Divergencias y confluencias acompañan lo que era un principio general.
Frizot lo decía así: "una toma realizada con una cámara oscura,
mediante la acción de la luz sobre una superficie sensible, cuyo
resultado es una imagen latente, a la cual seguirá un proceso de
revelado de la imagen del que se obtendrá un negativo;
posterioremente, éste es convertido en una prueba positiva a través de
la impresión". Al mismo tiempo una diversidad de caminos van
trazándose de acuerdo a las utilidades del principio anterior como la
metrofotografía, la cronofotografía, etc.
Se me viene a la mente si la subjetividad disfrazada de objetividad de
la que habla Foncuberta no sería una confluencia importante a una de
las utilidades del principio básico, la radiología (rayos X). Donde la
imágen que se muestra no es una "copia" de la realidad, sino una
imágen que sólo es por medio de una visión fotografíca puede ser
interpretada como la representación del estado de un cuerpo por
dentro, aunque al mismo tiempo no lo representa de manera "exacta".
http://www.the-scientist.com/?articles.view/articleNo/30693/title/The-First-X-ray--1895/

Fotografía subacuática

El biólogo, buzo y fotógrafo Juan Barnard se ha interesado por la difusión y la investigación del Acapulco submarino. Su contribución se da a partir de su trabajo como fotógrafo de espacios y elementos que se encuentran debajo del mar. De acuerdo con el fotógrafo, la intención de su trabajo es lograr un mejor cuidado y preservación de los recursos naturales, esto a partir de dar a conocer lo los recursos marinos y costeros. Recientemente publicó y presentó su libro de fotografías titulado Acapulco Submarino, una Mirada Bajo el Mar. El trabajo de Barnard está respaldado por el gobierno de Acapulco y, en este caso, pretende usar la fotografía como una herramienta que de a conocer la parte más desconocida del puerto, fomentar la educación ambiental y despertar conciencias respecto al cuidado de los recursos. 
Golfina. Fotografía digital impresa sobre papel templado 

Catálogo virtual

Luis Alberto Gómez Mata

Hamid Sardar-Afkhami

Después de vivir en Nepal y explorar el Tibet y los Himalayas por más de una década, el fotógrafo Hamid Sardar-Afkhami decidió que viajaría hacia las afueras de Mongolia para documentar tribus nómadas y su forma única para vivir. Sardar estudió los idiomas mongol y tibetano, de hecho recibió su título de doctorado en la Universidad de Harvard, en estudios de Sánscrito y Tibetano; por lo tanto, él parece ser la persona correcta para capturar en fotografías a las personas Dukha.

La importancia de esta tribu nómada radica en que ellos son los últimos pastores de renos en Mongolia. Los Dukha son un antiguo grupo de personas con ascendencia turca que dependen de los renos para su forma de vida, ya que además de la leche y el queso, los renos proporcionan el transporte para la caza (son montados para cazar alces salvajes y jabalíes).
Sin embargo, dicha tribu está desapareciendo rápidamente. Sólo quedan 44 familias, aproximadamente unas 200 o 400 personas.

Sardar no sólo ha capturado en fotografías fascinantes a esta cultura perdida, también realizó una película llamada "The Reindeer people", en donde siguió a una familia en sus migraciones estacionales. Él considera que su viaje es como fotógrafo y como etnógrafo, Las imágenes de pueblos primigenios siempre lo han motivado, porque él observa cierta humanidad en el aspecto de esta lucha por sobrevivir, y con lo cual algo tenemos en común pero el contexto es completamente exótico.
Como fotógrafo, él está en la búsqueda de una composición icónica, queriendo establecer una estricta tipología etnográfica de estas personas. Viendo su propio trabajo, se dio cuenta de que pronto, tenía ya varias diferentes composiciones donde los humanos ya no ocupaban el centro de la imagen; estos retratos formales dieron lugar a paisajes de ensueño, además de mostrar una fase temprana de la conciencia humana emparentada con el espíritu animal.
Según la religión mongol, el alma a veces puede refugiarse en un animal, como por ejemplo un ciervo o un oso; de hecho, sin la compañía del animal, el hombre aparecería perdido. Este misticismo que une al hombre con el animal se convierte en la esencia de lo que el fotógrafo busca en la "oculta Mongolia".
Por otro lado, el fotógrafo no cree en el trabajo hecho con teleobjetivos, ni en fotos tomadas sin permiso, sino que más bien cree en estar "ahí afuera" todo el tiempo que tenga que tomar, porque una vez que te conviertes en parte de alguna de estas familias, se rompen las inhibiciones y es cuando ocurre la magia.
Concluye diciendo que lo que él busca capturar es esa sensación primigenia en las personas primigenias, porque hay algo en sus ojos cuando viven en armonía con la naturaleza y con los animales, y que conecta con el corazón... te recuerda por qué estás vivo.










