El Museo del Prado muestra el primer libro de fotografía del arte español

El estudio de la Historia del Arte como disciplina cambió por la introducción de la fotografía. Ahora el Museo del Prado exhibe el primer libro de arte español que se hizo con fotografías de las obras. 

El primer libro de historia del arte publicado en el mundo que se ilustró con fotografías, y que es testimonio de cómo el arte español llegó a ser conocido en Gran Bretaña, es el gran protagonista de la exposición "Copiado por el sol" que abre sus puertas en el Museo del Prado.

En 1848 el hispanista escocés Sir William Stirling Maxwell (1818-1878) publicó con textos suyos tres volúmenes de los Annals of the Artists of Spain, primera historia del arte español desarrollada de forma cronológica. Ese mismo año regaló a sus amigos y colaboradores un cuarto volumen titulado Talbotype Ilustrations, que contenía setenta y ocho reproducciones fotográficas de algunas de las obras estudiadas en los "Annals".

Aunque solo se editaron cincuenta ejemplares, su importancia es grande pues constituye el primer libro de historia del arte publicado en el mundo que se ilustró con fotografías.

De los 50 ejemplares publicados solo se conservan 25, todos ellos con diferentes niveles de degradación, con desvanecimientos perimetrales más o menos acusados en función de factores químicos y ambientales. Por ello su exhibición está sujeta a estrictas condiciones de iluminación, temperatura y humedad.


En la muestra que abre sus puertas mañana en el Prado -organizada en colaboración con el Centro de Estudios Europa Hispánica y el National Media Museum (Bradford, Inglaterra) en el marco de PHotoEspaña- se muestran siete de estos volúmenes, incluido el del Museo del Prado que había pasado totalmente desapercibido en la Biblioteca del museo hasta el año 2000, y otro del Museo del Romanticismo.

Además, se pueden contemplar juntos por primera vez diversos materiales empleados para la elaboración de "Talbotype illustrations", como información sobre los precedentes del proyecto, pruebas de taller de los talbotipos y los modelos a partir de los cuales se tomaron las imágenes, como esculturas, dibujos, grabados, o libros.

La exposición se completa con la publicación de dos volúmenes coeditados por el Museo del Prado y el Centro de Estudios Europa Hispánica, uno con los estudios y el catálogo razonado de las fotografías que componen el libro de Stirling y otro que recrea el facsímil ideal de las "Talbotype illustrations, reconstruido digitalmente.

Copias bajo la luz del sol
José Manuel Matilla, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas del Prado, y Hilary Macartney, de la Universidad de Glasgow, han sido los comisarios del proyecto que permite destacar la importancia de una obra con la que el arte español alcanzó carta de naturaleza fuera de nuestras fronteras al reproducirse obras de artistas españoles de los siglos XVI y XVII, además de Goya.

En total reunía 78 reproducciones fotográficas realizadas bajo la supervisión de Stirling por el fotógrafo Nicolaas Henneman, cuyas pruebas de trabajo del taller se conservan en el National Media Museum de Bradford.

En el montaje de la exposición, los comisarios han querido explicar cómo se hizo el libro. El procedimiento fotográfico empleado fue inventado por William Henry Fox Talbot (1800-77), por lo que los negativos en papel recibieron el nombre de talbotipos.Nicolaas Henneman (1813-98), ayudante de Talbot, fundó un establecimiento en que se produjeron las primeras fotografías realizadas con esta técnica, en la que las tomas se realizaban en exteriores.

Las copias también se realizaban bajo la luz del sol, poniendo en contacto el negativo de papel con el papel emulsionado del positivo. La inestabilidad de esta nueva técnica, basada en la preparación manual de papeles con productos químicos, motivó que ya durante el proceso de obtención de los negativos y las copias se observaran deficiencias que afectaban a su conservación.

Stirling sustituyó los grabados y litografías por fotografías que permitían reproducir las obras de una manera más sencilla, pero la necesidad de fotografiar bajo la luz del sol impedía retratar las piezas que se encontraban en museos e iglesias de España.

