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La foto en la política

En muchos casos la fotografía ha sido usada para librar cuestiones políticas y de imágen personal pero esto es el colmo: El pasado 13 de este mes en Johannesburgo el presidente de Sudán, Omar al Bashir, acusado de genocidio y crímenes de guerra por la Corte Penal Internacional, se fotografió con sus homólogos de los países de la Unión Africana (UA) en su primera aparición pública desde que aterrizara ayer en Sudáfrica. Bashir lleva desafiando al TPI desde el 2009, cuando el tribunal internacional, con sede en La Haya, le procesó por crímenes de guerra y contra la humanidad a raíz del conflicto de Darfur, que causó 300.000 muertos y dos millones de desplazados. Poco después, en el 2010, el TPI añadió al acta de acusación de Bashir el cargo de genocidio. El presidente sudanés se niega a reconocer al Tribunal de La Haya, al que considera una herramienta colonial dirigida contra su país y los africanos.


Katy Perry

Katy Perry luce deslumbrante en las más recientes fotografías compartidas por la marca de ropa para la que fue contratada como imagen publicitaria. En una de ellas la cantante aparece apenas cubierta con una especie de bata color negro y que añade letras coloridas. Moschino fue quien compartió las imágenes en la red social de Instagram,  y en las cuales Perry aparece con el cabello corto. Otras dos imágenes de la campaña que protagoniza la celebridad estadounidense fueron exhibidas en internet. En ellas, la intérprete de Dark Horse luce ataviada con prendas coloridas, accesorios, calzado y hasta maletas. Puedes ver la foto completa en el perfil que Katy Perry tiene en Instagram.

7 fotos que lo cambiaron todo para Magnum


Magnum Photos cumple 68 años de trayectoria y para celebrarlo ha pedido a 50 de sus miembros que elijan “la imagen que lo cambió todo”. Cada uno ha elegido una imagen que ha supuesto un punto de inflexión en su carrera como creadores de imágenes. 

Todos los textos se han sacado de la web de Magnum Photos, donde se pueden encontrar en inglés con las otras 43 fotografías que conmemoran este aniversario.
“El triste, vibrante, trágico y encantador país de Haití ha sido la clave de mi fotografía. Después de leer Los comediantes de Graham Green (que transcurre en Haití, que al mismo tiempo me aterraba y fascinaba) hice mi primer viaje en 1975. Fotografié en blanco y negro y pronto me di cuenta de que faltaba algo: no estaba capturando la sensación abrasadora de la luz y el calor –físico y quizás también metafísico- de este país, tan diferente a la gris desconfianza de Nueva Inglaterra, donde crecí.
No me ocupaba de la intensidad emocional de mi experiencia en esta tierra conflictiva. Así que cuando volví a Haití cuatro años más tarde, decidí trabajar en color. A medida que vagaba por los pórticos del céntrico Puerto Príncipe en 1979, recuerdo ver a este hombre con un ramo de juncos –increíblemente silueteado contra la vibrante pared roja- y justo un segundo hombre, en la sombra apareció de repente. Hice la foto y poco a poco empecé a darme cuenta de que era hora de dejar atrás el blanco y negro”.
Alex Webb, Haití
“En marzo de 1992, hice un viaje por carretera a lo largo del Mississippi con mi futura mujer Rachel y nuestra perra Tasha. Viajamos desde nuestra casa en Minneapolis a Memphis. Cada noche íbamos a la busca de un sitio discreto donde aparcar para poder dormir en nuestra furgoneta. Sacábamos todas nuestras bolsas y hacíamos una pequeña habitación. Una década más tarde, viajaría de nuevo por el Mississippi para mi primer libro, Sleeping by the Mississippi. Esta fotografía es como mirar a la semilla de la que brotó todo ese trabajo”.


 
 
 
 
 
 
 
Alec Soth
“Esta codiciada profesión es propensa a todo tipo de peligros inesperados. Algunos naturales: un traspié seguido de una caída por un barranco. Algunos políticos: alguna detención ocasional en la cárcel. Algunos personales: un colapso de agotamiento en un baño solitario de Nueva Zelanda. La lista continúa y estos percances se pueden considerar los normales, desafortunadas consecuencias de esta profesión. Pero el daño real, descubrí que estaba en casa, donde un matrimonio había muerto”.
 
