Algunos hitos del fotoperiodismo

La revista LIFE, que llevó a su máxima expresión el lenguaje de la historia gráfica en sus reportajes publicados semanalmente de 1936 a 1972. Su emblemático archivo hoy puede verse en Internet.


Ir a:  time.com/life/  >>>


La agencia fotográfica Magnum, creada como una cooperativa en 1947 por Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, entre otros. Se mantiene como un referente hasta hoy.


Ir a:  magnumphotos.com  >>>


La fundación y certamen World Press Photo, que desde 1955 premia anualmente lo mejor del fotoperiodismo mundial.


Ir a:  worldpressphoto.org  >>>

Las fotografías "ponchadas" de la FSA


No, ese círculo negro no es una intervención hecha por un artista conceptual sobre una imagen histórica...

Es ampliamente conocido el proyecto de fotografía documental de la Farm Security
Administration realizado durante los años de la depresión en Estados Unidos. Lo que no ha sido muy difundido es que Roy Stryker, el economista que fungió como coordinador del proyecto, "ponchó" infinidad de negativos del archivo a fin de inhabilitarlos, ya que no satisfacían sus criterios editoriales.

Al considerar retrospectivamente esta práctica, no nos queda más que cuestionarla.

Algunos autores fotográficos —piénsese en el caso del paisajista Brett Weston— llegaron a destruir sus negativos a fin de que a su muerte no se tuviera acceso a sus archivos. Weston cuidaba minuciosamente todo el proceso creativo, dentro del cual consideraba esencial la realización de la impresión final por el propio artista.

Aunque puede resultar engañoso comparar un proyecto documental realizado por varios fotógrafos contratados para ese fin, con una obra como la de Weston, con connotaciones artísticas, el tema no deja de sugerir diversos debates y posiciones. ¿Cuál es la tuya?



Photography-Now.net : : Otro estupendo acervo

De características muy diferentes a zonezero.com, más enfocado a los maestros de la fotografía artística, el sitio web photography-now.net es también una escala indispensable para el amante de la fotografía.


Ir a:  photography-now.net >>>

Zonezero.com : : Un acervo invaluable de portafolios fotográficos

Creado en 1994 por el fotógrafo mexicano Pedro Meyer, zonezero.com presenta una infinidad de portafolios de fotógrafos de la más diversa índole, con cierto énfasis en las propuestas provenientes de Latinoamérica. Te recomiendo que te pierdas durante un buen rato en su sección "galerías", para sorprenderte con la variedad de la producción fotográfica actual.


Ir a:  zonezero.com >>>

Sobre la autentificación de las fotos digitales

Este artículo explica la manera de comprobar si una fotografía digital ha sido o no modificada, a través de los metadatos que todo archivo digital conserva. Un debate omnipresente en el caso de la fotografía periodística actual.


Ver nota >>>

Fotoperiodismo: dos posiciones contrastentes

Estas dos notas, ambas del 2013, propician una necesaria reflexión acerca del fotoperiodismo en la era digital.

En la primera, se da cuenta de que el diario francés 'Libération' se publica un día sin imágenes, para reivindicar su importancia y declararse en deuda con los fotógrafos.

Ver nota >>>


La segunda, por su parte, informa del despido de toda la plantilla de casi 30 fotógrafos del diario 'Chicago Sun-Times', incluido un premio Pulitzer. A partir de ese momento las notas serían ilustradas por los propios redactores y mediante imágenes obtenidas del público.

Ver nota >>>
Ver nota >>>


¿Cuál es el futuro de la foto de prensa en una época en la que todo el mundo trae una cámara en el bolsillo?

Bienvenidos alumnos de la Maestría en Periodismo

- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

Cristina Garcia Rodero

Nacida en Puertollano, Ciudad Real, el 14 de octubre de 1949, es uno de los más grandes nombres en la historia de la fotografía española. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, comenzó su carrera docente en 1974 dando clase de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. En 1983 empezó a impartir clases de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, actividad que realiza hasta 2007. Ha compatibilizado su tarea docente con la creación fotográfica y la colaboración en diversas publicaciones periódicas españolas y extranjeras. En 2009 se convirtió en la primera española en ingresar en la agencia fotoperiodística Magnum.

El arte digital en manos de un fotógrafo mexicano



Surrealismo y ficción representados en imágenes dramáticas y coloridas, es como Israel Rivera describe su trabajo , logrando así un gran impacto al combinar colores fríos y cálidos con escenas que en algún momento suelen ser perturbadoras.