Por ello, tuvo que recurrir a grabados y litografías que reproducían las obras de arte y en otras ocasiones contrató a artistas para que realizasen copias al óleo o acuarela de obras que le interesaban y no habían sido reproducidas. La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 4 de septiembre.

Guda Koster

Con sus instalaciones, esculturas y fotografías, la artista holandesa Guda Koster transforma el cuerpo humano y le da una nueva identidad a sus personajes o a sí misma, usando la ropa como la principal forma de arte visual, patrones y colores para crear historias surrealistas. Es el atuendo lo que define la vida diaria, nuestra posición social, la interacción con otros y como nos vemos a nosotros mismos. Frecuentemente exagerada, con toques de humor, la realidad es distorsionada o, mejor dicho, ingeniosamente organizada en códigos y significados que podemos descifrar al enfocarnos en el escenario o en las telas que la misma artista suele coser.

La ilusión y contraste entre lo que es visible y lo que es invisible es también algo con lo que a Guda Koster le gusta jugar. La imposibilidad de ver el rostro de los sujetos, cubiertos con pequeñas casas, formas geométricas o ciertas cargas de naturaleza social o religiosa, borra los límites entre el hombre y su contexto, aumenta el misterio y el apetito de aprender más, ofreciéndole a la obra un valor universal.




Cámara Endoscópica, una valiosa herramienta en la detección de enfermedades.

FOTOGRAFÍA ENDOSCÓPICA

Los usos de la fotografía, además de documentar y expresar son múltiples. Si bien se han explorado el paisaje y el retrato, la historia y la vida misma, la ciencia no es la excepción para las capacidades de la fotografía. En este caso hablaré de la aportación de la técnica fotográfica a la medicina.

La cápsula endoscópica es una cámara fotográfica con el tamaño y forma de las usadas en la farmacología. Este dispositivo se está promoviendo como alternativa a una endoscopía tradicional y está llamada a convertirse en una herramienta muy valiosa para los gastroenterólogos, pudiendo ayudar a la detección del cáncer, úlceras y otros tipos de padecimientos internos del organismo.

Joussepe Martínez es el creador de la cápsula M2A Swallowable Imagin Capsule y MagnaChip. Transmiten dos imágenes por segundo durante sus 6 horas de viaje.

Estas cámaras son capaces de captar imágenes con un ángulo de 180 grados. Dispone de cable de fibra óptica, cuya misión es iluminar el entorno del recorrido que realiza la cámara, a la vez que transmite las imágenes, mismas que son transmitidas a una computadora por medio de un software especial.




Steven Sasson, el inventor de la cámara fotográfica digital.


Steven Sasson, el inventor de la cámara fotográfica digital.

Ingeniero eléctrico de profesión, se unió a la compañía Eastman Kodak, en 1973, en una investigación aplicada de laboratorio. Es en 1975 cuando su entonces jefe en esta compañía, le asignó una tarea muy general ¿se podría construir una cámara usando un sistema electrónico de estado sólido, un sensor electrónico que recogiera la información del ojo? Es así como surge la primera cámara digital. Mientras Texas Instruments Inc, había diseña  diseñado en 1972 una cámara electrónica  sin película, como un sistema electrónico analógico. Despues de estudiar todo esto, Sasson recurrió  a un conversor de analógico a digital adaptado de componentes de Motorola, una óptica de una cámara de cine de Kodak entre otras pequeñas piezas. Se dispuso a construir el circuito digital desde cero, usando las mediciones de un osciloscopio como guía. No hubo imágenes hasta que logró un prototipo completo (un aparato de 3.6 kgs y del tamaño de una tostadora).  En diciembre de 1975, Sasson y su técnico persuadieron a un asistente de laboratorio para que posara para ellos. La imagen en blanco y negro, capturada con una resolución de 0.01 megapíxeles (10,000 píxeles) se tardó 23 segundos en grabar en un cassette digital y otros 23 en reproducirse desde una unidad de lectura en un televisor. Es ahí cuando apareció en pantalla.