 
 
 
 
 
 
 
Chien-Chi Chang
"Esta fotografía la hice con un móvil fuera de una tienda de libros de Pekín en 2010. Vivía en China, haciendo viajes por carretera en mi furgoneta Jinbei. La experiencia y la novedad del teléfono eran emocionantes, pero no sabía que el teléfono me permitiera cambiar –de alguien que era utilizado por la fotografía a alguien que utilizaba la fotografía. Sin bolsas de equipo y el bagaje e historia del proceso fotográfico, era capaz de olvidarme de la fotografía y centrarme simplemente en la experiencia. En ese momento descubrí lo que necesitaba contar”.
 
 
Peter Marlow. Aguas termales naturales en Kawayu. Japón, 1998
 
 
“Esta fotografía la hice con un móvil fuera de una tienda de libros de Pekín en 2010. Vivía en China, haciendo viajes por carretera en mi furgoneta Jinbei. La experiencia y la novedad del teléfono eran emocionantes, pero no sabía que el teléfono me permitiera cambiar –de alguien que era utilizado por la fotografía a alguien que utilizaba la fotografía. Sin bolsas de equipo y el bagaje e historia del proceso fotográfico, era capaz de olvidarme de la fotografía y centrarme simplemente en la experiencia. En ese momento descubrí lo que necesitaba contar”.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Michael Christopher Brown


 
 
 
 
 

 

STUDIO MOBILE: Maleonn y el arte de unir a través del retrato

Maleonn, cuyo nombre original chino es Ma Liang

El arista Maleonn ha pasado años en su estudio, donde desarrolló y recopiló utilería, disfraces y telones, para la cuidadosa puesta en escena de fantásticas fotografías. Al pulir su singular práctica en relativo aislamiento, a finales del 2011, el originario de Shanghái, se embarcó en una excursión de 11 meses para personalizar y tomar imágenes de cientos de extraños en docenas de ciudades de China. Los trabajos ahora se muestran en una exhibición en la MD Gallery, de Shanghái. “Esperé que muchas personas participaran en el proyecto. Ese era mi deseo”, comentó Maleonn, cuyo nombre en chino es Ma Liang. “Fotografié a 1,600 individuos, y quiero publicar algo acerca del proyecto, al igual que llevar a cabo una exhibición, para que inclusive más personas lo pueden ver.”

Studio Mobile
Para su “Studio Mobile”, Maleonn viajó alrededor del país con un equipo de amigos de toda la vida y antiguos colegas. Tomaron dos vehículos: una camioneta para el equipo y un camión, lleno de artículos y vestuarios que sirvió como estudio.
El padre del artista fue un director de teatro, y a él le gustó la idea de que la expedición se remontara a la tradición de tropas teatrales viajeras. Maleonn reclutó a sujetos para fotografía con el uso del popular sitio social llamado Sina Weibo. Él prometió viajar a cualquier ciudad, sin importar lo pequeña o remota, donde 50 o más personas quisieran participar. Los asistentes entonces serían fotografíados en la forma que ellos quisieran, a menudo traían objetos con ellos para utilizarlos. Uno llego con un  pesado casco del ejército de los Estados Unidos de la Segunda Guerra Mundial, uno de los muchos objetos que le regalaron a Maleonn en el camino.

 
 
 
 
 
El proyecto rebasó el éxito esperado por el artista, retrató más de 1600 personas, de donde imprimió más de  250 fotos, sin embargo, aún seguirá procesándolas; el viaje duró más tiempo del pensado ya que era esperado con júbilo en los diferentes espacios a los que fue, recibido en las casas de las personas, atendido por ellos. El considera que con este proyecto logró unir a muchas personas que estaban separadas.
 


 






Fotografía Digital


La fotografía digital consiste en la obtención de imágenes mediante una cámara oscura, de forma similar a la Fotografía química. Sin embargo, así como en esta última las imágenes quedan grabadas sobre una película fotosensible y se revelan posteriormente mediante un proceso químico, en la fotografía digital las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles, las cuales aprovechan el efecto fotoeléctrico para convertir la luz en una señal eléctrica, la cual es digitalizada y almacenada en una memoria.







La ventaja de este sistema es que las fotos se obtienen al instante, lo que permite hacer cambios en ese mismo momento, facilitando la toma fotográfica. Las cámaras digitales profesionales tienen la opción de personalizar diferentes tipos de usuario, permitiendo ajustar características importantes de la imagen como la saturación, el contraste, la nitidez y el tono de color. Además permiten un manejo personalizado del balance del blancos, lo cual puede variar notablemente la gama cromática y también permiten capturar imágenes en blanco y negro, sepia, con filtros, etc. El control fácil y rápido de la sensibilidad ISO ayuda a resolver los problemas de falta o exceso de luz.

