La imagen que se convirtió en ícono del resurgimiento de Nepal tras el terremoto

Después del terrible terremoto sufrido en Nepal el 25 de abril, en donde miles de vidas se han perdido, una imagen se convierte en el icono de la esperanza y del renacimiento de la devastada República. Publicada por el diario Kathmandu Today, y después de 22 horas de ocurrido el sismo, el periódico muestra el rescate de un bebé de cuatro meses, presentan diversas imágenes, desde el descubrimiento del bebé en los escombros, hasta el momento en que es rescatado y alzado en brazos por los rescatistas.
El bebé es encontrado gracias al apoyo visual del grupo de rescatistas.

   
Momento en que logran sacarlo de entre los escombros, y lo revisan, verificando que esta en buenas condiciones de salud.


Esta imagen se ha convertido en símbolo para los nepalíes. 
Además de las vidas humanas, se ha perdido importante patrimonio cultural, entre este dos Sitios Patrimonio de la Humanidad, la histórica Plaza Durbar y la emblemática torre Dharahara.

http://www.clarin.com/mundo/destruyo-sitios-declarados-Patrimonio-Humanidad_0_1345665652.html

http://www.latercera.com/noticia/mundo/2015/04/678-627609-9-la-imagen-que-se-convirtio-en-icono-del-resurgimiento-de-nepal-tras-terremoto.shtm


Agfa-Photo-Historama

 Museo Ludwig de Colonia, Alemania

El Museo Ludwig, es uno de los museos mas importantes de Alemania contiene una gran variedad de obras del Siglo XX al XXI, desde el Pop Art, Arte Abstracto, Surrealismo y una importante exposición permanente dedicada al fotografía, conocida como:  Agfa-Photo-Historama.
Esta trata sobre la Historia de fotografía la cual se encuentra distribuida en tres salas.

No es de extrañar que en Alemania, de gran tradición fotográfica no sólo por el imperio Leica sino por todas esas corrientes bien asentadas en la Nueva Objetividad que han llegado a nuestros días, se den cita algunos de los museos con más importancia a nivel mundial. Por un lado Berlín acoge el museo dedicado a Helmut Newton así como otras poblaciones como Braunschweig o Burghausen también acogen sus propios espacios museísticos. Pero dejamos a un lado estas sedes para hablaros del museo instalado en Colonia.


Henri Cartier Bresson
Muy bien ubicado cerca de la Catedral, el museo alberga fotografías desde 1906 hasta la actualidad. Así mismo podemos ver una colección de cámaras, caricaturas y autógrafos entre otras curiosidades que la convierten en uno de los museos más atractivos en cuanto a fotografía. Una colección que empezó gracias a Erich Stenger y que fue considerada incluso antes de la Segunda Guerra Mundial como una de las más importantes del mundo. 


Es posible visitar el Museo de manera virtual en el siguiente link:

http://www.museum-ludwig.de/de/sammlung/die-sammlung/die-fotografische-sammlung-des-museum-ludwig.html

Lachapelle y la producción del producto

La industria de la moda es, día con día, cada vez más poderosa, posicionan imágenes, productos, marcas y deseos, como explica Bauman en la posmodernidad los humanos somos eternamente deseantes, al satisfacer nuestro deseo nos espera otra gigantesca bomba de publicidad que generará el deseo. Jo Spence explica como la fotografía publicitaria busca mostrar un realismo social que lejos está del realismo social y más bien se acerca a las convenciones y los estereotipos en torno al sexo y a la raza; las modelos son mujeres reales que no lucen como la mujer común y corriente, sin embargo sí representan el ideal de belleza que deseamos aunque parezca imposible, se trata de una cosmética hiperreal que nadie puede alcanzar: las medidas de un cuerpo sólo formulable en la modificación digital de la imagen, propociones faciales falsas pero manufacturadas a través del maquillaje.
La fotografía comercial responde a los ideales falsos creados por las grandes industrias e inconscientemente recibimos mensajes explícitos e implícitos que podrían hacernos despertar de este desear lo imaginario. Pedimos censura frente a la pornografía al mismo tiempo que estamos expuestos a pornografía publicitaria en donde el exceso y el erotismo cubren la desnudez y nos permiten observar las imágenes plácidamente.