En 1978, a Sasson y Lloyd se les otorgó la patente no. 4.131.919 de los Estados Unidos, por su cámara digital. Kodak no comercializó esta tecnología hasta 1991.

El prototitpo de la primer cámara digital.

Steven Sasson

Retratos impresos en 3D. El futuro de la fotografía?


Su retrato en una escultura.

Preséntese en el estudio, no se mueva, deje que un escaner recorra su cuerpo y espere el resultado. La impresionante tecnología actual permite que  usted reciba una pequeña escultura o mini figurín exacto y a escala de su persona. 

Un escáner 3D es el que logra captar la forma, color, textura y expresión del modelo para ser después reproducido en una impresión 3D. Este escáner consiste en un artefacto multi-cámaras, cuyo principio es el de la fotogrametría. Esta es la ciencia de hacer mediciones de fotografías, especialmente para registrar las posiciones exactas de los puntos de una superficie, además de los recorridos y movimientos localizados en cualquier objeto que se mueve. La fotogrametría puede detectar movimiento de imágenes 2D y movimientos 3D. Con esto se hace un análisis de imagen y se procesa en modelos computarizados, para tener un prototipo muy aproximado al modelo original. El proceso de post-producción es muy importante pues le da "vida" al figurín acercándose casi en exactitud al modelo humano.

Es curioso como el procedimiento aunque es muy innovador, es muy similar a las antiguas prácticas fotográficas de retrato. Se necesita asistir a un estudio especializado, posar sin moverse y esperar a que el fotógrafo haga su trabajo, esperar el tiempo pertinente y recibir la impresión. 

Hay empresas en todo el mundo que ya ofrecen este producto. 
Ver página web: http://www.twinkind.com/en/procedure#3dscanning


Fotografías; Twinkind. 


Klaus Thymann


Klaus Thymann juega dos vidas, una como fotógrafo comercial y la otra como documentalista. Esto le ha permitido crear campañas publicitarias para marcas mundiales como Nike, Levi’s y Lenovo, por nombrar algunas. Pero su lado documental le ha permitido hacer varios proyectos en todo el mundo. Su gran proyecto es crear un atlas fotográfico que documente los glaciares del mundo y su deterioro debido al cambio climático, para lo que está buscando un grado en Ciencias Ambientales.

Este proyecto se llama Project Pressure, un archivo del glaciar. En muy poco tiempo, este proyecto a recabado grandes cantidades de dinero. Tiene el apoyo de prestigiosos cuerpos científicos incluído el World Glacier Monitoring Service y la NASA. En 2011 el proyecto fue reconocido como un contribuidor  al GTN-G (Global Terrestrial Network for Glaciers). Ha creado conciencia y el interés de otros beneficiarios del proyecto como la Reina de Dinamarca y el Arts Council de Inglaterra. Su devoción y pasión por este proyecto lo ha llevado a ser transmitido por BBC, CNN, Forbes, Wall Street Journal, New York Times, National Geographic, entre otras muchas marcas y publicaciones.

Fuente: http://www.klausthymann.com/curriculum




Csilla Klenyánszki


El trabajo de Csilla Klenyánszki es una síntesis única entre la fantasía y la lógica, su acercamiento a los objetos es como el de un niño, sin prejuicios, con los ojos completamente abiertos. Todo se trata de buscar las posibilidades ocultas relacionadas con la forma y función. Su trabajo se relaciona con los objetos comunes a través de la investigación de sus potenciales inusuales. Con técnicas simples y mucha paciencia la artista cuidadosamente estructura historias de la mano de las imágenes. Su trabajo juega con las fronteras de la falta de sentido, algo que puede parecer tonto al principio, siempre encuentra su lugar correcto en el final.