La fotografía digital tiene múltiples usos, desde publicidad, efectos especiales para televisión o cine, así como para la creación de arte, como en el caso del artista chino Maleonn, que a través de la manipulación de la foto digital crea excelentes obras de arte.
Este proyecto se llama The shadow is my lover, the heart is the enemy
Shanghái Orphans, Maleonn, usa la máscara de  El grito de Munch, y retrata en blanco y negro diversos aspectos de Shanghai, no el que se ve en la ultra modernidad, un Shanghai de soledad, de ausencia de afectos


http://www.bing.com/images/search?q=fotograf%c3%ada+digital&qpvt=fotograf%c3%ada+digital&qpvt=fotograf%c3%ada+digital&FORM=IGRE



Doris Salcedo: el dolor de las muertes anónimas de la violencia

El museo de Arte Contemporáneo de Chicago ha montado una exposición retrospectiva sobre el trabajo de Doris Salcedo, una obra que le da voz a los muertos anónimos de la violencia en Colombia, las mujeres desaparecidos, los campesinos que nadie ve. Posiciona mesas como tumbas sobre las que crecen plantas vivas que se alimentan de cadáveres.
Son objetos que sugieren la presencia ausente de quien ya no está.
La exposición cuenta con objetos originales, piezas originales, fotografías y montajes de los artículos.





Marina Abramovic, la imagen del performance

La galería Cromos, presenta en su espacio digital imágenes y fotografías del registro realizado de los performances de la artista Marina Abramovic brindadas por el Museo de Arte Moderno.







Dante Busqets - Sateluco
Dante Busquets (ciudad de México, 1969) inició sus estudios en fotografía en la Escuela Activa de Fotografía de la cuidad de México y participó activamente en numerosos talleres. Asimismo complementó su formación con estudios de arte en el San Francisco Art Institute.

Ha participado en diversas exposiciones colectivas en México, Estados Unidos, España, Alemania, Austria, Reino Unido, Italia y China. Entre éstas destacan: 45 miradas mexicanas y Citámbulos:Un viaje a través del espejo. Participó en la VI, VIII, X y XII Bienal de Fotografía de México. De manera individual presentó Citadino,-na; West side Kansas Street Gang y Dante Busquets. También ha realizado foto fija para cine y fotografía publicitaria.

Su proyecto SATELUCO fue premiado en el XII Bienal de Fotografia 2006.

Ciudad Satélite y el universo entero que existe al norte del Toreo de Cuatro Caminos significaron, durante gran parte de mi vida, algo despreciable. No obstante mi desdén, de 1979 a 1989 – entre los 10 y los 20 años- formé parte de los común y peyorativamente conocidos como satelucos.

Llegué siendo niño, sacudido por los terremotos del divorcio. Caí de golpe y contra mi voluntad en un mundo extrañamente fabricado, intimidatorio y, además, lejos de todo. Saberme local me provocaba una desafortunada sensación, semejante a la producida al llamarle "ma" a quien no lo era. Para sobrevivir tuve que pretender, presentarme como otro: como cuando alguien dedica el rincón más espacial de su casa a una planta de plástico Made in China.

El tiempo, las personas y los espacios transitados gentilmente me abrieron un panorama más allá del prejuicio inicial, influenciándome profundamente. Hoy regreso al Estado de México, estado mental, a reencontrarme con lo que soy.


Sateluco –orgullosamente- no es un término peyorativo en mi proyecto. Es la búsqueda para definir, revisar y reafirmar muchas cosas: la identidad, la familia y amistad, e incluso el esmero por capturar imágenes. Es un recorrido por los lugares y sensaciones de la adolescencia para seguir caminando hacia el futuro.








Stephen Shore - Pionero del Color

Stephen Shore (1947- ), fotografo estadounidense conocido por sus inexpresivas imágenes y escenas banales y como pionero en el uso de la fotografía en color. Shore estuvo interesado en al fotografía desde muy joven. Autodidacta y joven precoz, empezo a usar una cámara de 35mm a los nueve años para tomar sus primeras fotografías en color.  Frecuentaba la Fábrica de Andy Warhol cuando era apenas un adolescente. A los 24 años tuvo su primera exposición en solitario en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Stephen Shore sigue siendo uno de los fotógrafos pioneros que exploraron las posibilidades conceptuales y estéticas de la fotografía que todavía impregnan el arte reciente.