Se trata de una exaltación de lo superficial y ese es el juego que muchas veces propone David Lachapelle, aunque en la modelo reconocemos una persona que vinculamos con un ideal, sabemos que es un producto más y, por lo tanto el trato que reciben es de producto. En las imágenes de Lachapelle no hay una apología o un intento por salvar a la pobre mujer que presentada fuera de contexto podría ser utilizada en un campaña para combatir la anorexia o la hambruna mundial; en sus imágenes hay una acentuación en ese mundo falso, aquel en el que, sin importar las condiciones, el producto, modelo o celebridad, destaca y es glamouroso incluso en aquellas circunstancias que para el común denominador de la población nos parecen todo menos deseables o estéticas. Hay una burla a la iconografía y a la manera en la que amamos e ideologizamos tanto imágenes religiosas como imágenes publicitarias.
Barthes trabaja con fotografía publicitaria porque tiene una intención clara previa al hacer click con la cámara, en la Lachapelle la intención siempre es el glamour y la idolatría a lo pop. El mensaje denotativo suele ser superado por el connotativo que nos lleva a confirmar que lo que deseamos, por absurdo que parezca, tiene sentido y es alcanzable, a la idea que, sin importar qué suceda podemos lucir como modelos, a la idea de una sexualización mercantilizada, llena de productos y fetiches que nos avergüenza pero, al mismo tiempo, queremos tener todos los props en nuestros armarios.
David Lachapelle, "Can you help us?", 2005
En 2005 el fotógrafo participó en el programa America's Next Top Model, en el que fotografió a mujeres que aspiran a ser modelos en un ambiente de desastre. La destrucción del mundo moderno, la caída de The American Way of Life y la decadencia de la posmodernidad; en medio de estos escenarios las modelos aparecían sin estar desgarradas, sin preocupaciones, seguían luciendo como mujeres perfectas a las que la tragedia no había perturbado sino enlaltecido, son pura moda y pura belleza lo que las vuelve aún más irreales considerando que su aparición en estos lugares es imposible. El deseo latente sigue ahí, al verlas pareciera que estamos dispuestos a encontrarnos en esa misma situación siempre y cuando pudiéramos lucir así, vestir así. El sacrificio de todo en pos de la mentira.
David Lachapelle, "World is Gone", 2005

David Lachapelle, "What was Paradise is now hell", 2005

David Lachapelle, "When the World is through", 2005

Hasselblad Masters 2014

En este reconocimiento quedan representados los mejores fotógrafos, aquellos que tienen creatividad, capacidad de inspirar y de comunicar. Estos maestros pueden ser jóvenes, de edad mayor, de cualquier parte del mundo y hacer fotografía clásica, tradicional, experimental, comercial, entre otras. Victor Hasselblad fue un industrial sueco, diseñador de las cámaras fotográficas Hasselblad, que alcanzaron fama mundial cuando fueron escogidas por la nasa, en 1969, para acompañar el viaje de los astronautas a la Luna. En el siglo XXI se ha creado el Premio Hasselblad de Maestros dirigido a aquellos fotógrafos que han destacado en alguno de los campos de la fotografía artística, y se publica un libro de gran formato con los trabajos de los fotógrafos seleccionados.
Estos son los ganadores de los premios Hasselblad 2014:

Arquitectura : Martin Schubert


Moda y belleza: Bara Prasilova



Vida salvaje: Rafael Rojas


Editorial: Antonio Pedrosa



Productos: Bryn Griffiths


 Fotografía submarina: Chris Straley


 Retrato: Dmitry Ageev



 Proyecto //21: Paul Gisbrecht


 Sociales: Joseph Goh Meng Huat



Arte: Rafal Maleszyk


 General: Roman Jehanno



Paisajes y naturaleza: Hengki Koentjoro


En 1982, el excelente fotógrafo Henri Cartier Bresson, recibió también el reconocimiento Hasselblad, y en 1984, fue otorgado al fotógrafo mexicano Manuel Alvarez Bravo.

http://www.hasselblad.com/inspiration/masters/masters-2014

Premios de fotografía revelan a los primeros galardonados en fotografía con teléfono mobile.

Los premios Sony World Photography Awards, este año han revelado la nueva categoría que incluye a la mejor fotografía hecha a través de un teléfono mobile. Esta categoría fue incluida  este año para reconocer como la tecnología nos permite capturar momentos únicos todos los días y que de otra forma hubieran sido desapercibidos. 