Black and white/Rock and Roll

Hedi Slimane es un fotógrafo y diseñador franco-tunesino (París, 1968) que ha enfocado su obra a retratar el glamour del Rock n' roll. En una especie de diario fotográfico en blanco y negro, Slimane muestra la vida en los conciertos, backstages y fiestas de la escena, apelando al retrato, foto cándida y object trouvé. Dentro de sus imágenes se devela una fuerte influencia de Larry Clark y Robert Frank, pero al contrario de éstos, enaltece al american way of life mediante una estética muy pulcra y preciosista.










Fenómeno entópico


William Hundley es un artista norteamericano que vive y trabaja en Austin, Texas. Una de sus series fotográficas más famosas es Entopic Phenomena. Un conjunto de fotografías que fueron creadas a partir de la acción de introducir personas dentro de telas y pedirles que saltaran. La imagen es capturada en el momento del salto lo que produce que la tela parezca suspendida en el aire y no se sospeche que hay alguna persona detrás. La serie es en cierto sentido surreal y en algunas ocasiones se puede distinguir en las imágenes la forma de un cuerpo congelado.

Puedes consultar otros proyectos fotográficos del artista aquí: :)




Josef Sudek. Le monde à ma fenête


El próximo 7 de junio, la galería parisina Jeu de Paume inaugurará una exposición retrospectiva del fotógrafo Josef Sudek (República Checa, 1896). La línea de la exhibición pretende enlazar la producción del artista con el entorno social e histórico de Praga durante la primera mitad del siglo XX, destacando la importancia artística de la ciudad en dicha época.

La exposición consta de 130 piezas y abarca toda la trayectoria de Sudek (1920-1976). Pretende mostrar al público su fotografía como una extensión de su relación con el mundo. En los núcleos de exhibición encontraremos sus experimentos realizados en el interior de su estudio, tomas del jardín realizadas desde su ventana y sus aventuras como fotógrafo. Este proyecto resalta el interés del artista por el binomio de luz y oscuridad reflejado en su visión de la naturaleza, la arquitectura, las calles de Praga y los objetos. Asimismo busca mostrar el manejo de la impresión y cómo ésta potencializa la expresividad de la imagen. La materialidad de su trabajo se encuentra relacionado con la experimentación y creación pigmentos de impresión.

Otro de los enfoques que muestra la exposición, es la melancolía derivada de la Primera y la Segunda Guerra Mundial y la pérdida del brazo. En esta selección podremos observar las transformaciones que sufrió la producción de Sudek, elementos como el movimiento y la oscuridad son referentes de esta etapa. El objetivo principal de dicha exposición es mostrar al público una narrativa visual de su vida, hacerlos parte de su intimidad mediante la visión de sus espacios, su estudio, su jardín, los bosques de la Bohemia y por supuesto, Praga.










http://www.jeudepaume.org/index.php?page=article&idArt=2503

Hans Silvester

Nació en Lörrach y fue durante su adolescencia que se inició en la fotografía. Uno de sus trabajos más reconocidos es el que realizo en Etiopía con las tribus cercanas al río Omo, durante los ochenta se declara militante medioambientalista y realiza reportajes de denuncia sobre la deforestación del Amazonas, la situación de los parques naturales en Europa y el "asesinato" (así lo considera él) del afluente Ródano en América del Norte.


En la serie que realiza en Etiopía retrata a las tribus Surma y Mursi y su tradición de decoración temporal del cuerpo con pigmentos y pinturas. Estas tribus utilizaban pigmentos minerales para decorar la piel, así como elementos de la flora y fauna para hacer tocados, indumentaria y "joyería" para vestir el cuerpo. Lo que este fotógrafo pretendía al realizar esta serie era capturar lo contingente de las obras de arte "viviente" como él lo llama ya que esta tradición es efímera, sin embargo debe de ser recordada para al mismo tiempo pueda ser preservada.



Si quieres saber más del artista da click aquí.

Annie Leibovitz en México

Del 8 al 31 de Julio llega a México la exposición Women: New Portraits de Annie Leibovitz. La exposición estará conformada por su obra más reciente, los retratos serán de mujeres destacadas en el arte, la música, la política y los negocios como Adele, Amy Schumer o Misty Copeland.


