexual. Esta serie muestra esos primeros contactos entre sexos opuestos, erráticos e inmaduros, que dan inicio a nuevas etapas de la vida. En "Mothers and Daughters" (2012) hay una reflexión sobre la relación madre-hija, su complejidad y fortaleza, complementando las ideas de la artista sobre la figura femenina en distintas etapas de la vida.

Algunos proyectos posteriores abordan la fotografía desde la pintura, imitando una estética similar a la de algunos artistas. "Unadorned" (2011) es una serie de retratos que recuerdan los cuerpos robustos y curvilíneos de Rubens en una manifiesto sobre la aceptación de la belleza "natural". Contrastando el concepto "belleza" de la época del pintor con el concepto actual, en cuyo segundo caso considera la complexión de las retratadas por Rubens grotescas y gordas cuando en sus tiempos fueron lo más sensual y hermoso, la fotógrafa logra un debate entre cánones de distintas épocas y distintos medios. "A Testament of love" (2013) es una serie de fotografías a partir de la estética de Edward Hopper. La fotógrafa recrea escenarios con un toque cinematográfico para exaltar una atmósfera dramática en situaciones donde aparece una mujer solitaria que acabara de tener un encuentro o desencuentro con algún amante.

En "Blind" la artista se acerca a los invidentes para plasmar su mundo y percepción del espacio a parir de su experiencia con su suegro, cada imagen de la serie tiene una historia de fondo, la historia del retratado.

Pueden encontrar más información sobre sus series de fotografía, proyectos personales, comisiones y datos personales en www.juliafullerton-batten.com




















Prospectiva de las imágenes del 2014


En la era de la invención de las TICS a diario coexistimos con uno de los inventos más famosos del siglo XIX, la fotografía. Sus imágenes nos acompañan en nuestro andar cotidiano y a cada minuto se producen y reproducen de forma masiva.

En ese inagotable universo de las imágenes, hay representaciones que a diferencia de otras, no son parte del ente homogéneo y anónimo como la mayoría. Éstas, trascienden confines geográficos, entonces son conocidas y reconocidas, e incluso se vuelven parte del imaginario colectivo de ciertos sectores.

Durante el 2014, se han registrado imágenes que enmarcan hechos sobresalientes y debido a su significativa relevancia, en estas líneas se especula que pudieran inscribirse en la memoria de muchos.

1.


Flanqueada por las presidentas de Argentina, Cristina Fernández, y de Brasil, Dilma Rousseff, la socialista Michelle Bachelet celebra su investidura para un segundo mandato en Chile.


El 11 de marzo, luego de la ceremonia de toma de posesión de la presidencia en Chile, en la cual Michelle Bachelet dio inicio a segundo mandato en el cargo, se fotografió a la mandataria en compañía de Cristina Fernández de Kirchner y Dilma Rousseff, presidentas de Argentina y Brasil respectivamente.

La imagen más allá de retratar el acontecimiento ya señalado, en un futuro pudiera ilustrar un momento histórico en el que las mujeres de América Latina llegaban al poder.



2.



Putin, segundo por la derecha, y las autoridades de Crimea y Sebastopol, tras firmar la anexión. / YEKATERINA SHTUKINA (AFP)



La siguiente fotografía también registrada en el mes de marzo muestra a Serguei Aksionov, premier de Crimea; Vladimir Konstantinov, presidente del Consejo de Estado; el presidente ruso, Vladimir Putin, y Aleksei Chaly, alcalde de Sebastopol, tras firmar el acuerdo de incorporación de Crimea a Rusia.

El hecho sugiere significativas transformaciones, desde modificaciones geográficas, cambios en la política y  la diplomacia exterior.













Katherinne Fiedler. Tiempo de caza

Katherinne Fiedler es la fotógrafa responsable de Tiempo de caza, una muestra que esta envuelta por la idea de la "caza" como una actividad  básica y primitiva del hombre. Ésta a su vez funciona como metáfora para expresar los deseos, el consumo y las contradicciones creadas por las mismas personas. La serie se inició con tres fotografías que formaban parte de otro conjunto que se titulaba El jardín de las delicias.