  • El primer lugar se le otorgará a la italiana Turi Calafato´s, quien logro capturar 6,700 votos del publico por su fotografía  de dos personas tomando el sol en una playa.

  • El segundo lugar es para Hungría, representada por Janos M Schmidt y su fotografía sobre un tren.

  • El tercer lugar es para Ako Salemi y su fotografía sobre un niño cara a cara con una cabra.


Estos premios serán otorgados este jueves 23 de abril 2015. Les dejo la liga que incluye a los ganadores, en la que se destaca al mexicano Hector Munroz Huerta ganador del premio a la mejor fotografía en la categoría de arte y cultura.


Las fotografías galardonadas en los Sony World Photography, se estarán presentando en el Somerset House de londres, a partir del 24 de abril y hasta el 10 de mayo. 

Trucos para fotografías





7 Trucos para increíbles fotografías

Fotografía submarina


Fotografía submarina





















Para realizar fotografía submarina se debe tomar en cuenta: el equipo, la iluminación, la composición y el encuadre.

Se recomienda utilizar un objetivo gran angular u ojo de pez que permita abarcar un gran ángulo de visión.

Cuidar la carcasa para evitar daños a la cámara es esencial.

En la luz natural se debe tomar en cuenta la reflexión, refracción y extinción.








http://www.topfotografia.net/Fotografia/teoria-de-la-fotografia/fotografia-submarina/fotografia-submarina.html






“The decisive moment”: una mirada al libro fotográfico más famoso de Henri Cartier - Bresson

Con motivo de la exposición de Cartier - Bresson en el museo del Palacio de Bellas Artes, me di a la tarea de buscar un libro que contara con la recopilación fotográfica mas amplia del artista. En Amazon encontré este libro: Henri Cartier - Bresson: The decisive moment, con un precio de $84.99 dólares, cuenta con excelentes recomendaciones pero más allá de esto el libro tiene la recopilación del trabajo fotográfico mas amplio del artista.

Aunque le dediquemos tiempo a encontrar el libro mas famoso, referencial e influyente del canon europeo de la fotografía, yo creo que esta búsqueda nos llevaría a la de su Decisive Moment, escrito por Jeffrey Ladd, originalmente publicado en 1952, cuenta con el acervo más grande del fotógrafo y la portada esta a cargo de Heri Matisse. El titulo del libro hace mención del momento decisivo que se da en la fotografía, en la que todos los elementos se combinan y nos dan el resultado de una fotografía perfecta en el momento exacto de la acción. Este es un trabajo muy meticuloso, que almacena el trabajo de uno de los fotógrafos mas famosos y exitosos a nivel mundial y en esta segunda edición cuenta con un capitulo adicional a cargo del Centre Pompidou y el curador Clément Chéroux.

En este fotol-libro encontramos momentos decisivos en los que el fotógrafo francés inmortalizó el funeral de Gandhi (1948),los últimos enfrentamientos de la Guerra Civil de China (1949), entre otros acontecimientos, de una manera que pocos hubieran conseguido realizar en dicho momento.

Con esto les quiero compartir un video en el que se pueden apreciar varias de las fotografías de Cartier - Bresson y sobre todo les paso el tip de que el libro ahora es difícil de encontrar pero nosotros ya sabemos que en Amazon esta disponible y sólo es un tema de ahorrar y pedirlo a la puerta de nuestra casa.

Sebastiao Salgado

fotógrafo brasileño nacido el 8 de febrero de 1944 en Aymorés (Minas Gerais).Estudió economía en la Universidad de São Paulo y en la Universidad de Venderbit (EUA). En 1968 logra el máster en economía. Entre los años 1969 y 1971 viaja a París en donde obtiene el doctorado en la Escuela Nacional de Estadística Económica. Recibió en 1998 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.


Trabajó en la administración de la OIC (Organización Internacional del Café) hasta 1973, cuando decide dedicarse a la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y de modo autodidacta. En su carrera como fotógrafo comenzó trabajando para la agencia Gamma con sede en París para, luego, en 1979 unirse a Magnum Photos. En 1994 dejó Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París y representar así su obra.