La serie Women inicio en 1999 con una seri de retratos de mujeres de diferentes profesiones, estas fotografías fueron publicadas en un libro homónimo y en una exposición. Estas fotos fueron un ejercicio de representación para darle una mirada al papel que tenía la mujer dentro del ámbito profesional en el mundo contemporáneo. Pasaron 15 años después de este ejercicio y la institución financiera UBS le ofreció la comisión de continuar el trabajo, así surgió Women: New Portraits, es gracias a UBS México que esta artista vendrá a nuestro país.


El propio Damien Fraiser (director de UBS México) comentó sobre la artista: "Annie Leibovitz es de las mejores figuras creativas y estamos encantados de traer a la Ciudad de México esta exposición de fotografías recién patrocinadas, que celebran mujeres".


Si quieres saber más de la artista da click aquí.

Charla de psicoanálisis y arte

Mesas de diálogo en torno a la fotografía "Detrás de la Estación de Saint-Lazare", París, Francia, 1932, de Cartier-Bresson.

Invitados:
Dr. Salvador Rocha
Mauricio González
Evodio Escalante

Bob whitaker (fotógrafo de los Beatles)

Bob Whitaker (Reino Unido, 1939),  fue fotógrafo de cámara de los Beatles entre agosto de 1964 y noviembre de 1966. Inglés emigrado a Australia, allí le descubrió el mánager del grupo, Brian Epstein, muy sensible a la calidad del trabajo visual. Epstein le propuso unirse a su empresa, NEMS; tras hacerse querer, Bob se trasladó a Londres. El puesto tenía sus riesgos: su predecesor, Robert Freeman, se largó al descubrir que John Lennon y su esposa habían tenido una relación, revelada elípticamente enComo director artístico de NEMS, Whitaker debía atender a una abundante escudería de conjuntos y solistas. Pero todo quedaba aparcado cuando los Beatles salían de gira o requerían una nueva sesión de estudio. Y ellos eran caprichosos: su diseño para Revolver perdió la partida ante el collage que realizó Klaus Voorman, camarada del grupo desde los días de Hamburgo.
Hasta 1967, Capitol Records, editora de los Beatles en Estados Unidos, troceaba los elepés británicos, quitando cortes y añadiendo canciones aparecidas en discos pequeños; así multiplicaban los álbumes. Naturalmente, los Beatles detestaban esa práctica. Cuando se solicitaron nuevas fotos para la portada de Yesterday and today, otra recopilación exclusiva para EE UU, ellos decidieron provocar a Capitol. Al menos, esa fue la explicación posterior de Lennon, que incluso desarrolló una lectura política: aparecían con batas de carniceros, muñecas desmembradas y trozos de cerdo, como protesta contra la barbarie de la guerra de Vietnam.
Aunque íntimo de Lennon, Whitaker desmontó esa teoría: la foto encajaba en una serie marcadamente surrealista, no destinada específicamente para Capitol. De hecho, se usó en Inglaterra para promocionar un lanzamiento anterior, el singlede Paperback writer.
Bob Whitaker en una fotografía que imita a una que él tomó de John Lennon














La portada de "The butcher" 

Jack Davison, el fotógrafo autodidacta

Es interesante pensar en los aparatos que legitiman a un hacedor como artista. En este caso hablo del artista Jack Davison, quien sin haber estudiado profesionalmente, hoy en día se expone en un museo en Ámsterdam. La liga de su trabajo es la siguiente: http://www.jackdavison.co.uk/. Paso una nota sobre esto.