Israel Rivera es un joven fotógrafo mexicano de 26 años, egresado de la carrera de fotografía y publicidad de la universidad George Eastman. siempre le ha interesado la manipulación digital y es completamente #Teamphotoshop. Actualmente estudia la carrera de diseño gráfico en la UNITEC



Muchos de los elementos pueden o no ser reales, puesto que se apoya en la utileria y maquillaje es característico de su trabajo; textura, colores, y contrastes se manipulan de una forma de tal forma que nos entrega un imagen que a simple vista es impactante, para distinguir cada detalle y elemento de la imagen manipulada con gran destreza abre bien los ojos y presta atención a cada imagen presentada por este gran artista.

Lo nunca antes visto por Lara Zankoul: El arte de una fotografía surrealista.



Pero quien es Lara Zankoul? Fotógrafa libanesa quien es su serie "The Unssen" fuerza los limites de la fotografía surrealista a través de sus escenarios construidos a tamaño natural. los cuales unidamente mediante el uso de su cámara y SIN manipulación digital , Zankoul crea imágenes oníricas en las que utiliza el agua para describir las características compuestas de los personajes que retrata



Cada imagen capta una emoción humana diferente y las perspectivas de confrontación que pueden existir. esta fotografía libanesa invita al espectador a investigar cada imagen y trata de determinar que mitad tiene mas elementos de verdad.


Manu Mart fotógrafo español

Manu Mart es madrileño y estudió en Barcelona, en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya y en Ruido Photo, aunque sus inicios estaban en el mundo de la publicidad. Tras centrarse en la fotografía, recibió una beca de la escuela madrileña EFTI.
Lo que más gusta es su peculiar estilo y calidad en la fotografía de calle. Con un gran dominio de la luz, sus capturas resultan inspiradoras, siempre jugando con los contrastes, con escenarios urbanos donde los personajes anónimos son los protagonistas de escenas muy cuidadas. Tienevarios trabajos, con la danza como objetivo principal.

Tacita Dean

Tacita Dean (nacida en 1965) en Canterbury, Inglaterra. Es una artista visual. Desde 1985 hasta 1988 acudió a la Escuela de Arte de Falmouth. Tuvo una beca del gobierno griego para la Escuela de Bellas Artes Suprema de Atenas (1989 – 1990). En el periodo 1990 – 1992 acudió a la Escuela de Bellas Artes Slade, en Londres. En un primer momento se formó como pintora, pero posteriormente se dedicó al vídeo, trabajos por los que es conocida. Utiliza, no obstante, una gran variedad de medios, incluyendo dibujo, fotografía y sonido. También ha publicado varios libros, cuyos temas complementan su obra visual. Su trabajo más reciente no incluye comentarios, pero algunos de sus textos forman parte de los vídeos. Es una de las Young british artists.

Paul Albert Leitner

Paul Albert Leitner writes a photographic travelogue and records the transformations he has experienced throughout his life’s journey. An artist sets forth as a young man on a journey into his self, a sensitive journey, in the manner of Lawrence Sterne’s Sentimental Journey through France and Italy (1768). Leitner’s autobiographical perception of himself is based on his external, physical existence that confronts nature as the mirror of the soul in photography. Albert Leitner has been working for 30 years on a photographic oeuvre that encompasses still life, landscape, and portraits as well as slide-sound-collag
es. This publication was published to accompany the exhibition at Kunsthalle Wien, July – August 2007.

Juul Hondius

Juul Hondius born in 1970 in Ens, Noordoostpolder, The Netherlands, photographer Juul Hondius lives and works in Amsterdam. Hondius creates carefully staged images that draw on the iconography of news photography only to displace its proverbial codes. His images suggest migration and transit, solitude and displacement. Unsettlingly familiar, his subjects are often people ridding on public transportation or driving their car, seemingly oblivious to the artist’s presence. And yet, the photographs' glossy finish constantly calls into questions the authenticity of the encounter or situation, casting doubt on any intuitive sense of recognition. Juul Hondius has presented solo shows at Galerie Akinci (2004 and 2007) and has participated in numerous international exhibitions, including “Becoming Istanbul” at Deutches Architektur Institut / Garanti Gallery, Frankfurt (2008), “The Photographers” at Platform Garanti Contemporary Art Center, Istanbul (2007), “Paranoia” at the Freud Museum, London (2007) and Leeds City Gallery, Leeds (2006), “In Sight: Contemporary Dutch Photography” at The Art Institute of Chicago, Chicago, (2005), “Harmless” at De Appel Foundation, Amsterdam, (2004), “Delay” at Boijmans Van Beuningen Museum, Rotterdam, (2004) and the Busan Biennale, Busan Metropolitan Art Museum, Busan, Korea, (2004).