Los animales en las imágenes son artificiales y pertenecen al Museo de Historia Natural de Nueva York. Fiedler pretende mostrar la búsqueda que todos tenemos de saciarnos constantemente de algo. La fotógrafa utiliza niños en esta serie, precisamente porque piensa que están llenos de caprichos, que tienen un gran cúmulo de deseos, lo cual representa la idea general de la serie.
El tema del consumo de lo "artificial" se representa con los animales que anteriormente escribí, eran artificiales, es decir una naturaleza artificial.




"Se observa a los niños que quieren volver a lo natural, pero desde lo artificial. Y en si es irónico porque aparentemente la imagen podría traducirse en una imagen dulce, pero si lo vemos con calma, la niña no están inocente, ni tan agradable y la naturaleza que se observa es totalmente artificial"


Más información en: Tiempo de Caza




Hikari Kesho: el erotismo del arte shibari llevado a la fotografía

El fotógrafo italiano Hikari Kesho ha desarrollado un estilo particular para fotografiar los cuerpos femeninos tanto para el mundo de la moda como para el del arte. Con gran interés en la expresión corporal y la manera en que el cuerpo se desarrolla con respecto a lo sensual y sexual, Kesho se acercó a las representaciones del erotismo femenino de la cultura japonesa. En sus fotografías encontramos el culto al arte shibari, es decir, al arte de las ataduras o amarres que se hacen sobre cuerpos vestidos o desnudos pero siempre con una intensión erótica.


El shibara es más que una atadura, es una filosofía de lo sensual del cuerpo. La meditación, el logro de una flexibilidad mental y corporal, el intercambio de energías y la concentración erótica son algunas de las bases del shibari para llevar el cuerpo al límite, por ello encontramos támbien prácticas de tortura en las que se logra una conexión espiritual-corporal-sexual.


Kesho utiliza el shibari para resaltar la belleza femenina, la fuerza, la sensualidad y la vulnerabilidad en tributo a la cultura japonesa. El contraste entre las zonas del cuerpo atadas con las que no lo estan refuerzan los contrapuntos entre tensión y relajación, dolor y placer, tortura y goce.




Hikari Kesho web site

Miwa Yanagi: retorcidos cuentos de hadas.


La obra fotográfica de la japonesa Miwa Yanagi se ha caracterizado por la representación del rol femenino dentro de la sociedad. En la serie Fairy Tale, Yanagi refleja el temor al envejecimiento y cuestiona el ideal de la belleza en la mujer como en los cuentos de hadas. Mujeres jóvenes, felices, de piel suave y sin arrugas, son tomadas por la fotógrafa bajo una visión retorcida, apelando así, contra los estereotipos femeninos construidos sobretodo por el mundo occidental.


Cuentos como Blanca Nieves, Rapunzel o Caperucita Roja son trastocados con dotes de misterio y brutalidad donde el uso del blanco y negro asentúa aún más esta característica de atmosfera oscura y tenebrosa. Mediante manos y rostros viejos Yanagi muestra la edad de los personajes, conviertiendo al estereotipo de una bella princesa en una mujer vieja. Es evidente que la estética de la fotógrafa esta influenciada por las películas de terror japonesas, ya que el uso de máscaras y la visión tétrica del cuerpo son retomadas en su obra.



El temor al envejecimiento se refleja. Ideales de belleza asociados a la juventud se develan y mediante la asociación de símbolos se conjugan para formar una nueva identidad, una nuevo individuo que carece de juicios y se desenvuelve con seguridad.  - See more at: http://culturacolectiva.com/miwa-yanagi-fantasias-alteradas/#sthash.rBPdLjk2.dpu
El temor al envejecimiento se refleja. Ideales de belleza asociados a la juventud se develan y mediante la asociación de símbolos se conjugan para formar una nueva identidad, una nuevo individuo que carece de juicios y se desenvuelve con seguridad.  - See more at: http://culturacolectiva.com/miwa-yanagi-fantasias-alteradas/#sthash.rBPdLjk2.dpuf

Miwa Yanagi web site

FilmLab

FilmLab México es un proyecto de Armando Franco Guevara que consiste en crear un espacio dedicado a la fotografía análoga, en el que podrás revelar y comprar rollos, como tomar talleres.  Por medio de Fondeadora esta buscando dinero para poder lograr el proyecto, el dinero recaudado servirá para importar el equipo de laboratorio de Estado Unidos así como papel de impresión, rollos de diferentes formatos y calidades, mobiliario, iluminación, etc.