Fuentes:

Lee JeeYoung


Since 2007,  Lee JeeYoung shoots the invisible. Whereas traditional photography submits extracts of reality to our eyes, the artist offers excerpts from her heart, her memory, or her dreams. Restrained by the inherent limits of the conventional photographic medium, she adds plastic creativity and theatrical performance to it, in order to blow life into her immense needs of expression, and interrogation.

JeeYoung Lee. Treasure Hunt, 2010. Pigment print

For weeks, sometimes months, she creates the fabric of a universe born from her mind within the confines of her 3 x 6 m studio. She does so with infinite minutiae and extraordinary patience, in order to exclude any ulterior photographic alteration. Thus materialised, these worlds turn real and concretise : imagination reverts to the tangible and the photo imagery of such fiction testify as to their reality.  In the midst of each of these sets stands the artist : those self-portraits however are never frontal, since it is never her visual aspect she shows, but rather her quest for an identity, her desires and her frame of mind. Her creations act as a catharsis which allows her to accept social repression and frustrations. The moment required to set the stage gives her time to meditate about the causes of her interior conflicts and hence exorcise them; once experienced, they in turn become portents of hope.

JeeYoung Lee. Nightscape, 2012. Pigment print. 38 x 47 inch



Recipient of multiple artistic awards including the Sovereign Art Prize (2012), JeeYoung Lee is one the the most promising up-and-rising figureheads of the younger Korean artistic world. Following the huge success of her first solo show outside of Korea with OPIOM Gallery in 2014, her work was seen 500 000 times on Reddit in just 2 days and has been featured in the worldwide media from the USA to China (all international editions of the Huffington Post, NBC news, CNN international, France 3 National news, China Daily, etc.).

JeeYoung Lee. Black Birds, 2011. Pigment print . 38 x 47 inch


Imagen vía @themuseumofmodernart

Seeing Through Photographs- curso online impartido por el MoMA

A través de la página web Coursera (especializada en ofrecer cursos online en asociación con diversas instituciones educativas) el Museum Of Modern Art de Nueva York ha lanzado un curso fotográfico online completamente gratis, esto propone una nueva forma de aprendizaje de la mano de una de las mejores instituciones de arte contemporáneo.

El curso Seeing Through Photographs está orientado hacia el análisis de fotografías a partir del material creativo que resguarda el MoMA, el programa en general está enfocado hacia la visualización de imágenes aunado a la comprensión y discusión de lecturas teóricas sobre temas fotográficos.  Se plantea un estudio de la fotografía como una manifestación artística personal que documenta la cotidianidad a partir de historia que se crean en el día a día.  

Sarah Meister, la curadora del departamento de fotografía del museo será la encargada de impartir el curso que inició el 10 de febrero y al que aún pueden inscribirse.

Acerca del curso



La fotografía como testigo del proceso de creación: Dora Maar y el Guernica.



La afamada artista Theodora Markovitch, mejor conocida como Dora Maar ( 1907 - 1977) y por ser una de las relaciones más tormentosas de Picasso, demostró desde temprana edad sus maravillosas aptitudes para la fotografía.   

A los 19 años, impulsada por su espíritu aventurero y la pasión por el arte fotográfico se instaló en París. Se vinculo con artistas del surrealismo como Bresson, Claude Brassaï y con Georges Bataille. 
Tiempo después, Paul Eduard le presentaría a Picasso, con quién mantendría una relación conflictiva llena de destrucción y creación, que opacaria su arte por siempre. Uno de los legados más importantes de la obra de Dora Maar es la secuencia de fotos que tomó mientras se gestaba el GUERNICA. 