Salgado pertenece a la tradición de la fotografía sociodocumental. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. En la introducción a Éxodos dice: "Más que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos." En 2001 llegó a ser nominado representante especial de UNICEF por su labor.
Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras Américas o Éxodos. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica.
En el año 1989 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad
En junio de 2007, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, hubo una gran exposición antológica sobre su trabajo en el festival internacional de PHotoEspaña,Madrid, donde ganó el Premio del Público.

Fuente: wikipedia

http://fotogenio.net/ponentes/sebastiao-salgado/

Hannah Wilke y la cosmética de la posmodernidad

En los 60s, junto con la segunda ola del feminismo, surge el arte performativo en el que las mujeres encontraron un espacio de expresión auténticamente libre; bastaba con desnudarse en un museo y denunciar la sociedad machista y patriarcal que gobernaba, muchas de estas mujeres basadas en el libreo de Kate Millet "Sexual Politics" demostraron la fuerza femenina a través de la estética.
Sin embargo, entre estas mujeres existe un caso peculiar, el de Hannah Wilke, quien hacía una denuncia contra el hecho de ser un objeto, en concreto un objeto sexual, de la exigencia que sufrían las mujeres en las que todas tenían que cumplir el mismo estándar de belleza. Por esto realizó la serie de fotografías sin título en las que aparece cubierta con goma de mascar moldeada de acuerdo a los diferentes tipos de vagina que estaban registrados. El problema de Wilke recaía no en su discurso, ni en su propuesta artística, sino en que no era tomada en serio, pues una mujer hermosa, con un cuerpo similar al de las modelos en Vogue no puede denunciar nada dado que no se encuentra en la situación de desigualdad que el común denominador femenino. Wilke en su belleza absoluta pasaba desapercibida para el público, aunque no para muchos artistas; la prueba está en el performance que realizó en torno al "Gran Vidrio" de Duchamp invitada por el propio Duchamp.


En su propuesta, después de superar la imagen de modelo, uno identifica la denuncia a la cosmética igualitaria, al problema del feminismo que no se enfoca únicamente en la cuestión del sexo, sino en una interseccionalidad, Hannah Wilke, constantemente denuncia la discriminación que sufrió por ser judía y además mujer.
Douglas Crimp anuncia atinadamente que el arte del performance requería del espectador, sin embargo existen muchos registros fotográficos sobre performance cuya significación está en la imagen misma y este fue el caso de Wilke. A Wilke le detectaron cáncer de mama, a Wilke la trataron contra el cáncer de mama, a Wilke la enfermedad la transformó física y espiritualmente y, sólo así, pudo ser tomada en serio. En una de sus últimas obras "Intra-Venus" vemos una Wilke acabada por el cáncer, con cicatrices, ha perdido el cuerpo escultural y la cara modélica y entonces podemos observarla seriamente, por que ya no es sólo una mujer bonita exhibiéndose, pero, además, en las imágenes del performance Wilke realiza una pasarela de conocimientos sobre arte, posando como todas las modelos han posado a lo largo de la historia, aparece como Venus, como la virgen, como las modelos del Barroco y el Romanticismo. Es una clase de historia del arte, inmersa en un performance que aumenta su significación debido a las fotografías obtenidas.


Jorge Ribalta


Jorge Ribalta es un comisario, criticó de arte y fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1963). Considerado un fotógrafo promesa en su juventud, ganó premios y luego se dedica durante una quincena de años principalmente al comisariado.  Actualmente ha vuelto a la práctica fotográfica con series en la que realiza observaciones sobre el campo cultural, entendido y presentado como resultado de la intersección del arte, la política, la economía y la historia.

"La fotografía es parte de las cosas, es un fósil; pero el montaje, que pone en relación las imágenes, les devuelve la vida. El montaje de imágenes remite a la ilusión de movimiento del cine. Poner imágenes juntas no es solamente relacionar los diversos procesos y trabajos que se muestran, y producir legibilidad, sino poner las propias imágenes en movimiento. Dar vida a las piedras es crear ilusión de movimiento".


Fotógrafos de Agüita.

Exposición.

Hasta el 19 de abril estará la exposición "Fotógrafos de Agüita" una serie que recopila la historia iconográfica de la fotografía instantánea en México.

Se trata de 80 fotografías recabadas entre 1983 y 1984.

La exposición describe a los fotógrafos ambulantes, sus cámaras, telones y todo su equipo que ocupaban.







Martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.
Entrada Libre.
Museo Archivo de la Fotografía. 




http://www.cultura.df.gob.mx/index.php/cartelera/details/13763-fotografos

Manuel Alvarez Bravo en el MOMA, 1997

Exposición de 1997 en The Museum of Modern Art, New York.

The Museum of Modern Art, New York, adquirió por primera vez fotografías de Manuel Álvarez Bravo poco después de la fundación del departamento de fotografía en 1940 por Alfred H. Barr, Jr., Director Fundador del museo.  Posteriormente, se incluyeron fotografías de Manuel Álvarez Bravo en importantes exposiciones temporales del museo, por ejemplo, Twenty Centuries of Mexican Art (1940) y The Family Man (1955). En 1971 se mostró en el museo una pequeña exposición retrospectiva de sesenta ejemplares de la obra de Álvarez Bravo, organizada por el Pasadena Art Museum.

Fue hasta la exposición de 1997 que con ayuda del propio artista y de su esposa Colette Álvarez Urbajtel, se logró presentar la exposición Manuel Álvarez Bravo, a cargo de la curadora Susan Kismaric, el patrocino del empresario mexicano  Lorenzo H Zambrano y agentes de gobierno tanto mexicano como estadounidense. La exposición es la más completa que se ha presentado sobre el artista,  reúne obra pictorialista temprana y otros experimentos; abstracciones formales, imágenes vinculadas, al movimiento surrealista internacional y  trabajos maduros de diversos tipos: retratos, escenarios urbanos y rurales, temas religiosos vernáculos, paisajes y desnudos.

Con una carrera de mas de 80 años dedicadas a la fotografía, se hizo esta exposición en uno de los principales recintos del arte moderno como lo es The Museum of Modern Art, New York.  En la década de los años ochentas y noventas son numerosos los reconocimientos que Álvarez Bravo obtuvo tanto en México como en el mundo y esta exposición es planeada como un reconocimiento y homenaje en vida por tantos años dedicados a una carrera de excelente contribución y calidad. Es la exposición más completa de su obra y es una retrospectiva a sus inicios, técnicas y visión con la que se logró consolidar como el fotógrafo mexicano más reconocido del siglo XX. La exposición contó con 185 fotografías, muchas de ellas jamás antes impresas o expuestas y que fueron prestadas al museo por parte de su colección privada y los museos de Estados Unidos que cuentan con obra del autor en sus galerías. Se buscó presentar a Manuel Álvarez Bravo desde la concepción del arte de la fotografía a la que llegó, y que siguió elaborando y ampliando durante más de ochenta años. La primera visión que se le da  es el tema de la historia, la cultura y la identidad mexicana. La segunda visión tiene mas que ver con una nueva concepción de la fotografía como medio fluido de observación, en la que los acontecimientos de la vida cotidiana son condensados por el ojo en fábulas de la experiencia. 


El orden cronológico de la exposición hizo principal énfasis en reunir los principales elementos de la obra: la simpatía por el misterio, un sentido hacia lo surreal y la integración de la vida y la muerte en una misma imagen. La exposición abría con los experimentos del artista en el arte abstracto de los años veinte y continuaba con las obras más significativas en su búsqueda por encontrar su propio iconografía y estética de los años treinta. Incluyó fotografías del paisaje mexicano, objetos culturales y religiosos y las fotos de la vida cotidiana de las personas en la gran ciudad en épocas post revolucionarias. Dentro de la exposición también se presentaron obras de su época considerada como surrealista y se incluyeron sus últimos  intentos por la fotografía a color de los últimos años. Dentro de las principales obras que se pudieron apreciar en dicha exposición estaban:

Peluquero, 1924 Familia Álvarez Bravo y Urbajtel.


Muchacha viendo pájaros, 1931 Collection Thomas Walther.

Parábola Óptica, 1931Familia Álvarez Bravo y Urbajtel.

Enterramiento en Metepec, 1932 Familia Álvarez Bravo y Urbajtel.

La hija de los Danzantes, 1933 The Museum of Modern Art, New York, Purchase.

Los agachados, 1934 The Museum of Modern Art, New York, Purchase.

La buena fama durmiendo, 1939 The Museum of Modern Art, New York, Purchase.

Qué chiquito es el mundo, 1942 The Museum of Modern Art, New York. Gift of Edgar Kaufmann,       Jr.

También les dejo una de sus fotografías a color presentadas en esta exposición