Al ayudar este tipo de proyectos recibes ciertos benéficos, en el link de abajo están descritos.

FilmLab México / Proyecto Fondeadora from Afrancoguevara on Vimeo.

Para mas información:

FilmLab México

Imágenes de Ingrid y Manuel.


En septiembre de 2013 las tormentas Ingrid y Manuel lastimaron gran parte de nuestro territorio nacional impactando las costas del Golfo de México y del Océano Pacífico. Los hechos dieron inicio el domingo 15, fecha en que muchos vacacionistas a propósito de la conmemoración del día 16 habían ocupado para viajar a destinos turísticos o visitar a familiares.

Los medios de comunicación narraban los sucesos, no solo ellos lo hacían, parecía que en esta ocasión todos tenían algo que contar.

Muchos sabíamos de alguien con conocidos desaparecidos, familiares nativos de las zonas afectadas que estaban padeciendo el desastre y que demandaban ayuda, compañeros de trabajo que habían quedado varados debido al cierre de carreteras y aeropuertos y los que no, hablaban de sus buenos recuerdos en Acapulco.

 Las crónicas no se reducían ni a relatos dichos, ni a la palabra escrita, se generaron memorias fotográficas  en torno a la catástrofe, quizá estos registros relataron con mayor claridad lo que acontecía.

Especialistas de la imagen y amateurs de la fotografía retrataron los deslaves, inundaciones y derrumbes.



Foto tomada de: http://mexico.cnn.com/nacional/2013/09/16/ingrid-manuel-tormenta

Nada como una fotografía para mostrar los alcances de la catástrofe, para dimensionar la compleja situación que se vivía en varios estados de la República, y para suponer las condiciones en que las muchas  zonas incomunicadas y aisladas podían encontrarse.





Tiendas departamentales ubicadas sobre el bulevar de las Naciones, en Acapulco, fueron saqueadas por habitanes de las colonias aledañas, como la Colosio o La PozaFoto Javier Verdin

En ese contexto la lectura de las fotografías nos acercaba a la zona del desastre y al igual que en la época colonial y como en el muralismo, las imágenes desempeñaban una función de lectura ágil y clara. Desconocíamos la ubicación geográfica, no de los estados pero sí de sus comunidades, ignoraban todo o mucho de sus habitantes y del contexto, pero gracias a la fotografía llegamos a saber bastante sobre las carencias que enfrentaron a raíz de ese desastre.






http://mexico.cnn.com/nacional/2013/09/16/ingrid-manuel-tormenta

Loretta Lux: un ejemplo del pictorialismo actual


Ejemplo de pictorialismo actual: la artista realiza sus composiciones usando una combinación de fotografía, pintura y manipulación digital. Como modelos utiliza a los hijos de sus amistades y luego introduce el fondo que comúnmente ha sido tomado con anterioridad en múltiples viajes.

"The rose garden", 2001

Loretta Lux, nació en Dresde, Alemania, en 1969, y estudió pintura en Múnich, en 1999 toma sus primeras fotografías como la que podemos ver a continuación: “The Hush”, donde funge como modelo. Encuentra influencia en la pintura sobre tabla clásica (Bronzino, Velázquez, Runge) pero sobre todo de la fotografía victoriana de Cameron y Carroll.

"The Hush", 1999
Cuando observamos las fotografías de Loretta Lux experimentación una admiración por la bella superficie y la impresionante extravagancia de los objetos creados alrededor del motivo central, lo que se intensifica por el hecho de que la composición y el tema están presentados con gran sencillez.
"Siegfried", 2009
 
Fecha de consulta: 21/04/2014