An-My Le

An-My Lê was born in Saigon, Vietnam, in 1960. Lê fled Vietnam with her family as a teenager in 1975, the final year of the war, eventually settling in the United States as a political refugee. Lê received BAS and MS degrees in biology from Stanford University (1981, 1985) and an MFA from Yale University (1993). Her photographs and films examine the impact, consequences, and representation of war. Whether in color or black-and-white, her pictures frame a tension between the natural landscape and its violent transformation into battlefields. Projects include "Viêt Nam" (1994–98), in which Lê’s memories of a war-torn countryside are reconciled with the contemporary landscape; "Small Wars" (1999–2002), in which Lê photographed and participated in Vietnam War reenactments in South Carolina; and "29 Palms" (2003–04), in which United States Marines preparing for deployment play-act scenarios in a virtual Middle East in the California desert. Suspended between the formal traditions of documentary and staged photography, Lê’s work explores the disjunction between wars as historical events and the ubiquitous representation of war in contemporary entertainment, politics, and collective consciousness.

Justine Kurland

Justine Kurland (American, b.1969) is a Contemporary Fine Art photographer who is known for her large c-print tableau pictures of childhood secret places and wastelands. She was born in Warsaw, NY, and graduated from The School of Visual Arts in New York with a BFA in 1996. She received her MFA in 1998 from Yale University in Connecticut. She is heavily influenced by her Yale instructors Gregory Crewdson and Philip-Lorca diCorcia, and is known for her elaborate staging of photographs. Kurland has become famous for her landscapes dealing with young children, men, and women, often mixing the purity of youth with its unbridled wildness. These works of feral and unsupervised children running amuck in a suburban wasteland formed the basis of her book Spirit West in 2000. She has traveled across the United States to create these staged photos, including to Virginia and California, but spent many months traveling through New Zealand as well. Her photos of utopian-esque communities in Virginia and California earned her solo shows in London and Vienna. Kurland is very in touch with nature and the primal impulses of humanity. In 2004, the book Old Joy explored men in the wilderness often unclothed as they experienced the true mystery of nature. There are few subjects Kurland is not willing to broach with her photography. She examined medieval and biblical images in her 2004 show Songs of Experience. The photographer has reached the mainstream world as well; she was profiled in The New York Times, Vogue, and Elle. Her photos grace the cover and liner notes of the group M83's album Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts. Some of her more famous pieces include After Darius Kinsey , Snake, and Hemp Bracelets for Spanging. Kurland’s work has been seen in Monte Clark Gallery in Canada, CEPA Gallery in New York, and Elizabeth Leach Gallery in Oregon. She is one of the leading photographers of primal imagery and nature, and she influences many artists. Kurland currently lives and works in New York.

Izima Kaoru

¿Con ropa de qué diseñador te gustaría estar vestida al morir? Esta es la interrogante que Izima Kaoru hizo a un grupo de actrices y modelos para iniciar la serie ”Landscapes with a Corpse” (Paisajes con un cadáver). Cada uno de estos paisajes es una pequeña serie de 2 o 3 fotografías donde cambia el plano, normalmente tiene un plano muy abierto donde apenas y se alcanza a apreciar el cadáver, sigue con un plano un poco más cerrado donde ya te es posible ver la escena con mas detalle y termina con un plano cerrado al cadáver en el cual ves con detalle la ropa del personaje. Izima Kaoru hace un trabajo increíble en la forma de montar estas escenas, en la disposición de los cadáveres y cuida mucho el hecho de no mostrar imágenes violentas, al contrario, nos da imágenes de una muerte estéticamente bella, elegante y fina que es a final de cuentas como a estas actrices y modelos les gustaría morir. A pesar de tener en promedio 3 imágenes de cada escena que con el simple uso de planos te cuenta una historia, Izima Kaoru te invita a pensar en los hechos que llevaron a esas muertes.