Desde los 15 años, el inglés Jack Davison (Essex, 1990) anda con la cámara a cuestas. Nunca ha recibido formación académica en fotografía —se licenció en Literatura—, pero la práctica constante le lleva a mostrar su obra por primera vez en un museo a los 25 años. La antología Revisiting Pictures (Revisando fotos) se celebra, hasta el 5 de junio en la reputada pinacoteca fotográfica FOAM de Ámsterdam. 
 Las fotos del joven autodidacta Jack Davison Fruto de su tiempo, Davison muestra un estilo que, quizá también por la juventud del personaje, adolece de una cantidad demasiado holgada de referencias inevitables y de manual. Él mismo cita como inspiración las obras de August Sander, Richard Avedon, Ernst Hass, Saul Leiter, Irving Penn, Edward Weston e incluso Salvador Dalí. Para añadir "divergencia" a la ya saturada mirada, se confiesa admirador del estilo consumible e instantáneo de las redes sociales fotográficas basadas en el ahora mismo, sobre todo Flickr e Instagram. 
Esteticismo antes que humanidad 
Desde el museo de Ámsterdam resaltan de "pasión por la historia de la fotografía" del joven como responsable de la "amplia gama de géneros, estilos y técnicas" que emplea. En la exposición hay retratos con aire clásico, imágenes con intención experimental, fotografía de moda y algunas tomas callejeras en las que el esteticismo se antepone a la humanidad. Nacido y criado en una zona rural, Davison no tenía otra en sus inicios que retratar a su familia y amigos. "Vivía en el campo y mi principal acceso para ver fotos era Internet. Así empecé a tropezarme con imágenes que tocaban mi fibra sensible", comenta en unas declaraciones distribuidas por el FOAM. 
'Sin presión ni reglas' 
La falta de educación formal en fotografía no es en este caso un hándicap, porque permitió al inglés ganar "el tiempo y el espacio necesarios para tomar fotos sin la presión y las reglas que suelen venir añadidas a los estudios de Arte". Es la base, añaden, de una obra "llena de investigación y juego", en la que combina modelos de cámaras, formatos y estilos. La verdad, emoción y belleza de las fotos descartadas Su última serie, 26 States (26 estados), es una narración documental de un largo viaje por los EE UU. Durante el trayecto, Davison también recopiló fotos encontradas en ventas ambulantes, mercadillos y tiendas de segunda mano. "Hay un componente alto de verdad, emoción y belleza en las imágenes que las familias descartan y terminan apiladas frente a ti", explica. 
Reglas de las comunidades sociales 
Esta afición por el pasado sirve a los organizadores de la muestra para explicar cómo el fotógrafo inglés "se mueve entre el pasado y el presente de la fotografía", centre los grandes maestros a los que admira y la propensión a seguir las reglas de juego explosivas y tóxicas de las comunidades sociales, donde lo único que parece importar es lo inmediato en una "corriente sin fin de la conciencia visual". 


Ver más en: http://www.20minutos.es/noticia/2756285/0/jack-davison/fotografia/autodidacta-exposicion/#xtor=AD-15&xts=467263

Martin Parr

Fotógrafo inglés que nació en 1952. Pertenece a la agencia Magnum. Se ha dedicado a la documentación social y sus temas se relacionan con lo irónico y con el sentido del humor. http://www.martinparr.com/introduction/


La renovación de la fotografía española

El Museo Reina Sofía (Madrid) acoge la muestra colectiva 'Humanismo y subjetividad en la fotografía española de los años 50 y 60. El caso Afal', organizada en el marco del festival PHotoEspaña 2016, que reúne un conjunto de más de 70 fotografías y abundante material documental que retratan la transformación que experimentó la fotografía española durante aquella época, inspirándose en las tendencias del documental neorrealista y el reportaje humanista que se desarrollaban fuera del país. Este relato de la internacionalización de los fotógrafos españoles centra especialmente su mirada en los aglutinados alrededor del grupo Afal.

Tras una dura posguerra marcada por la escasez, el exilio, la represión y la propaganda, al inicio de los años cincuenta comenzó a activarse en España una fotografía conectada con tendencias internacionales que llegaron al país con no pocas dificultades a través del cine, escasas exposiciones, libros, revistas y algunos viajes.