Desde la aparición de la fotografía, muchos son los artistas que documentan los procesos de creación de sus obras con fotografías para dar testimonio de su trabajo. Si la intención inicial era atestiguar un trabajo, estas fotografías han servido en épocas posteriores para entender y analizar obras artísticas y poder definir unas pautas de restauración basadas en el trabajo del propio artista. 

Pablo Picasso comenzó a trabajar en los bocetos del Guernica el 1 de mayo de 1937. Dora Maar realizó un registro fotográfico de todo el proceso desde el 11 de mayo hasta el 4 de junio de 1937. Picasso había expresado tiempo antes que "sería interesante fijar fotográficamente no las etapas de una pintura, sino sus metamorfosis" y esto es lo que el lente de Dora precisamente registró. 

Sin embargo, las fotografías del Guernica no pudieron tomarse en las mejores condiciones, debido al gran tamaño del lienzo y a la escasa iluminación del estudio. Para dar más fuerzas a las imágenes, Dora Maar empleó métodos de retoque fotográfico, interrogativos y copias de impresiones.

El Museo Reina Sofía conserva un total de veintiocho fotografías que muestran las diferentes fases de ejecución del cuadro. 























www.museoreinasofía.es/.../reportage-sur.evolution-guernica-reportajes
el documentalislistaaudiovisual.com/.../la fotografía-como-instrumento-de-d...













Shomei Tomatsu (1930-2012)

Tomatsu fue uno de los artístas protesta más influyentes del periodo de la posguerra en Japón y la principal inspiración para el grupo de fotógrafos conocido como Provoke Movement

Inició su carrera como fotoperiodista para después dedicarse a documentar la tragedia y la destrucción tras los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki. De su trabajo sobre estos ataques destaca la imagen Botella Derretida, que presenta la imagen casi surreal de un envase de vidrio deformado debido a las altas temperaturas después de la explosión, que bien podría pasar por un pedazo de carne deshecho. La fotografía,pionera en su estilo, transformó la idea de fotografía en Japón llevándola más allá de un objeto de mera contemplación estética a un espejo de la situación de su país.


                                                    Botella Derretida, 1961, Nagasaki. 
                                                          


Shomei, también retrató la crisis cultural japonesa durante la ocupación estadounidense.  Sus series Protesta Tokio y Eros Tokio , ambas de 1960, sirven como evidencia de los turbulentos cambios que trajo consigo la presencia estadounidense; la rápida dispersión y adopción de la cultura popular americana entre los jóvenes que, a su modo de ver, violaban el código ético y los valores tradicionales de la sociedad japonesa. 

                                                                Coca cola, Tokyo, 1969.



Shomei Tomatsu: Hiroshima y Nagasaki
https://www.youtube.com/watch?v=nwuvlxyLowU

Para conocer más: 
https://www.sfmoma.org/artist/Shomei_Tomatsu
https://www.artsy.net/artist/shomei-tomatsu

Agáchate y mira un poco (Vyacheslav Mishchenko)



Vyacheslav Mishchenko es un artista ucraniano que se ha caracterizado por plasmar la belleza de los insectos de la naturaleza -principalmente los caracoles-. ya que, de acuerdo a sus palabras le han tocado el corazón.

El cree que:
     
"Los caracoles son simplemente extraordinarios no sólo en su forma, sino también en su belleza y comportamiento. Son criaturas mágicas para mí"





Su interés por la fotografía comenzó cuando era pequeño. Su padre era un fotógrafo independiente que trabajaba para los periódicos locales, por lo que el contacto con la misma era una constante en su vida. El gusto por plasmar la naturaleza surgió en él cuando, con su familia, pasaba los fines de semana en el campo admirando toda clase de paisajes y "recolectando champiñones" por lo que "siempre veíamos toda clase de bichos y criaturas”


Este fotógrafo ucraniano plasma un poco de lo que hay a nuestros pies, pero sobre todo, nos muestra un lado romántico de la vida silvestre.















Si quieres conocer más sobre este artista, da click a la imagen.