Joachim Koester

Joachim Koester es un artista conceptual danés (nacido en 1962 en Copenhague, vive entre esta ciudad y Nueva York) cuya obra está en la frontera entre el documental y la ficción. Joachim Koester se graduó en la Real Academia Danesa de Arte de Copenhague. Trabaja principalmente en fotografía y vídeo. Durante los últimos quince años, su obra ha sido expuesta internacionalmente, en Europa, América del Norte y África, como ejemplo: MCA (Chicago), Van Abbemuseum (Eindoven), Musée d'Art moderne de la Ville de Paris (París), PS1 (New York), Moderna Museet (Estocolmo), Palais de Tokyo (París), … Su trabajo ha sido expuesto en la Kwangju Biennale, Documenta Kassel, y la Bienal de Venecia. Su obra forma parte de varias colecciones públicas y privadas como el Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Museum of Modern Art (Nueva York), S.M.A.K (Gante), The National Gallery of Denmark (Copenhague) y el Moderna Museet (Estocolmo). Fue uno de los finalistas de 2008 en el Premio Hugo Boss (Guggenheim Foundation). En 2013 ganó el The Camera Austria Award for Contemporary Photography, Graz, Austria.

Cindy Sherman y sus disfraces.

Cindy Sherman y sus disfraces.

A través de sus personificaciones, esta  fotógrafa es un ícono de la fotografía posmoderna.
Vestida de universitaria, o de Audrey Hepburn, esta artista abandona la pintura para adoptar la fotografía. Su discurso genera una crítica cultural desde una perspectiva femenina. Ha realizado numerosas series fotográficas a lo largo de su carrera. Explora los estereotipos y la cultura estadounidense.

Pueden citarse entre sus series destacadas Society Portraits(Retratos de Sociedad), Sex Pictures (Imágenes Sexuales), Disasters y Fairy Tales (Desastres y Cuentos de Hadas) oHistory Portraits (Retratos históricos). Pero su trabajo fundamental se encuentra en el clásico Untitled Film Stills (Fotogramas Sin Título) y su corolario Rear Screen Projections (Proyecciones Retro-proyectadas).

Sherman realiza su más famosa serie fotográfica en 1977 y sigue siendo hoy en día la más conocida y ampliamente difundida. En estos Fotogramas Sin Título, monta una escena que remite visual y narrativamente al cine.

“La serie Untitled Film Stills se refiere al lenguaje visual del cine de las décadas de 1940 y 1950, particularmente al de directores de Hollywood como Alfred Hitchcock (1899-1980). También hay referencias al estilo, apariencia y narrativas de las películas de serie B y el cine negro, así como a los filmes europeos, particularmente los de la Nueva Ola Francesa y el neo-realismo italiano”

La propia Sherman explica: “Me interesaba, en particular, el aspecto del cine europeo más que el hollywoodense. Algunos de los personajes tenían influencia consciente, como Brigitte Bardot, Pero se trata más de un estilo Bardot que una copia. Otros personajes estaban inspirados en Sofía Loren.. …Ana Magnani.. …Jayne Mansfield y gente así – quería que las películas lucieran oscuras y europeas. libros sobre Garbo, películas de Europa oriental, filmes mudos, películas de horror y de clase B… Me gustaban el look the Hitchcock, Antonioni y las películas neo-realistas…”



  

Elina Brotherus

Elina Brotherus es una fotógrafa finlandesa (nacida en 1972 en Helsinki, vive en París y Helsinki), que trabaja también con video. Los elementos fundamentales de sus obras son ella misma y los paisajes abiertos mostrando experiencias subjetivas, como la presencia y la ausencia de amor. Actualmente trata cuestiones más formales en su serie The New Painting. Elina Brotherus estudió química analítica antes de que decidiera hacer fotografía. Sus primeras obras, enraizadas en la tradición documental, usan el autorretrato, pero más recientemente, desde 2000 en que terminó sus estudios de fotografía en la Universidad de Art e y Diseño de Helsinki, sus intereses han estado dominados por preocupaciones formales. Su práctica continúa centrándose en el cuerpo humano y el paisaje. Mientras que sus obras provocan preguntas conceptuales, el artista insiste en que sus intereses son sobre todo visuales. En su serie The New Painting, Brotherus utiliza una cámara para investigar los dilemas (luz, color y composición) que han desafiado a los pintores durante siglos, inspirándose en la iconografía de la pintura clásica. También da a sus obras títulos que recuerdan a las pinturas, como, por ejemplo, Baigneurs. El estudio de la relación entre el personaje y el espacio continúa también en la siguiente serie Model Studies (2002) en los que su propia imagen o la de un modelo profesional se convierte en el punto de referencia de la mirada en el espacio, y en los dípticos Points of View en los que se toma una foto de cara y otra de espaldas en paisajes que parecen recordar los paisajes de Lorrain o Friedrich. Estos trabajos se basan en el tema de la reciprocidad de la visión y seiniciaron en 2001 con el video Miroir, donde el reflejo de la cara de la artista se manifiesta para desaparecer en vapor de agua.