Esta nueva fotografía trasnacional y vinculada con las problemáticas que se sucedían fuera de España tuvo sus principales focos de actividad en Almería, Barcelona y Madrid. Se constituyó a través de prácticas individuales que compartían una apuesta por la renovación y experimentación del lenguaje fotográfico. Los fotógrafos del momento, lejos de interesarse por crear arte o transformar políticamente la sociedad, buscaban retratar lo cotidiano y la vida de la gente común en la compleja realidad social de los años centrales del franquismo.

Con el retrato como uno de los géneros más practicados, la renovación vino de la mano de agrupaciones como la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, que tuvo al grupo La Palangana como impulsor decisivo. Creado en 1959, estuvo formado por Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Ramón Masats, Francisco Ontañón, Joaquín Rubio Camín, Juan Dolcet, Fernando Gordillo, Gerardo Vielba y Sigfrido de Guzmán.

La muestra del Reina Sofía recoge en la Sala 415 el 11 fotógrafos españoles a París, un proyecto organizado en 1962 por Comissariat Génèral du Turisme del Estado francés en Barcelona con la intención de promocionar el turismo español hacia Francia.

En Afal (Agrupación Fotográfica Almeriense) se dio cita un grupo variado de profesionales que compartían un interés por la función social del fotógrafo y su implicación en la realidad de su tiempo. El ideal de todos ellos fue expresar mediante procedimientos sencillos y directos sus inquietudes estéticas, lejos de estereotipos heredados de la pintura.

Sus miembros estribaban desde los amateurs, como Cualladó, Francisco Gómez, Joan Colom y Ricard Terré, a los que iniciaban su carrera profesional en la fotografía, como Alberto Schommer, Xavier Miserachs, Ramón Masats, Oriol Maspons, Julio Urbiña, Francisco Ontañón, Jesús Aguirre y Joan Cubaró.

No existía un “estilo Afal” que uniera a sus miembros. Su nexo era el intercambio y confrontación de propuestas, que podían resultar tanto del acuerdo como de la disensión. La revista que publicaron, con 36 números entre 1956 y 1963, dejó constancia de los valores de la nueva tendencia fotográfica que introdujo Afal.

Gracias a la reciente donación por parte de Carlos Pérez Siquier, cofundador de la revista Afal, el Reina Sofía puede profundizar en esta muestra en la agrupación almeriense como caso de estudio. Por otro lado, y gracias también a una donación por parte de sus herederos, se destaca la figura de Leonardo Cantero y su participación en la muestra que promocionaba la ciudad parisina como destino turístico.


Obtenido de http://www.hoyesarte.com/evento/2016/05/la-renovacion-de-la-fotografia-espanola-de-los-50-y-60/

Ver más en: http://www.hoyesarte.com/evento/2016/05/la-renovacion-de-la-fotografia-espanola-de-los-50-y-60/#sthash.b7sXZ7Th.dpuf

"El objeto afilado" entrevista de Joan Fontcuberta

Aquí una entrevista de Joan Fontcuberta, bastante interesante titulada "El objetivo afilado" (:



http://elpaissemanal.elpais.com/documentos/joan-fontcuberta/


¡La belleza está en la calle!


"La beauté est dans la rue"

Durante los últimos años de la década de los sesenta, alrededor del mundo se gestaron diversos movimientos. Sin duda los más importantes, por su poder de convocatoria y discurso, fueron los estudiantiles. Uno de los epicentros de estas sublevaciones fue París. Durante el verano de 1968, las calles de  dicha ciudad se convirtieron en trincheras en donde la juventud francesa libraba duros enfrentamientos con la policía parisina. Dicha situación incitó a sacar las cámaras de los fotógrafos y periodistas a las calles para capturar aquellas batallas campales, aquellas olas de jóvenes que buscaban defender los ideales de toda una generación.