Noell S. Oszvald

Noell S. Oszvald es una fotógrafa emergente de Budapest que se ha vuelto popular en redes sociales como Flickr por sus autoretratos, lleva poco tiempo dedicándose a la fotografía pero a pesar de ello se ha vuelto sumamente popular. Sus fotografías son siempre en blanco y negro pues ella considera que el color es una distracción para el espectador, en una entrevista con MyModernMet dijo lo siguiente “Yo siento lo mismo acerca de la ropa y otras cuestiones de apariencia, así que me gustaría reducir mis imágenes a las formas, la composición y el contenido".

Sus fotos tienen ligeras alteraciones y ediciones digitales sin embargo son hermosas y melancólicas, cuando se le preguntó si cada foto tenía un significado propio a lo que ella respondió lo siguiente: “Yo no quiero decirle a la gente lo que veo en mis imágenes, solo muestro lo que quiero expresar, pero cada uno es libre de averiguar lo que la imagen lo dice a ellos. Es muy interesante leer los pensamientos diferentes sobre la misma pieza de trabajo”.  Aunado a esto ella afirma que no le gusta agregarle palabras más allá del título.


Noell S. Oszvald, Soul sisters, 2012.  
Noell S. Oszvald, Caught, 2012. 
Para más información de su trabajo aquí.

Traspapelado

Es una exposición que devela el hallazgo fr una obra gráfica, inédita descubierta en el centro de documentación del MAM, son procesos de investigación en 2008.2010 y 2015, en los cuales podemos ver: planos, impresos, libros de artistas, arte correo y más de 300 fotografías  dicho material sobrevivió en el archivo fotográfico de la biblioteca del museo, el cual corresponde en su mayoría a fondos de la revista Artes Visuales que el MAM editó entre 1973 y 1982, o bien copias de prensa para difusión de exposiciones, destacando aquellas copias de obra fotográfica que fueron impresas por sus propios autores.




























Las fotografias que se el MAM presenta, una firmadas otras selladas, son autoría de nombres trascendentes para la historia de la lente mexicana, entre varios menos conocidos y algunos artistas extranjeros. el conjunto incluye imágenes iconicas de sus autores y abarca los géneros de la fotografía, en particular el Fotoensayo y el retrato. sin embargo, podemos encontrar piezas anónimas, también fueron tomadas en cuanta foto de autores desconocidos, según criterios formales o porque al propio acontecer del MAM.

Teniendo por muestrario un amplio de impresiones fotográficas (de época o posteriores, copias, certificados para prensa, foto fija de cine, intervenidas etc.) vale la pena ir a ver dicha exposición, y ver las fotografías que guarda la biblioteca del MAM, que por rareza, origen o características formales se resguardan en el sitio. Esta muestra creo también implica reflexionar sobre el valor documentado /artistico que tiene la fotografía y sobre todo que este como y se presente como patrimonio artístico dentro de las colecciones de cualquier museo.


























Museo de Arte Moderno: Paseo de la reforma y Gandhi s/n bosque de Chapultepec.
Horario Martes a Domingo: 10:15 am a 17:30 pm
Admición $60 entrada gratuita con credencial de Estudiante, Profesor, Domingo entrada libre

Alfred Stieglitz: el legado del maestro que hizo de la fotografía el arte que es hoy...





















La fotografia no ha sido apreciada siempre, como la forma de expresión que es actualmente. de hecho durante mucho tiempo no se le considero arte. Pero en algún momento esa percepción cambio, esto lo vemos reflejado como el esfuerzo que hicieron varios pioneros que decidieron mostrar que su arte merecía estar a un nivel equiparable al de la pintura o la escultura.

Alfred fue uno de esos revolucionarios, quizás el más influyente de todos, y será recordado por haber logrado que la fotografía dejase de ser un ejercicio menor y empezar a ser respetada como una autentica forma de arte. y este es algo de su legado:

Se dice que su primer coqueteo con esta forma de expresión llego cuando tenia 10 u 11 años, con su retratista local, donde la fotografía le había calado tan hondo que decidió dejar sus estudios de mecánica y comenzar su formación en la fotografía.


