"A principios de 1970 Stephen encontró que el color “agregaba una capa de información. ¿Por qué esta habitación está pintada de este color? ¿Qué significa?” Shore se dio cuenta que así como las veneradas geometrías y formas en las fotografías de Cartier-Bresson eran una parte crucial de la gramática de la imagen, el color también tenía una función, agregaba una capa adicional de significado. En otras palabras, el color podía ser tan importante como la forma o el volumen.

Para Stephen “El color amplía la paleta de una fotografía y añade a la imagen un nuevo nivel de información descriptiva y transparencia. Una fotografía en color es más transparente porque quien la contempla se detiene menos en la superficie. Y es que las personas estamos acostumbradas a ver el mundo en color. Posee además un nivel descriptivo adicional, porque muestra el color de la luz y los tonos de una cultura o una época.”

Shore comenzó a utilizar películas a color en 1971 en paralelo que William Eggleston, Luigi Ghirri y Joel Meyerowitz. El imaginario popular estadounidense estaba plagado de color: “…fotografías instantáneas, películas, revista, postales y la televisión, todo en color. Lo único que había en blanco y negro en aquellos tiempos era lo publicado en los periódicos, que tenía que ver más con razones económicas que estéticas.”

“Nosotros no inventamos color. El color ya estaba por ahí desde hacía un buen tiempo – todas las revistas y fotografía comercial estaban a color. Edward Weston había fotografiado en color, Kertész también había experimentado con el color.  Habíamos pasado un buen tiempo tratando de averiguar cómo hacer una fotografía visualmente coherente en color pero que no se tratara únicamente de ser a color; la idea era que el color se integrase a los demás aspectos de la fotografía.”

Y abunda sobre la aceptación del color en el posmodernismo: “Algunas personas en la década de 1980 creyeron que el color salió de la nada, pero artistas como Jeff Wall y Richard Prince habían hecho referencia a nuestro trabajo de la década de 1970 y mencionar la influencia que tuvimos sobre ellos. Los artistas siempre supieron de dónde venían sus raíces, y el mundo del arte redescubrió esas raíces.” (por Oscar Colorado, “Stephen Shore, de la Superficie a las Profundidades”, www.oscarenfotos.com)














Robert Adams - Fotografo del oeste estadounidense

“Tu propia fotografía nunca es suficiente. Cada fotógrafo que ha perdurado ha dependido de las imágenes de otros también, fotógrafos que puede ser publicas o privadas, serias o divertidas pero que llevan consigo un recuerdo de colectividad.”

Robert Adams (1937- ), fotógrafo estadounidense, era profesor universitario en California cuando comenzó a trabajar como escritor y fotógrafo independiente.  En 1970 regreso a su tierra natal en Colorado y se dedico a fotografiar los cambios que el desarrollo urbanista creaba en su entorno. 

Con un trabajo fotográfico austero y directo pero lleno de matices y dotado de una fuerte potencialidad expresiva, Adams se ha convertido en uno de los cronistas más lúcidos de los profundos cambios que ha experimentado el paisaje del oeste norteamericano en las últimas décadas. Sus imágenes en blanco y negro de carreteras que se pierden en el horizonte, bosques deforestados o complejos residenciales y comerciales por los que deambulan figuras solitarias, documentan y denuncian el enorme impacto (tanto desde un punto de vista medioambiental como social y cultural) que el desarrollo urbanístico y la explotación intensiva de los recursos naturales ha tenido en este territorio.

Adams retrata este proceso de transformación de forma aséptica y distante, evitando el subrayado dramático, el juicio explícito. Y a partir de esa mirada aparentemente neutra plantea una reflexión crítica en torno a cuestiones como la relación, siempre conflictiva, entre civilización y naturaleza o la pérdida del vínculo con el territorio en las sociedades contemporáneas. Su obra, no obstante, contiene una cierta dimensión esperanzadora: en ella hay una incesante búsqueda de la belleza y el equilibrio, un esfuerzo por encontrar, incluso en los paisajes más alterados, destellos de vida, señales de que la (re)conciliación entre el ser humano y su entorno sigue siendo posible.