Uno de los trabajos más sobresalientes fue sin duda el de Claude Dityvon (Francia, 1937) que con los encuadres e instantaneidad de sus imágenes dio una nueva mirada al fotoperiodismo de la década de los setenta. Desde sus inicios, Dityvon fue un fotógrafo comprometido con la cuestión social, sus primeras series mostraban la vida en los barrios bajos de Courneuve en París. Sus series del Mai 68 lo hicieron acreedor del Premio Niepce de 1970. Sus influencias más presentes fueron Henri Cartier-Bresson con su instante decisivo, Peter Walker Evans y Robert Frank. Dichas referencias se develan en su forma de capturar la realidad mediante el instante congelado. 

Su curiosidad por el proceso de transformación que sufrió la sociedad francesa durante los sesenta, perpetuaron su interés por la cuestiones humanas, por lo cual en sus trabajos posteriores podemos apreciar cuestiones como la vivienda, los campesinos, la noche, la ciudad y las cuestiones laborales. A continuación muestro las obras con las que se consolidó en el ámbito fotográfico.










http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/03/claude-dityvon.html 

Varda, Cuba!

Agnès Varda (Bélgica,  1928) es una directora de cine y fotógrafa cuyos proyectos tienen un enfoque realista y social. Es considerada la precursora de la Nouvelle Vague. Estudió Historia del Arte en la École du Louvre en París, sin embargo, mediante la fotografía, se desempeñó más en la producción que en la teoría del arte. El interés por el cine surgió de la necesidad de documentar, encontrando en esta disciplina los elementos para expresar mejor sus intereses.

A pesar de dedicarse en concreto al cine, Varda, nunca abandonó la fotografía. En diciembre del 2015, el Centre Pompidou, en París, inauguró un exposición con un proyecto hasta ese momento desconocido, en el cual se muestran las fotografías hechas por la artista durante el rodaje de su película Salut les Cubains en La Habana en el año de 1963. En dicha serie podemos apreciar imágenes que develan los primeros años del régimen comunista. Haciendo énfasis en los momentos cotidianos de los caribeños y en las particularidades de la isla.








https://www.centrepompidou.fr/cpv/resource/cdy94qn/rXydeKr
https://www.theguardian.com/artanddesign/2015/dec/10/agnes-varda-photographs-cuba-salut-les-cubains#img-


Fotografías cortesía: The Guardian.

Patricio Contreras (Chile)

Patricio Contreras-fotografía y pintura.

Patricio Contreras es un artista plástico independiente, originario  de Chile,  entre su obra podemos ver pintura figurativa y abstracta, además de fotografía. En su trabajo fotográfico hace uso de recursos pictóricos y luminosos. Esta es una mezcla de medios muy interesante que me gustaría destacar. Por ejemplo podemos ver fotografías de figura humana desnuda, con proyecciones lumínicas de colores que en este caso actúan como un body Paint, aunque los colores usados son colores luz, en vez de colores pigmento.  Juega además con ilusiones ópticas como el caleidoscopio, para fotografiar, y el resultado estético es muy interesante.

El cuerpo es el lienzo, la luz el color y la fotografía el documento que sustenta la producción o momento artístico.  La posmodernidad se caracteriza por estos resultados eclécticos o multimedia. El recurso digital es también usado como resultado de este discurso.







Mark Lovejoy


Mark Lovejoy

El artista Texano Mark Lovejoy produce un arte muy interesante, a primera vista, sus fotografías parecen imágenes digitales, o podrían también ser las imágenes de paletas de gruesas capas de pintura. La obra de este artista, de hecho es una mezcla de ambas: fotografías de pinturas, ceras y resinas, toma tras toma, manipuladas y retocadas hasta que logran una forma estética, pero respetando su ambiguo inicio.

El artista dice: “Estas no son fotografías de pinturas, estas no existen. Estas imágenes son como si fueran de cualquier calle o atardecer, pigmentos iluminados, solventes, resinas, óleos, ceras, etc, que dependiendo de la mezcla, tienen diferentes viscosidades, texturas y reflejos. Todas las imágenes están hechas usando CMYK, blanco y en algunos casos colores metálicos como plata y oro. El proyecto fotográfico es el que preserva todos estos procedimientos.


Fuente: http://www.itsnicethat.com/articles/mark-lovejoy-1