Dirk Braeckman

Dirk Braeckman es un fotógrafo belga (nacido en 1958 en Eeklo, vive y trabaja en Gante) que es uno de los fotógrafos belgas actuales más reconocidos. Juega con parámetros fotográficos como la luz, el enfoque y el encuadre con el fin de crear imágenes muy individuales. Sus fotografías en blanco y negro capturan momentos perdidos y esquinas y revelan los puntos ciegos de nuestra percepción tradicional. Dirk Braeckman estudió en la Academia de Gante de 1977 al 81, y ha acumulado un récord importante de exposiciones y premios internacionales. También es profesor en la Escuela de Arte en Amberes. Comenzó su carrera artística como fotógrafo de retratos (de conocidos, principalmente mujeres) y autorretratos. Más tarde, eligió temas de espacios abandonados y habitaciones desiertas, partes del cuerpo, superficies de escritorios, paredes, camas, etc. para sus fotos en blanco y negro. Los fragmentos se agrandan y toman la dimensión de bodegón global. Al dirigir la atención al detalle, lo minúsculo es elevado a dimensiones de icono. Sus imágenes son diáfanas y sugerentes: uno reconoce una narrativa personal detrás de sus grandes fotos sin enmarcar, en blanco y negro, pero mayoritariamente en grises. Braeckman ha estado trabajando con la galería Zeno X a partir de 1999. Su obra también ha sido objeto de exposiciones individuales en SMAK en Gante y en De Pont Foundation en Tilburg (Holanda). La Familia Real de Bélgica encargó al artista una instalación permanente en la Sala de la Esfinge del Palacio Real de Bruselas y también ha retratado al rey belga Alberto II y la reina Paola. Además de su fotografía, Braeckman crea instalaciones específicas para diferentes proyectos como Beaufort en Ostende o de arte y festival de poesía Watou. Recientemente, una instalación permanente de un PhotoWork monumental (de los cuales un facsímil se presenta ahora en la galería Robert Miller) se ha inaugurado en la nueva sala de conciertos de Brujas.
Rut Blees Luxemburg es una fotógrafa alemana (nacida en 1967 en Trier, Alemania, vive y trabaja en Londres) especialista en fotografía urbana, con la que investiga el paisaje metropolitano y las formas en que la ciudad afecta a la condición humana, así como su relación con la literatura y la música. Con un sentido de juego y fluidez, sus obras sugieren nuevas formas de moverse por la ciudad, y explorar las posibilidades de redescubrimiento, belleza y poesía, que existen bajo la superficie áspera del entorno construido. Rut Blees Luxemburg estudió Ciencias Políticas en la Universidad de Duisburg, posteriormente estudió fotografía en el London College of Printing y obtuvo un master en fotografía en la Universidad de Westminster en Londres. Emplea a largas exposiciones lo que le permite utilizar la luz que emana la propia calle, por ejemplo, de edificios de oficinas o las luces de la calle en sus fotos. Las obras así resultantes son extrañas y hermosas, a veces inmediatamente reconocibles, en otros casos son casi abstractas, inundadas de luz verde y dorada. Los paisajes urbanos suelen parecer amenazantes y deshumanizantes, pero a través del trabajo poético y seductor de Blees Luxemburg nos atraen, nos hacen mirar de nuevo llevándonos a nuevas formas de ver e interactuar con las ciudades que habitamos. Su fotografía Towering Inferno fue utilizada como carátula del álbum Original Pirate Material de The Streets. La foto muestra la belleza de una torre de viviendas iluminada. También A Modern Project se utilizó como la carátula del álbum A Weekend in the City de Bloc Party. Trabaja con película al ser mejor para la fotografía de noche. También utiliza una cámara de gran formato para obtener mayor resolución ya que a menudo crea copias de 2 y 3 metros.