Su prestigio em`pieza a consolidarse en la edad de 18 años con su primera cámara, en un viaje a Europa central, no solo recorriendo Alemania, Italia y países bajos, donde aprovecha para retratar a los campesinos con los que se tropezó. Posteriormente el ve la concepción de la fotografía como un arte con una capacidad expresiva equiparable a la de la pintura, la música o escultura. Así que en 1887 escribo su primer articulo para la revista The Amateur Photographer, iniciando así una colaboración habitual con varias revistas de fotografía alemanas e inglesas.
Ademas, ganó varios premios de fotografía en esta publicación, por lo que su nombre empiezo a sonar con cierta fuerza en los artículos fotográficos europeos.

Finalmente, nuestro protagonista se codeó durante toda su juventud con pintores, escultores y otros artistas, lo que probablemente contribuyo a alimentar en él la necesidad de defender la fotografía como una forma de arte. Pero probablemente el hecho más relevante fue la creación de algo medio camino entre una muestra y un club fotográfico, a la que llamo PHOTO SECESION. cuyo objetivo era defender una fotografía muy diferente a la que imperaba en aquel momento.

Para ver el articulo completo entra al siguiente Link:
http://www.xatakafoto.com/fotografos/alfred-stieglitz-el-legado-del-maestro-que-hizo-de-la-fotografia-el-arte-que-es-hoy




Phantasmagoric Show


Magician E. Cambly and spirit ca. 1890

Christian Fechner Collecton



William Henry Fox Talbot


Artículos de China, 1844
Impresión sobre papel salado


Lanzamiento del nuevo Samsung Galaxy S7 Smartphone y – Cámara


Lanzamiento del nuevo Samsung Galaxy S7 Smartphone y – Cámara
AndroidPIT Samsung Galaxy S7 17
Punto fuerte y de los más destacados del nuevo Samsung. La cámara del Galaxy S7 es prometedora e impresionante, o al menos en su primer acercamiento.
Samsung ha bajado de los 16MP a los 12MP pero no hay de qué preocuparse. El nuevo sensor tiene una apertura de f/1.7 y estabilizador. Además, nos encontramos con una tecnología dual-pixel que solo se encuentra en cámaras reflex y que ningún smartphone ha incluido hasta ahora. Esto significa que cada pixel del sensor incluye dos fotodiodos, y todos los fotodiodos de la matriz funcionan para enfocar. Esto es, 24 millones de fotodiodos se centran en enfocar. Para haceros a una idea, solo 120.000 fotodiodos enfocaban en la cámara del S6 y ya daba resultados excepcionales.

Esto significa que el S7 enfoca hasta cuatro veces más rápido en condiciones de poca luz y dos veces más rápido cuando tenemos buena luz que el S6. El S7 promete sacar fotos espectaculares también cuando la luz no nos favorece. Durante el briefing se mostró un S6 y un S7 enfocando una imagen a oscuras, mientras que el S6 tardaba unos microsegundos, el S7 enfocaba de forma instantánea. Habrá que probar su cámara de forma extensa para confirmar sospechas, pero todo parece indicar que podríamos estar ante la mejor cámara en un smartphone hasta la fecha.

La cámara del S7, según Samsung,  ofrece fotos un 95% más brillantes y captura un 56% más de luz que la del S6. 

La cámara frontal tiene una apertura de f/1.7 con 5 megapíxeles.

En cuanto a la interfaz de cámara no hay grandes novedades con respecto al S6, de nuevo tenemos las opciones de siempre y vídeos en 4K, fast motion, slow motion.

 

Samsung Galaxy S7 – Especificaciones técnicas

o   Tipo: Smartphone

o   Fabricante: Samsung

o   Dimensiones: 142,4 x 69,6 x 7,9 mm

o   Peso: 152 gr

o   Tamaño de batería: 3000 mAh

o   Tamaño de pantalla: 5,1 pulgadas

o   Tecnología de pantalla:  AMOLED

o   Pantalla: 2560 x 1440 píxeles (576 ppi)

o   Cámara frontal: 5 megapíxeles

o   Cámara trasera: 12 megapíxeles

o   Flash: LED

o   Versión de Android:  6.0 - Marshmallow

o   Interfaz de usuario: TouchWiz

o   RAM: 4 GB

      • Memoria interna: 32 GB
        64 GB

o   Memoria extraíble: microSD

o   Chipset: Samsung Exynos 8890

o   Número de núcleos: 8

o   Velocidad máxima: 2,3 GHz

o   Conectividad: HSPA, LTE, NFC, Bluetooth 4.2